CosmicTea

Dënver

2011-02-20T19:24:00.008-06:00

Música, Gramática y Gimnasia, es el titulo de la más reciente producción de Dënver, dúo chileno conformado por Mariana Montenegro y Milton Mahan quienes combinan sonidos electro pop con aires de principios de los ochenta.

En entrevista exclusiva para Recurrente Magazine, Milton Mahan compositor, vocalista e instrumentista nos platicó: “Quise que este segundo disco tuviese un hilo conductor entre las canciones, que en este caso creo que son los deportes como manifestaciones de jovialidad, ligadas a esa concepción griega de la perfección del cuerpo tanto intelectual como física. Ahora todo esto llevado a un círculo poco pretencioso, trasladado a una cosa regional, en este caso nuestra ciudad San Felipe y sus alrededores en la quinta región, los protagonistas no son medallistas en ningún caso, son atletas anónimos perdidos en sus pequeños mundos, así por ejemplo la canción “Mi primer oro” es la historia de un personaje que alejado por sus competencias deportivas siente el temor de qué es lo que hará su pareja el fin de semana en su ausencia, entonces lo que importa no es el asunto deportivo en sí, sino la relación que se crea entre los chicos y su alrededor, creo que ese tipo de cosas define bastante bien la línea que sigue el disco”.

El álbum está compuesto por 11 canciones producidas por Cristián Heyne, periodista, músico y productor chileno ligado al pop. Además, el propio Milton estuvo a cargo de la mezcla: “Era mi primera experiencia en ese ámbito y tenía todas las posibilidades de o hacer un gran disco o de arruinarlo por inexperiencia, pero creo que logré llegar a un punto intermedio que al menos a mi igual me dejó conforme, eso sin duda es todo un desafío”.

En julio, lanzaron su primer sencillo “Lo que quieras” que además, es parte de la telenovela Niñas Mal de MTV: “Ambos concordábamos que “Lo que quieras” estaba dentro de las canciones que más nos representaban por eso la elegimos como single. Mis canciones favoritas son así como por época, pero creo que, igual a “Los Bikers” le siento un cariño bastante especial”.

El artwork fue realizado por Alejandro Soto, quién a partir de una sesión de fotos hizo unos dibujos que posteriormente terminaron en manos del diseñador Pablo Serrano: “Queríamos que el diseño tuviese relación con los deportes, que es el concepto del disco y que tuviese algún toque a disco antiguo”.

Finalmente, Milton Mahan nos adelantó los planes de Dënver: “La idea es seguir promocionando harto acá en Chile el álbum Música, Gramática y Gimnasia, ahora se viene el segundo videoclip que lo haremos nuevamente nosotros con Bernardo Quesney y si se da la posibilidad salir afuera el 2011 para mostrar también nuestro trabajo. Les recomiendo que se den tiempo de oír música Latinoamericana, están pasando hartas cosas buenas en estos tiempos, vayan a ver bandas en vivo que le sienta bien para el alma”.

Música, Gramática y Gimnasia está disponible en descarga en la página del sello Cazador, así como en su página oficial http://duodenver.cl/ y en iTunes.

Publicada en Recurrente Magazine

Troker

2010-11-25T22:54:00.007-06:00

Luego de lanzar con éxito su primer álbum Jazz Vinil en el 2007, Troker está de regreso a los escenarios para presentar El rey del camino, proyecto con el que festejan sus cinco años de trayectoria y en el que demuestran su madurez como músicos, combinando las vertientes musicales que los han hecho famosos, junto con imágenes propias de nuestro país.

Fusionando rock, jazz y funk con sampleos y hip-hop. Troker nos entrega su segundo material discográfico titulado El rey del camino bajo la audaz supervisión del productor Gerry Rosado de Intolerancia Records.

La banda jalisciense conformada por Frankie Mares (batería), Christian Jiménez (piano, teclados y guitarra), Arturo “El Tiburón” Santillanes (saxofón), Israel Gómez, mejor conocido como DJ Rayo (tornamesas), Samo González (contrabajo) y Gil Cervantes (trompeta), nos concedió una entrevista en su apretada agenda.

El primero en habla fue su contrabajista: “Este disco tiene muchas variantes, mucho contenido musical diverso que puede gustarle a la banda. Yo creo que le quedaría muy bien a películas tipo Planet Terror, porque definitivamente es música instrumental con calidad de exportación”. “Además, -continuó “El Tiburón”- con este disco queremos que se vean los resultados de un proceso que viene gestándose desde el primer material: estamos en una etapa de maduración musical, como personas y como banda. Es dar un paso muy fuerte, creo que empezamos a definir muchas facciones musicales y definitivamente es un trabajo bien logrado”. Por último añadió Gil: “El jazz es un género que nos permite fusionar cosas muy padres y darle un sabor muy mexicano”.

El rey del camino además del disco incluye un DVD, que contiene diez videos realizados en diversas técnicas (desde el stop motion hasta el 3D). El proyecto estuvo a cargo de los ganadores del Ariel: Luis Téllez y Karla Castañeda, con la participación de Mariana Gutiérrez y Yazz en la animación. “El Tiburón” nos comentó al respecto: “El mayor reto fue poder tener el DVD y el CD terminado al mismo tiempo, queríamos que cada tema tuviera un video y realmente no sabíamos en lo que nos metíamos (risas). Fue un proceso de exploración realmente difícil y nos llevó demasiado tiempo, porque durante el proceso de grabación algunas veces lo hacíamos en sesiones conjuntas, otras por separado… Al final resultó algo muy interesante, muy diferente a lo que habíamos hecho anteriormente con nuestros proyectos alternos”.

“Bórax” fue elegido como el primer sencillo, porque el personaje principal es “El rey del camino” que, como era de esperarse, también se incluye en la portada del álbum, Santillanes nos platicó sobre este asunto: “Definitivamente eso influyó para hacerla sonar como primer tema. Además es una rola que en un principio salió como en onda dance / a go go. Es un tema muy bailable, con su onda oldie, pero bien prendida. De hecho la rola no es muy elaborada, es la más sencilla del disco y muestra parte de lo que es Troker en vivo, algo energético, con punch y que claramente atrae la fiesta”.

Además en torno a El rey del camino circundan varios invitados de la talla de Omar Rodríguez (en King Trok), Pato Machete (Night Panter Club), así como Adrián Terrazas (colaborando para 7 Machetes y Chapala Blues). Samo González mencionó: “Fue una experiencia muy grata. Sinceramente, para nosotros fue sorprendente saber que todos ellos conocían al grupo y más aún, querían participar. Fue increíble la sensación cuando los invitamos y que ellos aceptaran. Al momento de grabar fue lo más chido, porque realmente superaron nuestras expectativas”.

Troker rodará alrededor de la República mexicana y además se presentará en festivales de todo el mundo, samo González nos informó: “Queremos tocar mucho y llevar el disco a todos lados dentro de México, vamos a estar en el Festival Performance, en el Jazz al parque en septiembre en Colombia, luego en noviembre, estaremos en el Festival de Jazz de la Riviera Maya en Playa del Carmen, luego iremos a Nueva York y Boston. Dentro de México haremos nuestra gira Barrio Feeling, con conciertos gratuitos por los lugares más conocidos del DF, realmente queremos ir a todos lados donde se pueda y esperamos que nos inviten a tocar mucho para poder sacar otro disco”.

Finalmente, la banda envió un mensaje a los lectores en voz de “El Tiburón” Santillanes: “No se conformen con la música que escuchan en la radio, siempre dedbe de existir interés por conocer más allá. Les podemos garantizar que Troker es música de calidad, es algo independiente que cuesta trabajo realizar y es un proyecto que puede gustarles. Métanse a la página y exploren sonidos nuevos, no se conformen con lo mismo”.

Publicada en Indie Rocks! No. 44

Leika Mochán

2010-10-18T12:19:00.004-05:00

Definiendo su trabajo como música pop-electro-vocal-experimental, Leika Mochán presenta Kaleidojismos, un álbum en el que utiliza como principal instrumento la voz (como en su proyecto Muna Zul), a través de ambientes improvisados. Una exploración de la mano de una de las más talentosas y sensibles artistas de nuestro país.

Desde el nombre podemos tener una idea de qué inspiró a Leika a crear un caleidoscopio vocal. Kaleidojismos es el primer álbum en solitario de Leika Mochán, una artista proveniente de la Ciudad de México que pretende mantenerse en la escena musical con letras autobiográficas y momentos sonoros improvisados. En entrevista exclusiva, nos platicó un poco sobre su proceso de creación: “Este álbum fue un trabajo muy duro, sobre todo porque es la primera vez que lo hago sola. En los discos anteriores el trabajo era grupal, así que toda la responsabilidad se repartía entre tres, cinco o seis personas; pero ahora tenía que estar cargando todo, fue como ¡Argghh! Siento que cuando estás en un grupo de trabajo puedes llegar a criticar mucho a los otros: “¡Ay, es que fulanito hizo esto!”, “Ay es que perenganito no hizo esto otro!”, pero al momento de trabajar sola me di cuenta que es igual, tienes los mismos problemas que cuando estás trabajando en grupo, pero tienes que sortearlos tú mismo, es como si te encontraras con tus demonios”.

Kaleidojismos fue grabado en tiempo real, con un pedal para guitarra en donde cualquier error había que incluirlo en el disco: “Todo lo grabé con Juan “Cubas” Fridman; fue una gran chamba, mucho encerrón. Fue complicado no tener tanto oído externo, ni la retroalimentación de otra gente. Todo lo decidí sola, en momentos pensé “¡Cómo quisiera tener alguien que me ayudara!” (Risas), pero fue muy bonito y sigue siéndolo, me gusta trabajar sola, pero revaloré el trabajo en equipo”.

El álbum explora diversos ambientes en los que destaca Esa Mujer, Sumérjome y Awaken, una adaptación de La Sagesse (Women I’m Calling You) de la cantante inglesa Sheila Chandra: “Esa canción en específico, siempre me gustó mucho, la hago con la ayuda de un bowl tibetano que usaba para estudiar y dar clases. Un Día que estaba muy bajoneada, comencé a cantar esa canción porque tenía la necesidad del empoderamiento interno y se me hizo muy bonito como lo pude armonizar”.

Recientemente, la cantautora trabaja en nuevos covers, entre los que se incluye Como el agua, del cantaor flamenco, Camarón de la Isla: “Dentro del repertorio kaleidojísmico escucho a otros artistas, buscándoles un nuevo sentido y creando variaciones; es muy bonito, he hecho muy pocos covers en mi vida pero siento que el reinterpretar tiene una onda bien especial. Por ejemplo, el de Camarón de la Isla, es una versión rara pero bonita; me la enseñó mi maestra de canto, Isabel Tercero, y hace poco la operaron y como es músico y no tenía seguro, entonces hicimos un concierto para juntar fondos y quise hacerla como un tributo a ella y a Camarón, estoy muy orgullosa del resultado”.

Actualmente Leika Mochán participa en varios proyectos como Muna Zul, Los Aguakates, Requesound y Proyecto Geko, y sobre los proyectos en los que está involucrada nos platicó con entusiasmo: “Todo ha sido muy rayado, porque los proyectos que he querido hacer se me han puesto, he sido muy afortunada en ese sentido. Mantenerlos es lo más difícil, los grupos de trabajo son como el amor: te conocer, te amas, te enamoras y estás increíble, pero después pasan años y ocurren cosas que te hacen preguntarte “¿por qué otra vez dijiste eso?”, y ahí es cuando viene la chamba de conocer los demonios, lo chido, lo malo, todo, y de seguir queriendo trabajar con ellos es lo más chingón. También la música va cambiando, la gente se va desarrollando, tanto musical como personalmente, es muy bonito ser parte de eso”.

La cantante planea grabar próximamente un disco con su maestra Iraida Noriega, y sobre ella y su relación nos dijo: “Ella para mi siempre ha sido una mujer que está muy cabrona. Tenemos una relación de mucho amor, más que de maestra-alumna. Siempre hablamos de la vida, de los colores, de la magia, y así es la música también; es algo muy libre, como “veámonos y disfrutémoslo” y lo hacemos chido, siempre con el amor por delante, muy bonito”.

Además, Leika Mochán desea continuar estudiando música y viajar un tiempo a la India, y para finalizar, nos contó un poco sobre sus planes futuros y nos animó a cantar: “Una vez me fui un par de meses a la India y tengo ganas de salir del país de nuevo, así que sería genial regresar allá. Quiero hacer un disco con sampleos y sonidos de un parque, es de esas cosas que espero que se logren, ahora estamos grabando un disco con Proyecto Geko bajo el apoyo de Intolerancia. Además quiero seguir comiendo rico, cocinando, viendo el atardecer y cantando… ¡Ustedes deberían hacer lo mismo! Para cantar no se necesita nada, sólo las ganas y una buena regadera, si todos cantáramos, el mundo sería más alegre”.

Publicado en Indie Rocks! No. 43

Gustavo Cerati

2010-09-20T11:10:00.000-05:00

Festejando ya medio siglo de vida, el cantautor argentino Gustavo Cerati regresa a los escenarios, después de tres años, con Fuerza Natural, su quinta producción discográfica en la que viaja misteriosamente a través de los fenómenos naturales y personales. Inspirado de algún modo en los años 60, considera a este disco más libre y muestra como primer sencillo “Deja vu”.

Luego de concluir su participación con uno de los grupos más sobresalientes de iberoamerica, Soda Stereo, el cantante y compositor Gustavo Cerati se enfocó a la experimentación sonora. Su participación en el disco homenaje a The Police junto al compositor y guitarrista Andy Summers, así como el lanzamiento del exitoso álbum Bocanada en 1999, dieron comienzo oficial a su carrera solista. Después de cuatro excelentes producciones, a una década de haberse consolidado su nombre fuera de Soda Stereo, Cerati nos regala Fuerza Natural, un disco en el que incluye la participación del baterista Sterling Campbell (ex Duran Duran) y Glenn Patscha (músico de Roger Waters).

En entrevista exclusiva para IndRks!, Gustavo Cerati comentó alegremente: “El álbum es como un vehículo de transporte musical, el encadenamiento de los temas me permitieron ver escenas de una especie de road movie. Realmente es algo más artístico que lo que había hecho anteriormente, pues va enfocado hacia el cine y si tuviera que elegir una película para representar este disco tendría que ser una especie de trayecto, una mezcla entre Paris, Texas y 2001: A Space Odyssey. Realmente estoy muy orgulloso del resultado porque sigo jugando con la música”.

Durante el 2008 y parte del 2009, se realizaron las grabaciones del álbum en los estudios Looking Glass y Stratosphere Sound en Nueva York, con la colaboración del ingeniero Héctor Castillo y bajo la producción del propio Gustavo Cerati. En esta entrega, el compositor logró un sonido menos distorsionado y más encaminado hacia lo folk, al respecto explicó: “Fue complicado lograr que tuviera potencia de transmisión con guitarras más limpias, decidí experimentar con sonidos acústicos mezclados con cosas más electrónicas. Esto porque para mí es más fácil expresar la potencia con la distorsión; definitivamente siento que así se levanta más una composición, pero eso no quiere decir que sea más bella o más potente si quiera; es más difícil lograr que guitarras más limpias y entrelazadas tengan esa potencia, fue un trabajo duro lograr que tuvieran la energía que yo quería, pero al final me parece que sí se logró”.

Sorpresivamente, Benito Cerati (hijo del músico), decidió colaborar una vez más en la composición de algunas letras como en “Fuerza Natural”, “Rapto” y “Desastre”; además, Cerati comentó que en esta ocasión se propuso superar sus limites en cuanto a lo lírico: “Quise escribir sobre otras cosas… Me parece que ahora hablo de mi relación con las personas de una forma más solitaria, a diferencia del Ahí Vamos, donde trataba un poco más sobre las relaciones de pareja o cosas así. Ahora quise salir un poco de ese tema que me tenía enclaustrado, por eso incluí situaciones que tienen que ver con el tiempo y con la alteración del espacio. Quizá, durante el proceso de composición estuvieron presentes en mi mente las obras de varios artistas como José María Madrid, algunas películas de Kenneth Anger y los dibujos de William Blake, No quiero sonar demasiado pretensioso y además no creo que mis letras sea directamente producto de eso, pero sí creo que son un punto contractual de todo esto”. Ese viaje espacio-temporal del que Cerati hablaba se ve claramente reflejado en la letra del primer sencillo (“Deja vu”), para muestra: “Mira el reloj se derritió. Rebobinando hacia adelante te alcanzó. Oh no. Ecos de antes rebotando en la quietud. Todo es mentira ya verás. La poesía es la única verdad. Sacar belleza de este caos es virtud. Oh no”.

Fuerza Natural se compone por 13 tracks y un bonus llamado “Numeral”. Acoplándose a las nuevas tecnologías se tiró el CD, pero también está en tiendas digitales, además de que se lanzó una edición en vinilo que consta de 2 LP’s. Sobre esto declaró: “Yo creo que lo digital le falta mucho por recorrer; pero el vinilo es una tecnología que hace tiempo llegó a su punto máximo de evolución y podría parecer que volver a hacer ese formato es algo retro, pero a mí me sigue gustando el sonido tan especial que tiene y a los fanáticos parece agradarles esta idea”.

El éxito de esta producción es innegable, pues inmediatamente después de su lanzamiento en septiembre, Fuerza Natural recibió un disco de oro por ventas anticipadas en su natal Argentina: “Estoy muy agradecido, porque cada vez que me aventuro a hacer un disco lo hago por deseo, no siento la presión externa de tener que hacerlo, ni siquiera tengo una cuestión contractual de alguien que me diga que tengo que hacer un disco en tal momento. Entonces, mi principal motor o motivo para trabajar es el deseo, disfrutando la trayectoria que está detrás, esperando que a la gente le guste mi trabajo…Este proceso es algo que me llena de alegría”. No conforme con esto, Cerati buscó darle un toque especial a Fuerza Natural, por ello es que tanto la versión CD como la de vinilo son ediciones especiales que cuentan con un número de serie. “Este disco es realmente producto del deseo más que de la necesidad, tiene muchas más cosas resueltas que todos los álbumes que he hecho anteriormente. Es parte de un proceso natural que se gestó para dar una sensación de libertad musical y artística”.

Como mencioné al principio, el pasado 11 de Agosto, el músico cumplió 50 años de edad y afirmó que aun con esta edad se siente confiado, en un momento de plenitud y libertad (cualidades que el tiempo le ha otorgado): “Veo la acumulación de kilómetros de edad lo veo como algo positivo porque ahora la prospectiva de la edad me permite tener una imagen de todo como una foto o película un poco más amplia, más cinemascope o algo así. Definitivamente, los últimos años han sido lo mejor para mí; de hecho desde que tengo 40 años para acá, realmente vivo mucho más feliz; claro, como en todo hay conflictos porque tampoco todo es fantástico, pero me parece que ahora disfruto más los momentos. Creo que de más chico me pasaban las cosas por el costado, mi ansiedad era mayor que la posibilidad de disfrutar y casi casi disfrutaba la ansiedad y eso hacia que pasara un mal momento. Disfrutar más de las cosas es parte de las lecciones que te da la edad y realmente se lo agradezco”.

Paralelamente, Cerati lanzó una colección de ropa para caballero llamada GC Basement y durante su presentación en Chile, contó con la presencia de grandes personalidades del mundo de las pasarelas, incluyendo a la modelo argentina Valeria Mazza. La colección está disponible a través de la cadena chilena Falabella en Argentina, Colombia y Perú: “La tienda de ropa me ofreció un segmento de ropa en la que yo podía decidir como sería, por eso convoqué a Manuel Morales, un diseñador que trabaja conmigo en la oficina de vestuario de los shows y los videos; tuvimos muchas ideas y luego las pusimos en papel. Creo que es una colección genial, con muchos artículos de ropa pero es algo limitada en cuanto a la cantidad, así que seguramente no durará más de un año”. Desgraciadamente, Falabella no tiene sucursales en México, así que no parece probable que lleguemos a tener el placer de apreciar el gusto del artista en cuanto a moda.

Es difícil hablar de Gustavo Cerati sin mencionar su trayectoria con Soda Stereo. Es bien sabido que inició su carrera musical desde temprana edad inspirado por el maestro David Bowie y los británicos Queen, pero no fue sino hasta mediados de los 80 que conquistó al mundo junto con los demás integrantes de Soda. Sobra decirlo, para finales de 1987 más de 36.000 personas habían asistido a sus múltiples shows alrededor de nuestro país: “Sé que encendimos mucho la mecha de lo que ocurría aquí en México, pero de una forma más under. Desde los 80 que veníamos a tocar acá, los conciertos no estaban permitidos en el Distrito Federal y teníamos que hacerlos fuera. Ahora se ha recorrido un largo camino en ese aspecto y México ha dado muchos ejemplos de música que han circulado en el mundo, porque su escena es una cosa más universal, en cuanto a propuestas musicales”.

Soda Stereo fue uno de los primeros grupos argentinos en salir de su país para realizar giras por Latinoamérica, y sus visitas fueron fundamentales para la expansión del rock de su país natal, pero no fue un proceso sencillo: “La escena argentina en sus inicios, por alguna extraña razón, empezó a ser más nacionalista. El hecho de ir al exterior para muchas bandas, sobre todo las que tocábamos en los 90, significaba algo casi sacrílego, definitivamente era algo absurdo, pero quizá tuvo que ver con los problemas económicos que vivimos. La cuestión es que parece que se lobotimizó un poquito la escena en cuanto a lo visible, porque si vas y excavas en Argentina encuentras muchísima gente talentosa, el problema es que no salen del país y lo que nosotros hicimos quijotadamente en los 80, supongo que por eso no parece estar pasando ahora. En cambio esa expansión y apertura si la vemos en México, los mexicanos nos visitan seguido y a mí me encanta eso, porque no soy tanto de clasificar o llevar banderas y realmente me gustaría ver más grupos argentinos tocando en otros países”.

De hecho, Gustavo Cerati ha mostrado un gran interés con la escena musical mexicana, prueba de ello es la gira que realizó por México y Estados Unidos con Zoé en Noviembre de 2006: “Me gusta mucho Zoé y la gira que compartimos con esos chicos estuvo increíble, ahora vine con la idea de llevarme un poco de música que esté sonando por acá en este momento. Hace poco me visitó en el estudio Ximena Sariñana y me pareció interesante lo que hace, pero sin duda un grupo que respeto mucho es Café Tacuba, además de que es admirable ver que llevan bastante tiempo y siguen siendo muy buenos. Claro que sé que me faltan muchas cosas por conocer, pero seguramente en esta gira tendré más tiempo para ver nuevas propuestas”.

Finalmente, el ex líder de Soda Stereo, dedicó unas palabras a sus fans mexicanos: “Fuerza Natural es donde mejor se plasma lo que quiero en la música, es algo que disfruto mucho, no miro para atrás porque esto es lo que represento ahora y al que le guste que lo tome…”

El músico comenzará el tour promocional de su álbum, cuyo escenario será realizado por Martin Phillips, reconocido diseñador de iluminación que ha trabajado con bandas como Daft Punk, Incubus y Nine Inch Nails. Además, Phillips participó en el regreso de Soda Stereo en su gira Me Verás Volver del 2007; así que indudablemente nos aguarda un show de calidad que destilará la energía y calidad que son sello característico de este artista desde sus inicios.

Afortunadamente, nuestro país será de las sedes primordiales para este tour, ya que México fue elegido para comenzar la gira el próximo 15 de Noviembre y se prevé que finalizará en Buenos Aires el siguiente año. Así que habrá mucho Cerati para deleitarnos largo rato.

Gustavo Cerati

Fuerza Natural

2009

Fusionando folk, blues, country y pop aunado a la manipulación electrónica, el bonaerense, Gustavo Cerati, revela su quinto álbum titulado Fuerza Natural, un material en el que expone diversos estados de ánimo que denotan una madurez musical, que se evidencia con sonidos influenciados por la música de los 60, sin perder su estilo o vigencia.

El álbum está integrado por “Déjà vu”, “Magia”, “Amor sin Rodeos”, “Tracción a Sangre”, “Desastre”, “Cactus”, “Rapto”, “Naturaleza Muerta”, “Dominó”, “Sal”, “Convoy” y “He visto a Lucy”. En cada uno de estos temas comparte un poco de la realidad que ha experimentado en su vida, llenando nuestros oídos con la fuerza y energía propias del compositor.

Sin duda, en este disco se exterioriza la fortaleza y la confianza que ha ganado a través del tiempo y el espacio. Aunque es un álbum menos distorsionado que sus trabajos anteriores, este cambio no demerita su calidad artística, adentrándose en terrenos que bien no le son del todo desconocidos, definitivamente no son sus rumbos usuales; además, ya que este material es producido por el mismo Cerati, vemos en él una radiografía más plena de su interés musical. Para todos sus fans, éste es un disco que vale la pena atesorar, pues es una faceta interesante del ex Soda Stereo.

Publicado en Indie Rocks! No. 35

Stereo Total

2010-08-25T11:07:00.007-05:00

El dúo franco-alemán Stereo Total conformado por Françoise Cactus y Brezel Göring regresa a la Ciudad de México para presentar su más reciente producción titulada Baby Ouh!, álbum que registra la música que a Stereo Total le gustaría escuchar en la radio.

En entrevista para Sopitas.com, esto fue lo que nos platicaron: “Queríamos hacer un disco de pop melódico, (pop underground para ser exactos). Pasamos mucho tiempo componiendo las canciones y tratamos de tener una idea musical muy fuerte para cada canción e incluimos un montón de sonidos extraños. Cuando finalmente comenzamos a grabar el disco, sólo se nos permitió hacer una toma, esto significó que realmente teníamos que concentrarnos y al final los errores audibles dieron una impresión espontánea. Definitivamente este disco podría ser el soundtrack de Pink Flamingos de John Waters y Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demi”.

En Baby Ouh! encontramos influencias de grandes artistas y además se incluyen covers de Brigitte Fontaine y Pedro Almodóvar: “Hay un montón de cosas que nos inspiraron en los últimos años, no sólo influencias musicales. El libro "From A to B and Backwards" de Andy Warhol por ejemplo o las películas de John Waters. Así que empezamos a representar a estas personas y comenzamos a dar una impresión de lo que vemos en ellos. El cover de la canción de Kraftwerk "Tour de France" es lo mismo: es nuestro tributo a la música electrónica clásica”.

El dúo grabó un total de 40 canciones para este álbum, pero sólo se incluyeron 17: “Queríamos hacer un disco corto, como los Beatles, 10 canciones, eso es todo. Pero es muy difícil averiguar cuáles son las mejores canciones si tu mismo las compusiste y las grabaste. Entonces le pedimos ayuda a mucha gente y todos dijeron algo distinto: No, no puedes dejar fuera esto. Así que terminamos con una producción de 17 canciones”.

Además, Brezel Göring (vocalista, guitarrista y compositor) maneja su propia disquera llamada Verboten in Deutschland: “La disquera está funcionando muy bien. Yo sólo lanzo bandas que no quieren ser lanzadas por una disquera normal, punk underground, en su mayoría muy jóvenes y bandas electropunk de Berlín con un humor muy oscuro y letras sarcásticas. Quiero hacer buenos discos porque hay un montón de bandas aquí que nunca lanzaran un disco, por eso empecé la disquera. Mi primer trabajo fue un disco denominado Ten Cool Things About Germany y actualmente acabo relanzar una banda llamada Fetzen”.

Por su parte, Françoise Cactus es reconocida dentro del mundo del arte, ha realizado novelas, pintura y arte-objeto: “Espero traer mi arte a México. Mi agente está tratando de encontrar una buena galería. Si saben de algún lugar para exhibir mis obras, contáctenme”.

Stereo Total se presentará el 10 de Septiembre en el Salón Covadonga de la Ciudad de México: “Hace tiempo estuvimos en México, la gente era de mente abierta, atractiva, enérgica y el ambiente era de fiesta sin ponerse estúpido. Nos gusta mucho la música mexicana como La Revolución de Emiliano Zapata, The Spiders, Los Fancy Free, Esquivel, Question Mark & the Mysterians y El Combo Nacional”.

Finalmente, Françoise Cactus y Brezel Göring enviaron un mensaje a los lectores de Sopitas.com: “Esperamos verlos en los shows. Nos encanta venir a México porque es un país amante de la música”.

Publicado en www.sopitas.com

Julio Martínez Ríos

2010-08-11T10:48:00.010-05:00

¡Arde la calle! Emo, punk, indi y otras subculturas en México, es el titulo del libro publicado por Mondadori y realizado por Julio Martínez Ríos, locutor del programa matutino “El fin del mundo” en Reactor 105 y columnista del diario deportivo Récord.

En entrevista para Sopitas.com, esto fue lo que nos platicó: “Durante la realización del libro me enfrenté al desconocimiento, fue difícil acercarme a temas que no conocía como el de la cultura sonidera o el reguetón, entonces la investigación se vuelve más ardua, quizá de repente te puedes perder, pero por fortuna tuve una serie de invitados, son casi 20 que me guiaron con testimonios y me obsequiaron entrevistas maravillosas que ahora quiero transmitir a través de las páginas”.

¡Arde la calle! es una clara referencia a una canción de los 80 del grupo español Radio Futura: “Y Además tiene que ver con que me encontré “Babylon’s Burning”, un libro de un periodista que admiro mucho, se llama Clinton Heylin, luego una canción The Clash “London’s Burning”, una de Bad Religion “Los Angeles is Burning” y una de Kiss “Heaven’s on Fire”, me gustó esa metáfora del fuego como un sinónimo de vida”.

El libro menciona historias distintos géneros como metal, ska, punk, hip hop, trova, cumbia, sonidero, emo, pop, surf, reguetón, indi, electrónica, New age: “A mi me gustan todas, he tenido mis etapas, de chico me gustaba mucho el metal, en la secundaria descubrí a los Sex Pistols. Luego en los 90 me tocó justamente el momento en el que explotó -junto con la banda sonora de Pulp Fiction- la música surf. También me encanta el emo y me encanta el reguetón. Mi gusto por todos estos géneros me facilitaron mucho el poder estar abierto a la investigación”.

La ilustración estuvo a cargo de una mexicana llamada Roxy Love: “El trabajo fue como una técnica de cómic, yo le mandaba un texto y ella me devolvía las ilustraciones, me emocionaba mucho cada que me llegaba una y me imaginaba todo junto, completo, me encanta el trabajo final, lo disfruté mucho”.

Y sobre el periodismo de Rock en México, Julio expresó: “Nos falta rigor y seriedad, de repente me parece que nos quedamos demasiado con la referencia inmediata de lo que es Wikipedia, corremos el peligro de que nos homogenice el conocimiento. Estamos en un periodismo ausente de matices, de guiños, de exploraciones, de atrevimiento. En mi libro quise proponer un origen del heavy metal que no se parce a lo que vas a poder leer en Internet o ver en un documental, lo hice de forma intencional para que la gente incluso se enoje, nada me va a hacer más feliz que mis amigos metaleros se enojen”.

Finalmente, Julio Martínez Ríos envío un mensaje a los lectores de Sopitas.com: “Este libro es para adolescentes y para sus papás, me preocupa que los papás son los que están más expuestos a que les llegue información torcida, espero que se contaminen en el sentido más positivo. Un saludo y los quiero”.

Publicado en www.sopitas.com

"Arde la calle"

Chetes

2010-07-30T10:00:00.001-05:00

Con tan sólo 30 años de edad, el músico y compositor regiomontano, Chetes, está cumpliendo quince años de trayectoria artística, y lo festeja en grande con el lanzamiento de su tercer álbum denominado Hipnosis, en el que experimenta cosas nuevas y enfrenta la responsabilidad de realizarlo casi en su totalidad.

Luego de darse a conocer por los extintos Zurdok Movimiento, el músico, compositor y productor, Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes, continuó dentro de la escena musical con Vaquero, un proyecto que definitivamente lo llevó a expandir sus territorios.

En 2005, con la necesidad de crear algo propio, el regiomontano comenzó su carrera solista con el lanzamiento de Blanco fácil, producción en la que refleja una vida plena e incluye un dueto con su esposa Carmella. En 2008 editó Efecto dominó, disco con el que empezó una nueva etapa más introspectiva. Recientemente, el compositor regresó a la escena musical con el lanzamiento de su álbum Hipnosis, un disco con el que consolidad su carrera, pues Chetes funge en él como productor, ingeniero de grabación y mezcla.

En entrevista para Indie Rocks!, Chetes habló profundamente sobre este momento de su vida: “El álbum es la culminación de todo lo que he aprendido desde que empecé, ya había hecho algunas producciones –incluso material para películas-, pero nunca había hecho un álbum completo yo sólo. Fue una gran experiencia hacerlo de esta forma, es catártico hacerlo todo, exactamente como lo quería hacer. De hecho, armé todo un estudio de grabación, hasta compré una grabadora análoga de 16 tracks y aprendí a calibrarla – sé que es un proceso que nadie tiene que aprender, pero quería hacerlo y realmente toda enseñanza sirve-, aparte que le da un sonido superior a los sistemas digitales de hoy en día. Creo que ésta ha sido la experiencia que más me ha dejado, porque me dio la certeza de todo lo que puedo hacer de hoy en adelante. Estoy completamente seguro que nadie más en el mundo va a tener tanto interés en su propio disco que uno mismo”.

En esta ocasión, Chetes decidió lanzar Hipnosis de forma independiente, a través de MUN Records, con la mera intención de mantener el control total del proyecto: “Para mí fue especial hacerlo de esta forma, porque no tenía ingeniero, estaba totalmente solo; a veces estaba detrás de la consola y luego como interprete, toqué casi todos los instrumentos menos la batería y esta vez me ayudaron el ex Jumbo Enrique “Bugs” González y Beto Ramos que actualmente está con Jumbo. También colaboraron Alejandro Rosso, de Plastilina Mosh, y el percusionista Aldo García”.

Además para los arreglos orquéstrales en tracks como Hipnosis, Memoria, El siguiente nivel y Espera tu turno, Chetes trabajó una vez más con el talentoso compositor regiomontano José Antonio “Potro” Farías, quien coordinó a veinte músicos para la grabación de las mismas: “El material era bastante ambicioso, no eran canciones netamente de rock-pop, esta vez el disco tiene otro tipo de estructura y arreglos mucho más complejos, por lo que requerían de más canales y mucho más tiempo de grabación. Existen algunas canciones como Memoria que tiene muchos tracks, de hecho esa fue la más complicada de mezclar, porque tiene metales, vientos, xilófono y aparte lo que es rock que son las guitarras eléctricas, baterías, etc.”.

Este excelente trabajo fue grabado en Mi Casa Estudios, ubicados en su ciudad natal Monterrey, Nuevo León. Sin embargo, a Chetes le preocupaba la parte de la mezcla y decidió viajar a Nueva York para obtener un buen resultado: “Hubo un problema en ese aspecto porque en Nueva York encontré un ingeniero pensando que iba a llevar mi proyecto más allá y que me iba a facilitar el proceso, pero resultó todo lo contrario y no fue nada de lo que esperaba. No me gustó para nada el resultado, así que tuve que regresarme a México y empezar desde cero en mi estudio y la verdad perdí una gran parte de mi presupuesto en ese error, pero gracias a eso estuve más clavado en la mezcla que en todo lo demás y me preocupaba más por cada detalle”.

Actualmente ya suenan en la radio La ciencia no es exacta, El siguiente nivel y Arena, que fue su primer sencillo. Afortunadamente todo el material ha sido recibido con muy buenas criticas: “Creo que se está hablando muy bien del sencillo Arena. Siento que es algo muy esperado y que por primera vez el material que se está filtrando si está en sintonía con la gente. En casi todos mis discos anteriores, no sabían bien qué opinar o creo que no esperaban eso de mí, y hasta después de un año de lanzamiento del disco la gente comenzaba a apreciarlo más; ahora está sucediendo algo muy diferente, me parece que está más sintonizado en ese sentido. Me siento más seguro y, más importante aún, muy orgulloso de hacerlo hecho de esta forma y bajo mis propios términos. De todos los proyectos que he tenido hasta ahora, nunca había sentido una vibra tan positiva, no sé si tenga que ver con la relación que ya tengo con la gente a través del Internet, pero ahorita siento una energía muy buena. Desde que estaba grabando el disco había gente que me felicitaba, incluyendo a la disquera y muchas personas a mí alrededor”.

Durante años de trayectoria artística, Chetes ha colaborado con músicos internacionales como la española Amaral, para el soundtrack de la película Efectos secundarios con un cover a Miguel Bosé de Si tú no vuelves. Así como con Meme, de Café Tacuba, para la película Fuera del cielo con 16 de febrero (hasta participó en el controversial tributo a Bronco con Te quise una vez). Además ha producido y compuesto rolas para Zoé, Jimbo y Cecilia Toussaint: “Todas las colaboraciones han sido especiales y se han desarrollado en diferentes situaciones, a veces las elijo porque conviene por exposición (o porque te prenden), debido a que admiras al artista, siempre depende de algo la situación. En general tiene que ser un proyecto que me interese por alguna u otra cosa; lo único que no me interesa es el éxito que pueda tener, tal vez pienso en cómo va a resultar o si me voy a divertir, eso es todo”.

Influenciado por el rock clásico de The Beatles, Bob Dylan, The Beach Boys y Brian Wilson, Chetes comenzó tocando el piano y la guitarra a muy temprana edad; actualmente sigue escuchando a esos grandes clásicos, pero también ha sido inspirado por otros estilos de música: “Me gusta mucho el disco de Grandaddy, The Sophtware Slump, es como de los 90 y se me hace buenísimo. También me gusta mucho Kasabian, es de lo último que me ha gustado. Escucho mucho la música de los 90, el rock alternativo de la época como Blur, Nirvana, de lo más reciente estoy un poco más perdido en realidad, como que no siento que exista uno que me prenda tanto. En cuando a la escena de nuestro país no es algo en lo que estoy especializado, la verdad no conozco la gama de grupos que existen. Escucho la música de la gente que conozco en persona y en realidad no estoy tanto al pendiente, ni de la historia en general de rock en español ni del actual. Más bien conozco ciertas cosas que ya son muy populares, pero en general siento que es un buen momento para que los grupos hagan promoción en Internet, para que pasen cosas interesantes y la gente esté al pendiente del rock. Lo que creo que nos falta son buenas canciones, es lo que quiero oír, más que si tiene un efecto raro. Es increíble que a veces uno diga “No pegó esa rola porque no tuvo promoción”; pero si tienes una buena canción, aunque e sin promoción, la gente va a buscarla como sea y eso es lo que falta. Además de ser originales, no tratar de estar sonando como el grupo del momento de otra parte del mundo”.

El regiomontano ha sido reconocido por su trabajo en el ambiente musical y muchas veces ha sido nominado internacionalmente en premios como MTV Latino, el Premio Oye! y el Grammy Latino. Por si fuera poco, actualmente ha sido denominado por los especialistas como uno de los mejores músicos de México: “Me encantará que a la gente le gustara mi música, quiero seguir haciendo lo que me gusta, pero no me considero eso, no me preocupa nada de lo que está haciendo otro artista, no me preocupa si estoy de moda o tener que moverme a lo que la gente está esperando. Trato de darme el gusto de sentirme realizado con lo que hago y espero que a la gente le prenda y si alguien dice que soy el mejor músico de México, me parece bien padre la verdad”.

Chetes presentó su álbum Hipnosis en el marco del Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino 2010, en donde tuvo a la venta una edición especial firmada y numerada en vinilo, la cual saldrá a la venta en forma física y digital el 11 de mayo. Además, el compositor comenzará sus presentaciones en su natal Monterrey y continuará alrededor de la Republica Mexicana: “Quiero promocionar el disco con todo y hacer muchas presentaciones alrededor del país. Además, me gustaría seguir haciendo álbumes bajo este nuevo esquema muy privado, totalmente bajo mis términos. Ya tengo el estudio, ya tengo la seguridad, siento que este disco abre una puerta para que pueda hacer más cosas en el futuro. Creo que a partir de Hipnosis, especialmente si funciona como yo estoy pensando, me va a dar la posibilidad de poder experimentar más y buscar cosas nuevas, es como un parte aguas”.

Concluyendo con la entrevista, Chetes alentó a la gente a que escuchen su nuevo material: “Un gran salido, escuchen el nuevo álbum y no olviden que seguirá a la venta la edición especial firmada y numerada en vinilo, serán aproximadamente 500 copias –que son bastantes para este formato-“. Definitivamente en este álbum Chetes se nota más libre y demuestra su evolución personal y musical. Además crea una curiosa conexión a través de los diez tracks que conforman Hipnosis.

Publicada en Indie Rocks! No. 41

Los Románticos de Zacatecas

2010-07-29T08:07:00.001-05:00

Con su característico sentido del humor, Los Románticos de Zacatecas regresan a las andadas con su segundo álbum, titulado Muchacha, con el que pretenden reconquistar a sus seguidores, con sus ya características letras románticas, curiosamente inspiradas por la onda grupera.

Fusionando el rock con el romanticismo (el de finales de los 70 creado por sus paisanos, Los Temerarios), Los Románticos de Zacatecas son una agrupación formada en 2007, por Jesús “Chuy Manzanares (voz y guitarra), Luis “Guichis” Manzanares (requinto), Antonio Montes (batería) y Raúl “Rulas” Calderón (bajo). Luego de editar un exitoso LP homónimo, y estar tocando en todo lugar posible, decidieron aventurarse a grabar una nueva producción discográfica. En entrevista para Indie Rocks!, Chuy líder de la banda, nos comentó: “El disco está bien perrón, son doce rolas que tocamos desde que empezamos como grupo y la gente ha respondido bastante chido con ellas. Definitivamente ya pasaron el jefómetro, que es el método que usamos para ver si una rola rifa o no rifa, y estamos bien contentos con los resultados. Además, el disco es muy roquero, que fácilmente imaginas sonando en la película Pedro Navajas, La Risa en Vacaciones, o alguna de los hermanos Almada (risas)”.

La temática principal de Muchacha es el amor y las cosas de la vida cotidiana, así que era lógico que Volver a quererte fuera elegida como primer sencillo: “La letra es onda José Alfredo Jiménez, de cuando te peleas un chorro con tu chava y al final te reconcilias. El beat es muy nirvanero, con algunos silencios. La idea surgió porque Güicho tiene una guitarra colgando todo el tiempo, y cuando estamos en el ensayo no te deja ni habar. Así que los silencios vienen de ahí, cuando se pone a tocar y nos quedamos callados, creo que por eso le decimos “El Bluser””, comentó Chuy, riendo.

El álbum fue editado por Madame Records y producido por Tito Fuentes, cantante y guitarrista de Molotov, quien se acercó a ellos a través de su MySpace, Chuy Manzanares contó la historia: “Tito ya nos había preguntado si queriamos grabar con él, pero por cuestiones de lana no habíamos podido. Cuando llegamos al DF nos fuimos a cotorrear con él y resultó ser bien abierto, aparte besa rico –interrumpió Güicho riendo. Tito es abierto con lo que escucha como productor –continuó Chuy-, eso es importante porque muchos productores graban bandas y las dejan iguales. Cuando la gente los oye todos dicen “¡Ah, lo produjo tal… tiene su mano!”, y con Tito es un poco más a la inversa, nosotros llegamos y nos ordenó “¡Expláyense y hagan lo que quieran!”. “Eso estuvo bien perrón. Además, tiene muchos instrumentos vintage y te da chance de experimentar”, agregó Güicho, antes de ser regañado en broma por Chuy: “Tú ni si quiera sabes qué es vintage”.

Manzanares es también el encargado de diseñar las portadas de los discos. En el primer LP dio rienda suelta a su imaginación, pero en esta ocasión, las cosas cambiaron radicalmente: “Toño tenía la idea perfecta para la portada. Era algo así como un caballo con una camioneta, cuando la íbamos a hacer, resultó que Alejandro Fernández ya tenía esa portada (risas)".

Entonces decidimos dar el rol en la ciudad ara sacar fotos con un amigo. Esta portada tiene un diseño más sobrio, más formal para que la gente no se asuste la primera vez que ve el disco, pero la que sigue, ¡van a ver! (risas)”. Los Románticos de Zacatecas se presentaron por primera vez en el Vive Latino este año, por eso decidieron aprovechar la ocasión para hacer la presentación oficial de Muchacha. Chuy continuó al mando de la conversación: “Estamos muy contentos porque alternamos con bandas como Tijuana No! Y Cecilia Toussaint. El tocar con esas personas y al mismo tiempo alternar con bandas nuevas como Vicente Gallo o La Banderville, se nos hace bien perrón”, remató Chuy.

La banda planea empezar en forma la promoción del álbum, haciendo algunas presentaciones alrededor de la República Mexicana y al mismo tiempo empezar a componer las rolas del nuevo disco. Además, Chuy nos confesó los sueños personales de estos románticos: “En un futuro lejano, Toño quiere comprar un rancho, yo quiero comprar una “troca tumbadita”, el Güicho quiere ser boxeador, y el Rulo va a poner su estética –Sí, es que yo le voy a ayudar a lavarse el pelo”, -respondió Güicho riendo.

Antes de terminar la entrevista, Los Románticos se pusieron serios y dijeron a sus fans: “Apoyen al rock mexicano; hay bandas bien chidas en la calle, y la gente no se da el tiempo de escucharlas; y la Indie Rocks! Es un lugar donde dan chance a todos esos grupos que van saliendo”.

Publicado en Indie Rocks! No. 41

Líber Terán

2010-06-10T10:42:00.006-05:00

El cantautor mexicano, Líber Terán, regresa a los escenarios con su segundo disco titulado Tambora Sound System, entrega con la que consolida su carrera como solista y explora sonidos balcánicos combinados con elementos típicos de la cultura mexicana. Líber Terán comienza una nueva etapa en su carrera musical que ha construido desde sus andares con Los de Abajo; ahora continúa evolucionando personal y artísticamente, fusionando ritmos con los que pretende conquistar a nuevos y viejos seguidores.

Después de su trayectoria con Los de Abajo, Libér Terán comenzó su etapa como solista con el lanzamiento de El Gitano Western. Este año está de regreso con Tambora Sound System, un disco orientado a la fusión de ritmos, en los que, como su nombre lo indica, predomina la tambora sinaloense. En entrevista para Indie Rocks! Nos habló sobre su proyecto: “Me siento realmente afortunado porque todo esto es el resultado de una nueva etapa como solista, de un recorrido por las fusiones musicales que me han funcionado. El material es bastante accesible y mi reto fue lograr mezclar géneros y modificar el sonido sinaloense. No era mi intención hacer un disco netamente de banda porque no me iba a salir y no habría sido algo honesto (porque no soy músico de banda, soy un rockero que se pone diferentes colores). Intenté hacer una buena mezcla y no desear quedar bien aquí ni allá. No pretendí hacer un disco de música balcánica, porque no soy yugoslavo, ni turco, ni rumano, ni griego, ni búlgaro y no voy a hacer música como la hace Goran Bregovic –eso iba a ser una mentira-. Tampoco es un disco de rock en el sentido de que no maneja distorsiones, aunque debo decirte que para mí el rock no es un look, ni un efecto, ni un ritmo, el rock para mí es una actitud”.

Tambora Sound System cuenta historias típicas mexicanas, con un toque de sarcasmo y melancolía, auque también tiene momentos alegres que nos llevan a bailar. Llama la atención los covers de los populares temas cincuenteros El sube y baja interpretado antes por El Piporro; y El Perro negro, del legendario compositor José Alfredo Jiménez. Líber Terán nos contó: “Desde hace tiempo soy gran fan de El Piporro, me gusta mucho su sentido del humor. Sube y baja habla sobre el cachondeo del mexicano, del juego sexual, pero también habla sobre la muerte, es como doble sentido: “sube y que baja, que llega este plan. ¿A dónde irán los muertos, quién sabe a dónde irán?...”. Se burla un poco porque quién sabe cuándo llegará la muerte, qué nos pasará después. Al final eso no importa, porque como dice la canción “¡Quiero gozar y ser el vaso en el que bebes!”. Esto es algo muy nuestro, el mexicano vive al día, en el momento, muchas veces no le preocupa estar endeudado, no tener con qué pero, disfrutar el momento. Además es una canción muy rítmica. Por otro lado, El perro negro es una canción atípica de José Alfredo, porque no habla sobre despecho, dolor o alcohol. Es una canción trágica, que fácilmente podría ser un cuento de Juan Rulfo, porque tiene ese toque surrealista, habla del machismo, de hombres que se matan por una mujer pero lo hace de una manera más fina, por así decirlo”.

El álbum contó con la participación de Nortec Panoptica Orchestra y, el ex Control Machete, Toy Selectah, quienes realizaron dos remixes incluidos como bonus tracks: “Decidí hacer esas mezclas porque el disco es un poco oscuro por las letras, y porque tiene ese color balcánico que hace a la música de banda no sonar tan alegre; pasa por momentos melancólicos, cómo de película de Tim Burton –de hecho me lo imagino filmando una película sobre historias campiranas en México- (risas). Pero realmente no planeé trabajar específicamente con Nortec y Toy. Estaba buscando músicos y productores de la escena indie, como ya conocían mi trabajo les dije que quería que hicieran un remix de este disco y del anterior, ellos aceptaron y eligieron esos temas. Fue muy espontáneo, de hecho no los conocía en persona, todo fue por internet y hasta después entablamos una relación cercana”.

Líber Terán se presentó en el Vive Latino y continuará con la promoción de Tambora Sound System en distintos lugares de la Ciudad de México: “El Vive es un festival que se ha ganado su lugar y dejado ver que se puede ser independiente y al mismo tiempo masivo, por eso continúa siendo la fiesta más importante; fue una gran oportunidad para mostrar mi trabajo. Quiero seguir componiendo porque mi actividad más importante como músico es escribir canciones y tocar en vivo, y mientras haya salud y fuerza, vamos a estar haciendo eso”.

Publicada en Indie Rocks! No. 40

Juan Son

2010-05-12T15:26:00.010-05:00

Desde su lanzamiento a principios del 2009, Mermaid Sashimi ha obtenido éxitos que ni el mismo Juan Son se había imaginado. Este año, con nuevos bríos, el músico jalisciense trae consigo un nuevo tour que seguramente le allegará más logros.

Después del éxito obtenido con Porter, el cantante y compositor Juan Carlos Pereda, mejor conocido como Juan Son, decidió que no iba a quedarse a la sombra de su anterior agrupación, así que emprendió su carrera en solitario. Todo empezó con el lanzamiento de su álbum Mermaid Sashimi, un disco encaminado hacia la fantasía, con claras influencias de Sigur Rós y Matmos.

Las canciones que conforman este material se realizaron antes y durante su estancia en la extinta banda Porter, reflejan distintas etapas de su vida: “Creo que uno de los modos que se nota más es el sentimiento de hartazgo de estar en Porter, el coraje que sentía conmigo mismo, algunas situaciones familiares, el amor, la nostalgia y la inestabilidad mental que me ocurría en esos momentos. Parece que estoy leyendo uno de esos pósters de superación personal que tienen un águila y dicen perseverancia (risas). Creo que mi canción favorita es “Capitan Whirlpool”.

Durante la grabación de su debut solista, hubo grandes factores que impedían su serena realización, incluyendo al resto de los integrantes de Porter: “Ellos no querían que grabara el disco… Fue un año raro, la grabación no fue del todo agradable. Era cómo un parto, estás ansioso de ver al bebé, pero de tanto esfuerzo que estás haciendo quieres perder la conciencia”, agregó.

El Sashimi de Sirena fue producido por Alex Pérez “Orco” –ex integrante de Azul Violeta y productor de Porter- y el propio Juan Son, el sonido particular del álbum se logró gracias a la inspiración de los dibujos de Luis XVI y María Antonieta, esa fusión de talentos dio como resultado historias surrealistas, con toques sarcásticos: “El artista estadounidense Bill Viola también fue parte influyente del disco, me gusta mucho su obra Five Angels For The Millennium, también el artista Mathew Barney. Otra cosa que me llamó mucho la atención en ese periodo, fue el arte de comer cosas que se ven atractivas, pero que en realidad son asquerosas (risas). El otro día mi hermano pidió una sopa de no sabe qué en un restaurante chino y cuando ya la había sopeado, salió flotando una mano de cocodrilo con todo y uñas, las garritas estaban todas coquetas, así que mi hermano las ocultó con la tapa del bote de plástico, pero las garritas seguían tocando la tapa como una muestra de estudio coprológico. ¡Es verídico!”.

Entre otras cosas, Juan Son ha sobresalido por sus peculiares disfraces a la hora de dar un show: “Me encanta disfrazarme, ¡si canto normal me siento desnudo!, me excita disfrazarme, me dan más ganas de mover el bote (risas), pero con sinceridad no lo sé, aún no encuentro la verdadera razón por la cuál lo hago, quizá es inseguridad”.

Gracias a Mermaid Sashimi, el músico fue nominado al Grammy Latino 2009 en la categoria de Mejor canción alternativa.

Actualmente el cantautor reside en Nueva York, pero no deja de lado lo que está pasando en su país musicalmente hablando: “Hay muy buena música en México, creo que hay proyectos en verdad muy chidos y más importante: ¡Tenemos que apoyarnos en vez de tirarnos mierda!”. Recientemente, el cantante empezó a trabajar con el manager de Blonde Readhead y el ex líder de la extinta The Velvet Underground, Lou Reed: “La verdad eso me tiene emocionadísimo. Además, voy a tocar con John Cameron Mitchell en un venue bien chido. Creo que es como una forma de cambiar el pasado y suena medio puñetero pero sí puedes, estoy cambiando el pasado porque me estoy superando”.

Asimismo, se presentará en la Redbull Music Academy en Londres para impartir cursos, junto a personalidades como Martyn Ware de The Human League y la leyenda Peter Hook de New Order: “Estoy extasiado, me inquieta mucho conocer a Peter Hook, porque hace tiempo en la revista NME dijo que le gustaba la canción “Daphne” de Porter y me emociona conocer a mis influencias”.

El Sashimi Tour 2010, comenzará en abril en la Ciudad de México en el Vive Cuervo Salón y pasará por Puebla, Querétaro, San Luis Potosí, Toluca y León, para finalizar en Mayo en su ciudad natal Guadalajara: “Quiero viajar con mi música, comer comida rica, tener un departamento o casa con vista bonita y tina, ser una exportación que me haga sentir orgulloso, colaborar con mucha más gente y tener hijos”.

Concluyendo, Juan Son hizo un llamado a sus seguidores a través de IndRks!: “Pónganse a hacer música y que les valga madres lo que opinen de ella”. Juan Son surca una nueva etapa, en donde su creatividad musical ha mostrado madurez y demostrado que si se puede triunfar.

Publicado en Indie Rocks! No. 39

Lido Pimienta

2010-04-30T12:23:00.005-05:00

Luego de publicar con éxito algunas canciones en My Space, Lido Pimienta nos presenta su primera producción titulada Color Ep surgida en Septiembre del 2009.

La colombiana –residida en Canadá- ha obtenido éxito en lugares impensables como Finlandia, Nueva Zelanda e Italia. Ahora visita nuestro país para demostrar que se puede hacer música de calidad con bajos recursos económicos.

En entrevista para Mustia, Lido Pimienta nos comentó: “Color EP es el resultado de que soy inmigrante y cuando uno es la minoría lo que te delata -en la mayoría de los casos- es el color de tu piel. Color es una palabra muy fuerte, a mi me gustan las palabras que dicen muchas cosas y color es una de esas. Cuando pensamos en Color, pensamos en el círculo cromático, pigmento, primarios, secundarios, raza, etnia, país. Eso es el álbum, una combinación, una mezcla, un intercambio cultural en un paquete hecho a mano”.

Color EP es un álbum completamente artístico ya que la propia cantautora pinta una portada única a cada persona que lo adquiera: “Lo que sucede con el arte del disco es como una expresión de la música, por eso mantengo la paleta de colores limitada y a la superficie de papel le cambio los matices, así surge el arte. Es algo muy honesto, mi influencia es Todo. La vida, la risa, el llanto, las texturas, la temperatura, el clima, las voces de las personas unidas, trato de juntarlas y concertarlas en pintura. Además me gustan mucho los triángulos, los incluyo en todo lo que hago, incluso la ropa que estamos diseñando para el próximo tour es con triángulos que se convierten en diamantes ¡porque los diamantes duran para siempre! Aún me falta mucho para poder alcanzar el nivel que me gustaría dominar, pero ahí vamos”.

La grabación del álbum fue un proceso difícil ya que Lido Pimienta se acababa de convertir en madre y el cansancio era demasiado: “La grabación se daba cuando el niño dormía, lo que significó grabar cuando estaba muy muy cansada y a veces no podía cantar bien porque se escuchaba dormida la voz, lo otro era que no podíamos grabar muy alto pues si el nene se despertaba, hasta ahí llegaba el tiempo de grabar. Creo que con más tiempo o con un espacio "tradicional" para grabar, el álbum hubiese sido superior a lo que alcanzamos, pero dado a las herramientas disponibles siento que está hermoso”.

Recientemente Lido Pimienta está terminando un EP llamado Aprendiendo a amar con su proyecto alterno Los Espíritus. Además grabará otro álbum con el crew ZZK de Argentina y también participará con los colombianos Cero 39 y Caballo: “Hay muchos re-mixes y otras colaboraciones con varias personas que espero puedan escuchar. Creo que ahora más que proyectos, lo que me gustaría es apoyo a largo plazo es mi deseo. Es genial ser independiente porque tienes total control creativo, pero sí sería fabuloso no preocuparme por todo, quiero poder dedicarme a la música y listo. En estos momentos soy mi propia manager, booking agent, etc. etc., Espero que alguien con las herramientas ($) me llame y me diga Lido, me gusta lo que haces, aquí te mando este cheque, haz tus canciones y prepararte que en un mes ¡nos vamos de gira! ¡Ah sí! Y que también diga Oye Lido ¿te gustan los zapatos? mira aquí tienes este otro cheque para que compres ¡muchos zapatos! (risas)”.

Próximamente la artista colombiana visitará nuestro país para ofrecer algunas presentaciones en el DF y en el Guacamole Music Fest en Tijuana: “¡México Love Forever!, tengo muchas ganas de ir para allá y espero conocer a mucha gente y tejer nuevas relaciones y amistades. Así como también espero colaborar y construir un puente multi-cultural en el que podamos volver con mi colectivo muchas veces y a la vez traer a muchos artistas mexicanos a estas tierras, siento firmemente que los norteamericanos necesitan aprender de nuestra pasión. Espero lo mejor en mi próxima visita porque por México sólo siento amor y paz, cuando a mí me dicen México yo me siento en una cuna de cultura, cierro mis ojos y me siento caminando por una plaza comiendo un helado de limón agarrada de manos con Frida Kahlo, se me aguan los ojos no más de pensar en eso...en estar en esa tierra. Es un honor”.

Asimismo realizará una presentación especial con su colectivo de arte llamado The Tiny Box el 21 de Mayo en El Péndulo: “Esto será junto a Torreblanca, va a ser algo muy especial por la compañía, la música y mi colectivo de arte, vamos a diseñar una escenografía muy hermosa para el público, gracias por leer y espero conocerlos en persona y hacer una fiesta con muchos colores y explosiones de ¡besos y abrazos!

Lido Pimienta nos trae en exclusiva para Mustia algunos tracks de Color EP en versiones que no están en ningún otro site.

“Humano”
“Mueve” (versión final)
“La Rata” (versión final)
“Aquí Conmigo” (versión final)

Vansen Tiger

2010-04-13T10:27:00.007-05:00

Inmediatamente después de la disolución de Porter, Fernando de la Huerta –guitarrista y fundador- decidió emprender otro proyecto musical, y así fue como empezó Vansen Tiger, banda 100% jalisciense que pretende conquistar la escena musical con melodías introspectivas, espectrales y una manera poco usual de ver la cultura de nuestro país.

Con arraigadas raíces al folklore mexicano y al rock experimental, aunado a atmósferas oscuras, surgió a principios del 2008 Vansen Tiger, un quinteto originario de Guadalajara, Jalisco, conformado por Arturo Calendar (bajo), Memo Andrés (guitarra), Davis (batería), Dexter “El gatillero” (teclado) y el ex guitarrista de Porter, Fernando de a Huerta. Luego de año y medio de intenso trabajo creativo, nos presentan su álbum debut El armario de los misterios secretos prohibidos…¡Cuidado!.

En entrevista exclusiva para IndRks!, el líder de la banda, nos comentó: “Vansen Tiger es una banda bastante joven, llevamos como seis o siete meses tocando, pero la verdad estoy muy contento, porque han pasado muchas cosas divertidas y es muy emocionante empezar un proyecto en donde nadie limita el progreso. Definitivamente es una onda muy distinta a lo que fue Porter”.

Su debut (de un nombre críptico y por demás largo), es una coproducción de Fernando de la Huerta y de Álvaro Arce fungiendo como productor y e ingeniero, además también contó con el apoyo de la ya conocida Tercer Piso Records. El guitarrista nos comentó: “Álvaro es un gran amigo, él me impulsó para seguir adelante en mi carrera cuando acabó Porter, fue una piedra angular para que Vansen Tiger funcionara, y me dio la libertad creativa que necesitaba”.

De hecho, otro ex integrante de Porter participa en este proyecto, pero de otra manera: “Víctor Hugo Valverde, también guitarrista de Porter fue quien realizó el arte del disco. El diseño tiene que ver con nuestras influencias folklóricas, lo pícaro del mexicano, las ondas del pueblo, costumbres y leyendas, la historia de nuestro país con imágenes que denotan misterio, duda y oscuridad”.

Compuesto por tan sólo siete tracks, el primer trabajo discográfico de Vansen Tiger es el resultado de la combinación del rock experimental, con historias relacionadas al peculiar colorido del pueblo mexicano (no hay mejor prueba que “Fantomas”), en donde Fernando debutó como cantante: “Estoy contento con el contenido del disco, pero una de mis rolas favoritas es “¡Hey Mickey! ¿Por qué te suicidaste?”, la veo como una mezcla de trip-hop con toques electrónicos, como en la onda de Portishead o Massive Attack, pero sin olvidar lo popular mexicano. Creo que es algo etéreo y oscuro, donde quisimos explotar al máximo nuestra libertad creativa”. Aunque las comparaciones pudieran sonar elevadas, cuando escuchamos temas como “Sin cero” o “El traje de hierro”, esta agrupación sale airosa gracias a la calidad de su material.

Como todo proyecto independiente, al iniciar necesitó de un mecenas para el financiamiento, en este caso fue su fundador quien asumió dicho papel, y decidió compartirnos algunos de los momentos más difíciles a los que se enfrentaron: “Durante la grabación del disco se nos complicó mucho la coordinación de tiempo, todos hacemos cosas diferentes (por ejemplo yo estudio arquitectura), también con el dinero, tuvimos que romper la vaquita y todo (risas)”.

Vansen Tiger planea hacer tres discos conceptuales que tengan una conexión que sirva para resolver los misterios que se plantearon en su álbum debut: “En las tocadas más recientes ya estamos introduciendo a la gente con las rolas que vendrán en la siguiente producción, queremos seguir tocando y promocionar el video de “Goliath”. Además, haremos dinámicas para que la gente nos visite en las redes sociales… Pretendemos tener todo en armonía para que a finales de año terminemos el siguiente álbum, que ya está en la etapa de pre-producción”.

Como el tiempo se nos acababa, Fernando de la Huerta envió un mensaje a sus seguidores a través de esta revista: “Apoyen el talento local, difundan la música y costumbres mexicanas. Hay muy buenas bandas en nuestro país como Bengala, Ponyrex, Technicolor Fabrics, Paola Vergara y Las armas secretas. La escena está creciendo, ya existen grandes medios como este y hay mucha difusión, es increíble todo lo que está sucediendo, me encanta”-

La banda continuará presentándose alrededor de la República Mexicana, sus shows prometen una experiencia audiovisual única, con la ayuda de escenografías e iluminación para que logremos ver también una atmósfera adecuada para esta propuesta, que él mismo define “con visión y consistencia”.

Publicado en Indie Rocks! No. 38 Edición Especial de 4to Aniversario

Sussie 4

2010-03-09T13:05:00.006-06:00

De la combinación de música electrónica y la unión de instrumentos como guitarra, batería, trompeta y bongós, surge Sussie 4. Este dueto mexicano ha logrado ventas que rondan las estratosféricas cifras de 50,000 unidades vendidas alrededor del mundo. Como no podían esperar mucho tiempo solamente tocando, regresaron a contagiar su buena vibra electrónica.

El dueto tapatío Sussie 4 inició su carrera hace más de una década, durante 1998 gracias al productor César Gudiño (teclados, programaciones) y el músico Odín Parada (guitarra, voz, percusiones). En aquel entonces buscaban una forma de experimentar con ritmos latinos fusionados con acid cabaret. Nuevamente, la banda inspirada por la actriz y cantante Suzi Quatro, presentó su tercer álbum llamado International Sonora, que con poco tiempo en el mercado ya rindió frutos y dejó con curiosidad a muchos con el sencillo “Hard Times”, que se podía descargar gratuitamente de su página oficial desde antes de la salida del disco.

En entrevista para [IndRks!], César Gudiño nos comentó: “El álbum tiene un sonido electrónico muy rico, en lo que respecta a la producción es bastante amigable, porque siempre hemos tratado de proponer algo para no perder el gusto por lo artístico. Estamos conscientes de que nuestra música va hacia un target que en México no está desarrollado por completo todavía. Podrías decir que lo nuestro es un concepto para gente “modernita”, pero en realidad hay un track para cada gusto: la mitad son bailables y los demás son combinaciones de electro y rock. Me encantaría que este álbum se escuchara en algo así como Trainspotting 2 (si existiera) o en una película de ciencia ficción combinada con una historia de amor, como Transformers”.

Como muchos deben saber, Sussie 4 comenzó lanzando sus discos con el sello independiente Nopal Beat (Música moderna y Suite tropical), luego decidieron experimenta con una disquera transnacional (Red Album y Dame más), pero finalmente se dieron cuenta que la independencia era mejor, extrañando a sensación de ser completamente dueños del proyecto, César nos platicó: “En este álbum hay mucha libertad, porque nadie más controló nada, le dimos rienda suelta a la creatividad, puliéndola y dando lo mejor que tenemos, simplemente porque todo el disco (desde la composición hasta la producción), lo hicimos los dos; llegó el punto de nuestra carrera en el que nos sentimos orgullosos y aptos para este reto. Desgraciadamente, antes las disqueras eran un mal necesario para el artista, ahora es todo lo contrario; existen muchos medios como el Internet y por supuesto las redes sociales que sirven de arma súper poderosa y definitivamente eso nos ha funcionado muy bien hasta ahora”.

Durante su carrera musical, Sussie 4 ha contado con diversas colaboraciones como Jorge González (Los Prisioneros), Denisse Guerrero (Belanova), León Lárregui (Zoé), Alex Sergi (miranda!) y Ely Guerra. En esta ocasión, pidieron ayuda de la cantante neoyorquina Suzy Malick en su nuevo sencillo “Sund4y”, el tecladista comentó al respecto: “Fue una situación chistosa, comenzamos la amistad por mail, luego ella visitó Tulum y allá nos escuchó, le gustó mucho nuestro proyecto y nos habló para decirnos que estaba a la orden, inmediatamente le mandamos una rola y al cabote unos días viajó a Guadalajara especialmente para grabar la canción y de paso nos ayudó con el video y todo. Realmente fue una experiencia muy grata, es muy agradable trabajar con ella”.

Su trabajo no ha pasado desapercibido, el dueto ha sido ganados de premios como los afamados DJ And Clubbing Awards, también han sido galardonados como Mejor Artista Alternativo en el 2003 por la revista estadounidense Banda Elástica, incluso dos veces nominados a Mejor Espectáculo de Música Electrónica en las Lunas del Auditorio Nacional: “Siempre es padre que nos tomen en cuenta dentro de la escena; ha sido un largo camino desde que empezamos Odín y yo haciendo música en casa de él… Nunca nos imaginamos a dónde íbamos a llegar, es algo increíble”, comentó orgulloso el músico.

Desde la edición de Música moderna hasta hoy, han superado no sólo sus expectativas, sino que también han enfrentado muchos cambios y dificultades, el tiempo les ha dejado gratos recuerdos; como nos platicó César: “La carrera ha sido de cambios a los que tenemos que adaptarnos, han sido varias enseñanzas, sin duda hemos crecido mucho y el desarrollo personal ha sido bastante. Obviamente ha habido momentos en los que no congeniamos pero siempre tratamos de conciliar t de poner las cosas en su lugar, porque los dos decidimos todo y afortunadamente ahora cuando tenemos choques de ideas ya sabemos cómo resolverlos. No pensamos quitar el dedo del renglón, seguimos en el viaje para movernos con ritmo, tiempo y vida, para que todo salga poca madre”.

Para el lanzamiento del International Sonora han trabajado sin para, de hecho desde antes, como nos platicó Gudiño: “Poco después de que lanzáramos el disco, nos pusimos a hacer el video del sencillo e inmediatamente después comenzamos a montar los shows. Cuando empezamos todo este trabajo sólo teníamos en mente algo: ¡Vamos a hacer el mejor show que hemos hecho hasta el momento, será algo increíble!”.

Para finalizar, César Gudiño envió un mensaje a sus fans: “Búsquennos en las redes sociales, apóyennos y échense un clavado a escuchar el disco porque está buenísimo, es el mejor que hemos hecho”.

Publicado en Indie Rocks! No. 37

Ely Guerra

2010-02-22T16:50:00.013-06:00

Entrevista: Stevie / Silvia V. Dueñas
Texto: Pita Lugosi

Tiempo, innegable y a la vez inmaterial. El tiempo es un ente que depende de la percepción, es una creación con la que nos ubicamos en el mundo y medimos la intensidad de nuestras acciones con respecto a sus repercusiones en el curso de la realidad; el tiempo no existe y sin embargo es el maestro más estricto de todos, cuyas lecciones de dolor y serenidad definen la esencia de lo que es ser humano. Tiempo y cadencia, esos son los elementos que conjugan en la nueva producción de Ely Guerra Hombre Invisible una oda agridulce a la experiencia de vivir.

Cuando se trata de una artista tan polifacética como lo es Ely Guerra, siempre es difícil escoger un tópico con el cual iniciar una conversación, durante su carrera ha logrado explorar múltiples universos que habitan su interior, la mutabilidad de los versos que rondan su mente a espera de ser descubiertos es fina y delicada, como las capas sonoras que entretejen las melodías de su composición y se sostienen bajo el mesmerizante eso de su potente voz retumbando desde los oídos, viajando directamente al corazón.

Usualmente uno pensaría que componer música es como una religión, que es una forma de fortalecer aquellas debilidades interiores, congregando a otros seres humanos del mismo sentir bajo himnos que expresen aquello que les es más propio y cercano a todos: la vida.

Ely, sin embargo, se muestra más fuerte y poética a la vez, mientras nos platica sobre los factores: “Cada vez libero más mi energía a través de mis canciones. Me siento libre, superada, crecida… Creo que en este momento soy un poco más honorable y sincera, más fuerte y débil a la vez. Ser capaz de lograr cometidos te da cierta vulnerabilidad, sobre todo cuando llegan fechas claves del año como la Navidad o año nuevo… El año pasado no fue la excepción, medité plenamente la oportunidad de hacer música de nuevo, lo que me dio como resultado Hombre invisible y pensé que des-cribe el momento que estoy viviendo”.

Quizá la clave para entender todo lo que encierra esta producción para la compositora, es entenderlo desde la noción fragmentaría de los instantes, una visión del mundo como un compuesto no homogéneo que da la ilusión de unidad y plenitud; un lugar en el que el tiempo acontece instante a instante, en una sucesión de eventos que se prolonga al infinito en la finitud de nuestras existencias. Por eso es que para Ely su más reciente entrega es un momento de integración, necesario después de haber reflexionado en las fracciones que componen su vida: “En el disco quise reflejar mi momento, mi feminidad, mi masculinidad, mis 38 años como mujer que vive en este país. Por supuesto, también me propuse liberar cosas más superficiales (como el dominio que gozo ante mi propia expresión creativa), así como mis ganas por continuar creciendo como un ser musical y visionario de nuestros días”. Más allá de los géneros, lo que busca Ely es expresar la identidad del ente que es su ser musical, un ser inmortal que sin importar la época, siempre que se comunique con un humano creará algo especial y único”.

El éxito y el reconocimiento le ha llegado a Ely Guerra, sin embargo no es lo principal que ella ha buscado en su carrera, probablemente es el único resultado posible de el derroche de talento que emana de ella. Mientras que en el mundo abundan individuos pretenciosos que buscan realizar una obra que les brinde fama (cuando hay una aspiración tan vacua), la obra en cuestión se desintegra sola y se olvida en las profundas aguas del inconsciente colectivo, tarareándose de vez en cuando como ecos de su perdida popularidad; sin embargo, la forma de componer de Ely rebasa lo usual, es una forma de unir por medio de la diferencia, de exteriorizar lo interno a través de lo diferente y de hacer que los sentimientos ajenos se vuelvan propios, en sus palabras: “¿Cuándo hice algo normal? Sé que no lo hice de niña, ni en el silencio u oculta. Ni si quiera cuando no había ventanas a un espacio en común, es decir, no actué así. Aún cuando escribía en mi intimidad, sin la oportunidad de compartirlo comercialmente. Me han preguntado si Hombre invisible es un álbum concepto, pero no sé si aceptar “concepto” como algo que tan sólo expresa quien soy en este momento… Quiero ser yo, quiero continuar fiel a mi expresión; seguro eso puede considerarse como un concepto, algo premeditado para congeniar con una sociedad creativa o comercial… Quizá es más bien un concepto real, que busca cierta explicación a mi intención diaria con un mundo musical ajeno a mi necesidad de expresión”.

Probablemente el valor de la música radica precisamente en esta necesidad de expresión que es capaz de unir nuestra realidad fragmentada, pues es en ese punto donde no hay diferencia entre la multiplicidad y la unidad, donde se existe únicamente a través de lo emotivo y es indistinto el género, la edad, la cantidad o cualquier otro accidente; en la música lo importante es existir, reconocerse y mantenerse, poder ver al otro como parte de uno mismo. Ely sabe perfectamente que su música no le pertenece a ella, sino que ella misma es su música y que lo mejor es cuando alguien más puede reconocerse en esa expresión: “Yo no me proyecto en todas y cada una de mis canciones. Para ponerlo de forma simple; ellas soy yo y yo soy ellas, si hay una canción especial con la que te identifiques es porque en esas palabras, emociones y sonidos me encuentras; yo no tengo esa opción como artista, no podría escoger una canción por sobre las otras porque todas son una parte de mí”.

Aunque “Stranger” fue elegido para ser el primer sencillo del disco, no es por favoritismo, más bien es por cuestiones idiomáticas, ya que el tema contiene la ambivalencia del momento en el que vivimos: “Probablemente “Stranger” es una metáfora de cómo me encuentro ahora… Spanglish es la forma en la que los mexicanos de hoy en día hablamos, no es algo propio, es el mestizaje de nuestro instante”. Nuevamente los fragmentos se unen, lo que nos divide es lo que más nos acerca y por eso que todos somos un poco invisibles cuando se trata de ser humanos, extrañs y amantes; por eso Ely canta “Soy un instante aquí, seré ceniza en el mar (…) soy un stranger más”.

Comunicar y expresar son dos nociones fuertemente ligadas pero distintas, pues mientras que la comunicación implica empatía, la expresión requiere de autodominio para la exteriorización, no requiere de otredad, se puede expresar en el vacío de la soledad mientras que la comunicación requiere que el mensaje tenga un receptor. Cuando ambas funciones se conjuntan, se obtiene un instante de plenitud en el ser humano que es fruto de un esfuerzo constante (y muchas veces desgastante), por eso es que nos sorprendió esta artista cuando nos platicó sobre cómo ha visto el desarrollo de su carrera: “Mi carrera ha sido un reto educativo. Creo que mi música ha sido símbolo de perseverancia y corazón, eso no es invisible a los ojos de los demás, mucho menos de los míos… Hombre invisible representa un momento importante de mí vida, porque me pone en un espacio único, ése donde uno puede oportunamente retirarse y hacer cualquier cosa, o apretar para continuar el camino… Yo decidí apretar, continuar y reconocerme en esfuerzos aun mucho más contundentes”. Quizá el conjugar la comunicación y la expresión es un don que sólo ciertos artistas como Ely tienen.

Cuando tocamos este tema de la expresión y comunicación era necesario abordar su perspectiva del panorama nacional, parafraseando al poeta Ramón de Campoamor, “nada es verdad ni nada mentira, sino que todo depende del cristal con que se mira”. Sin duda Ely ve con buen hado a la música de nuestro país y así lo expresa: “Creo que el rock nacional se encuentra en una etapa de búsqueda, por eso hay que tener un ojo al gato y otro al garabato (risas). Nos encanta lo extranjero (aunque eso no lo considero una cualidad realmente), me gustaría pensar que podemos mirar para adentro y no para afuera; por eso es que más que escuchar bandas de aquí sigo a aquellas que están en proceso de búsqueda genuina, como a Juan Son o Hello Seahorse! Creo que la escena independiente en México está en un momento de creci-miento, deseosa de dar más, simplemente deleitable; esto es un reflejo de lo que ocurre en el mundo de la música y sus cambios”.

Consiente de que los cambios no son una ocurrencia espontánea, sino el resultado de la sinergia acumulada por el movimiento hacia nuevos espacios. Ely comentó brevemente sobre su aporte a la búsqueda de espacios en nuestro país: “Tenemos un espacio digital donde dimos prioridad a la salida del disco, se llama mapamondo.com Paty Carrera (quien ha sido siempre mi consejera y representante en cosas autorales), me ayudó a emprender esa nueva etapa, donde reunimos para hacer posible un espacio dirigido al os fans de todos los músicos de nuestro país. Quise ser parte de este interés porque estoy en un canal de crecimiento, porque deseo encontrar motivos para continuar activa en mi país, creativamente hablando”. Para quienes no conozcan el portal, allí pueden descargar de forma gratuita algunos temas de varios artistas, o comprar álbumes digitales a un precio muy accesible.

En este punto de la plática, se conjugó la nostalgia con la esperanza, ese sentimiento agridulce propio del tiempo manifestándose en forma de recuerdos, en vez de separarse de la emotividad, Ely decidió lanzarse nuevamente sobre su lado vulnerable y nos platicó sobre el recorrido que le ha llevado a ser la intérprete del ente musical que la conforma: “Mi expresión creativa nunca ha estado alejada de mí realidad, es una forma de andar por el camino y encontrarme conmigo misma, con mí naturaleza como mexicana que vive, siente y crece. En todo aquello que nos ocurre nos reflejamos y construimos una vida; mi familia, mis amigos, mis colegas son profundamente mexicanos, andamos un camino juntos, de la mano, por ello lo más notorio de mi trascendencia musical tiene que ver con lo que me ha tocado vivir (con las costumbres de mi país y mi gente). Cantar mis canciones, tal cual las deseo escuchar, ha sido una carrera de perseverancia y auto-cultivo, me siento contenta y satisfecha, aún me falta mucho más para llegar a donde me veo en la fotografía mental que tengo”. No es para menos ella firmó su primer contrato discográfico a sus 20 años y desde allí ha hecho de la música su forma de ser y vivir en este planeta, reconocer sus creencias y tener la capacidad de defenderlas, es decir ser plena, en palabras de la artista: “Mi música es mi participación con este país como una mujer trabajadora, llena de pasión y compromiso. Quiero que mi música sea parte de este país y su gente, quiero estar en el lugar correcto, a la hora correcta y con la gente correcta… Eso suena como un buen plan para mí; busco abrir mí corazón siempre, para todo aquello que me corresponde vivir, por eso es que hoy en día trabajo incansablemente en esta siembra que sé dará frutos mañana”. Por eso no es de sorprender que Ely nos confesara que ha tenido un sentimiento similar al enamoramiento cuando ha colaborado con algunos artistas a lo largo de su carrera, del cual ha podido disfrutar de la magia única e irrepetible que produce el contacto de dos potencias creadoras confluyendo en un solo tema musical: “Es imposible de comparar una colaboración con otra. Es deleitable, te impone, te expone y te exige… Acelera tu condición normal, por eso sólo hago aquellas donde pueda realmente entregarme… Aunque sólo Jared Leto (30 Seconds To Mars) me ha besado…(risas)”.

Finalizando la entrevista era difícil mantener una opinión sobre Ely Guerra, pues uno puede estar tentado a pensar que es una artista que simplemente se mimetiza con lo que está sucediendo en la escena musical, más bien se hizo evidente que era imposible englobarla bajo un concepto, encerrarla en un adjetivo y cristalizar su movimiento en un instante preciso, es la capacidad de discurrir en la pluralidad lo que es esencial en Ely Guerra, un movimiento constante y mutable que es capaz de explorar simultáneamente en direcciones opuestas (o al menos que aparentemente lo son). Quizá la mejor forma de expresar el mensaje que les intento comunicar sea mejor logrado en palabras de la propia artista: “Andamos detrás de los espacios correctos, donde nos sintamos honrados y honremos a la música, afortunadamente ya sé están dando, la independencia tiene sus buenos motivos: sólo existen montañas sagradas que escalar juntos. Es preciso considerarnos compañeros y reconocer nuestro lugar, saber quién va arriba, quién va abajo y cuándo switchear, sustentándonos unos a otros para así llegar a la meta: La identidad musical. Por eso creo que no hay nada mejor que ser individual, la independencia no es precisamente un atributo que llega solo, es una condición y un lugar de fortaleza que se busca y se encuentra únicamente cuando la mira está en la meta, no en los obstáculos que nos toca superar…

Publicado en Indie Rocks! No. 37

Los Negretes

2010-02-22T16:36:00.010-06:00

Combinando elementos del rock clásico, un sonido grasoso y el blues, surgen Los Negretes como hijos de Sex Pistols e Iggy pop.

Quinteto originario del Distrito Federal, conformado por Oscar Pereyra (guitarra, voz y sintetizador), Paka (batería y congas), Jinmy Vitte (bajo), Rock Ramírez (guitarras) y Baby Juárez (trompeta, armónica y sintetizador). Los últimos 10 minutos de María Duval, es el nombre de su primer EP y en entrevista exclusiva para Mustia, el líder de la banda, Oscar Pereyra nos comentó: “Este disco ya tiene como dos años y medio que salió y ha sido muy interesante todo lo que nos ha dado, no nos lo esperábamos porque todo surgió como un experimento, en ese entonces empezábamos a tocar y luego lo grabamos casi todo en un día y lo difícil fue ponernos de acuerdo porque esos güeyes son un desmadre, pero ya tocando es otra cosa, le echan todas las ganas y eso está bien chido”.

Dicho material estuvo en descarga a través del My Space de la banda y fue hasta que Mark Kemp, Editor de la Rolling Stone los contactó para reseñar su trabajo y darlos a conocer: “El gabacho de la Rolling Stone nos dijo que el disco estaba chingón y poco tiempo después lo maquilamos y afortunadamente hemos obtenido buenas criticas. El disco no ha estado en tiendas porque siempre ha sido totalmente independiente pero en las tocadas es fácil adquirirlo”.

Los últimos 10 minutos de María Duval es un compendio de sensaciones que nos llevan a través de la oscura Ciudad de México: “Nosotros somos muy chilangos, vivimos en la ciudad oyendo, descubriendo y fantaseando, todo eso lo quisimos expresar en este disco. Además nos gusta mucho el arte plástico, acabo de descubrir a Jorge Galindo y me gusta mucho lo que hace, toda la onda pictórica y esas sensaciones son las que también nos inspiran para hacer música”.

El EP está compuesto por seis tracks, en donde “Submarinos”, “México City Blues” y “Los últimos 10 minutos de María Duval” son resultado de la improvisación: “Me gusta mucho la onda de la improvisación, la idea de imaginar una historia y sacarla en el momento. Estas rolas son mis favoritas porque son el resultado de eso, de un momento improvisado”.

“Princesa de Medianoche” fue el primer sencillo y los llevó a estar dentro de las 105.7 mejores canciones de la radio comercial. Además tuvieron 30 mil descargas del EP en la web de dicha emisora: “No me emocionó estar dentro del conteo, pero que chido que nos tomen en cuenta porque no teníamos ningún tipo de apoyo y se me hace padre que a la gente le guste nuestra música y que descarguen el disco, a Paka sí le movió el tapete lo del top, pero a mí realmente no”.

Finalmente, Oscar Pereyra envío un mensaje a los lectores de Mustia Magazine: “Lean mucho, sean críticos, escuchen mucho rock, salgan a la calle y vivan”.

Actualmente, Los Negretes están a punto de comenzar la grabación de su segundo álbum, el cual tentativamente se llamará México City Blues en homenaje al poema homónimo del novelista beat Jack Kerouac.

MUSTIA MAGAZINE y Los Negretes te regalan el disco de esta excelente banda mexicana.

en www.mustia.com/mg/entrevistas/749-los-negretes.html

Publicado en www.mustia.com

Banda de Turistas

2010-02-09T16:13:00.008-06:00

Los jóvenes bonaerenses, Banda de Turistas han logrado destacarse en los medios internacionales por su calidad musical. Además, han compartido escenario con Jarvis Cocker, Peter Bjorn and John y The Hives. Ahora, consiguen editar en México su primer álbum Mágico Corazón Radiofónico.

De la conjunción del britpop y el new wave con toques surrealistas, surge en el 2006 Banda de Turistas, quinteto originario de Buenos Aires, Argentina, conformado por Luís Balcarce (voz y guitarra), Patricio Troncoso (teclados), Guido Colzani (batería), Bruno Albano (bajo) y Tomás Putruele (voz y guitarra). Recientemente su primer álbum llamado Mágico Corazón Radiofónico es publicado exitosamente en nuestro país y en entrevista para Indie Rocks!, Banda de Turistas nos platicó: “Estamos muy felices –comentó Bruno Albano- porque una vez que el disco está editado en México, hay como una excusa física para que todo lo demás ocurra”. “También –complementó Guido Colzani-, es un logro personal de todos que nuestro bebé esté en éste país que es muy importante y muy bonito por lo que pudimos conocer hasta ahora. Además, pensando que nosotros vivimos en una distancia de un montón de kilómetros y acá está el disco en formato físico y lo pueden escuchar, es algo que hoy en día es bastante complicado y eso lo apreciamos mucho”.

Mágico Corazón Radiofónico ha sido reconocido en Argentina como uno de los mejores discos debut en los últimos tiempos y ha sido nominado a los premios Carlos Gardel en el 2009 como “Mejor Álbum Nuevo de Artista de Rock”: “Estamos muy orgullosos del disco –platicó Patricio Troncoso-, ya nos parece un poco viejo, pero nos parece un universo que cada uno al escucharlo lo interpreta a su manera”. “El disco es como un sistema –agregó Bruno Albano- en el cual van flotando como satélites las canciones y uno puede vivir en un planeta o puede ir flotando por atrás de todos en el mismo disco, las canciones son 11 partes de un todo”.

El arte del álbum es un reflejo de lo que la música representa visualmente: “Lo vemos en la tapa desde el comienzo -explicó Guido Colzani-, nos atrae la imagen más fuerte que es un gato, pero en realidad cada uno saca su interpretación. Es la mezcla y la diversidad de sonido, quisimos fusionar lo bueno, lo malo, lo positivo y lo negativo para que conformen un todo”. “Más que nada –mencionó Bruno Albano-, tratamos de que se interprete el concepto del micro y el macrocosmos en un solo ámbito por ejemplo, del macro se puede apreciar lo que es un animal y en el micro se pueden encontrar miles de historias y miles de imágenes”.

El afamado productor Mario Caldato Jr (quien ha trabajado con artistas como Beastie Boys, Super Furry Animals, Beck y Yoko Ono) fue el encargado de mezclar el álbum en Los Ángeles: “Fue alucinante –indicó Bruno Albano-, estuvo bastante bueno trabajar con él y lo sorprendente es que cambia el trabajo, es una persona que lleva mas de 30 años trabajando en discos muy importantes a nivel mundial y también a bandas de acá como Molotov, tiene un dinamismo para fusionar cada instrumento en su lugar y que la música termine siendo una belleza de dinámica”. “El disco cuando lo teníamos nosotros estaba en tercera dimensión y él lo llevo a la cuarta” señaló Patricio Troncoso.

En su gira promocional, Banda de Turistas se presentó en varios lugares de México, incluido el Festival Vive Latino, Patricio Troncoso comentó: “El Vive Latino fue algo importante para nuestra carrera, traíamos expectativas que fueron superadas, la gente muy calurosa y afectiva. Fue una buena experiencia, la gente cantaba los temas y logramos lo que quisimos hacer en los shows que es que la gente entre en un estado controlado por nosotros, nos gustó mucho todo y un momento muy bueno”. “Además -reveló Guido Colzani-, el país es increíble, nos gustó mucho el centro histórico de noche, fue algo alucinante y el parque de Chapultepec fue algo fantástico no podíamos creer la dimensión del parque y las cosas que había dentro. Es la primera vez para nosotros que al caminar por un parque vemos una ardilla, es algo genial y también nos encantó El Castillo de Chapultepec”.

Finalmente Patricio Troncoso comentó: “No nos queda más que decir que escuchen música porque los va a liberar y los va a despertar”.

Después de visitar México, Banda de Turistas continúa su gira en Estados Unidos en donde participarán en el LAMC en New York para posteriormente terminar de grabar su segundo disco. Mientras tanto, Mágico Corazón Radiofónico se puede escuchar completo en el My Space de la banda.

Publicado en www.indie-rocks.com

Debralleitor

2010-02-09T15:51:00.007-06:00

Luego de la edición de dos interesantes demos, Debralleitor finalmente edita su primer álbum titulado Terrorismo Extraterrestre a través de Diablito Records. El álbum fusiona diversos sonidos desde lo electrónico, el funk y el surf, hasta el hip-hop con un poco de cumbia. ¡Abran sus oídos a esta bailable propuesta!

Inspirados por James Brown, Sonic Youth y Funkadelic, surge en el 2002 Debralleitor, trío originario de la Ciudad de México, conformado por Jesús Domínguez “Chuch” (batería), Vicente Rodríguez “Chenk” (guitarra) y Juan Carlos Yanajara “Yanahiman” (bajo). Después de presentarse en importantes foros del DF y eventos significativos como el festival de cine de Rótterdam, publican este año su primer álbum titulado Terrorismo Extraterrestre con el apoyo de Diablito Records.

Durante la presentación del disco, Debralleitor dio una agradable entrevista para Indie Rocks! encabezada por el guitarrista Chenk: “Nos sentimos bien felices, porque Terrorismo Extraterrestre, es un disco que consideramos como un hijo que hicimos entre los tres (risas) así que estamos súper contentos y satisfechos con el resultado”.

Desde sus inicios, Debralleitor se ha destacado por su curioso sentido del humor, prueba de ello es el concepto del disco y Chenk nos platicó al respecto: “El disco es de mucha sátira, nos gusta demasiado la ficción, las tragedias en general y también el arte del disco va enfocado hacia eso. Todo surgió cuando estábamos cambiando una llanta y empezamos a cotorrear, imaginando ovnis que chocaban con la torre latino, fue algo que se nos ocurrió a los tres y nos pareció gracioso para plasmarlo en el disco”.

Terrorismo Extraterrestre es editado por la reconocida disquera independiente Diablito Records, Chuch (batería) comentó que quizá fue un golpe de suerte: “Queríamos grabar un demo independiente, por My Space conocimos a mucha gente y luego nos topamos con el estudio 666, luego nos dijeron que querían algo para Diablito Records y cuando conocimos a Diego puras buenas ondas pasaron”.

El álbum está disponible en todas las tiendas y actualmente se encuentra en rotación el primer sencillo denominado “Breiki”: “Disfrutamos mucho tocar –explicó Chenk-, nos gustan todas las rolas, nuestras favoritas son “Resistol 5000”, “Espermoides en tu face”, “Qué pacho”, pero es difícil decidir porque realmente nos gustan todas”. (Risas)

En 2007, Debralleitor germina a través de la edición de su segundo demo titulado Veneno de Cobra el cual los impulsó a realizar un tour por Europa, tocando en lugares como el Blue Shell y el Purple Club en Colonia, Alemania y Chuch relató los hechos: “Fue una experiencia súper padre, en un escenario enorme en donde sonamos perfectamente bien, curiosamente esa gira la conseguimos a través de My Space y luego se nos ocurrió llevar 300 CDs y ¡los vendimos todos!, ni lo imaginábamos. Además aprendimos muchas cosas de todo eso, desde como manejarnos como banda hasta tocar en toda clase de escenarios y lo más importante es que agarramos práctica para tocar la música sin tanto aparato. Fue una de las mejores experiencias que he tenido, algo padrisimo”.

Debralleitor ha compartido escenario con bandas como Titán, DaPunto Beat y Sonido Apokalitzin y Chuch opinó: “Nos gusta tocar con ellos porque nos agrada demasiado lo que se genera en México, escuchamos de todos los géneros desde rockabilly como Los Gatos hasta Intestino Grueso, que en mi opinión, son una bandota. Creo que la escena está completa porque hay muchos géneros y obviamente, también apoyamos a lo electrónico como No Somos Machos Pero Somos Muchos y Polimiler, nos gusta la onda kitsch, bailonguera, de DJ”. “La escena mexicana en general está de lujo –completa Chenk-, tiene muchas ventajas, me gusta porque hay muchísima libertad musical y de cómo se maneja la banda”.

Ultimando esta entrevista, Chenk nos comentó los planes a futuro de Debralleitor: “Queremos seguir con la banda, los tres nos dedicamos en un 90% a esto, queremos seguir tocando hasta que la muerte nos separe e ir mejorando el sonido, conseguir tocadas e irnos de gira”. “Queremos seguir rockeando –añadió Chuch-, y qué viva el indie, ahora si que el Indie Rocks!” (Risas).

Finalmente, Debralleitor se dirige a los lectores de Indie Rocks! En palabras de Chenk: “Amen la música y a las buenas bandas, dense cuenta que sí se puede lograr algo, sólo es cosa de trabajar duro y yo creo que en México no está tan saturada la escena como en otros lados”. “Y nada más queda decir… ¡A rockear que el mundo se va a acabar!” –concluyó Chuch-.

La banda planea algunas fechas en nuestro país, la información estará disponible a través de su My Space.

Publicado en www.indie-rocks.com

DLD

2010-01-06T08:42:00.012-06:00

Luego de participar en el concurso realizado por una de las estaciones más importantes de rock en nuestro país, Dildo emergió con su primer disco homónimo inesperadamente independiente. En seguida, la banda comenzó a generar éxitos como “Dixie” y “Pagarás”. Para demostrar que aún son capaces de hacer música de calidad, este año dieron a conocer su cuarto álbum Por encima, haciendo vibrar nuevamente al público mexicano. DLD es un juguetito que tiene pila para un buen rato más.

Influenciados, según ellos mismos, por la oleada de música alternativa de los 90 (INXS, Pearl Jam o Sound Garden, por ejemplo), así como la música de los años 70, Dildo se formó a finales de 1998 en Ciudad Satélite, Estado de México. El cuarteto se conforma por Rodrigo Vieyra (batería), Erik Neville (guitarra), Edgar Hanse (bajo) y Francisco Familiar (voz). Reaparecieron después de dos años y posteriormente confesaron que fueron de ardua preparación y mucho trabajo para mostrar su nuevo material discográfico; esto no es para menos, pues siempre se tiene una alta expectativa tras la edición de tres exitosos discos por parte del cuarteto. En Por encima, DLD logra unificar perfectamente las sensaciones de la banda. Sabiendo esto, mi misión fue averiguar más en una entrevista exclusiva para IndRks!.

Al inaugurar la plática me di cuenta que la buena vibra y la energía que transmiten en sus presentaciones no es algo ensayado: “Nos sentimos Por encima de todo –comentó el guitarrista Erik Neville-, ésa es la idea del disco. Cada material refleja una época de nuestras vidas personales y profesionales; por ejemplo, nuestro disco anterior (Ventura), resultó ser algo más down, más oscurón y triste porque era lo que sentíamos en ese momento, ya que estábamos enfermos, muy cansados de tanto tocar; y además de eso, algunos habíamos terminado con nuestras chavas y eso generó un clima muy denso. Por suerte pudimos sacarle provecho a ese mood y al final nos sirvió para componer cosas muy buenas. Ahora sucede exactamente lo contrario, estamos en una época muy chida, en donde nos sentimos muy bien, sentimos que estamos Por encima de lo que hemos hecho anteriormente y de muchas cosas que hemos pasado, es un cambio que se nota de inmediato. Estamos vigorosos, contentos y sobre todo sanos; por eso decidimos llamas así al disco, porque habla de las cosas que te llevan a ser mejor en todos los aspectos”./div>

Ya entrando de lleno en el material, comentaron las razones que los llevaron a pensar que “Por siempre” sería el mejor tema para ser el primer sencillos de los 12 tracks que conforman el álbum, ya que la mayoría de ellos fueron escritos por Francisco Familiar, según nos explicó el mismo: “La verdad es importante mencionar que le pusimos más atención a las líricas. Creo que es normal que ahora nos exijamos más, porque antes decíamos Voy a cantar esto y todos contestaban Órale, está bien y así salían las canciones; pero ahora es diferente, porque buscamos expresar mucho mejor lo que nos parece y lo que no; es una evolución y parte de ir madurando”. El guitarrista continuó diciendo: “Además, Paco tiene una manera muy peculiar de manejar sus métricas, al componer hacemos frases o bullet points y Paco desarrolla la idea sobre eso, porque definitivamente es el mejor letrista de los cuatro”. “Eso sí, la música la componemos entre todos. Nos basamos en el principio de la mentalidad colectiva; en otros discos nos pasó que llegábamos con la melodía t decíamos A ver métele una bataca, tú métele un riff y ya está. Me late la rola, pero ésta vez fue una exigencia diferente en cuanto a nuestras interpretaciones personales” agregó el líder de la banda, Francisco Familiar. “Y pues también influye que somos re mamones”, completó Erik Neville riendo.

“También tiene que ver con el momento de creación -desarrolló el bajista Edgar Hanse-, si alguien llega y nos dice Estoy desesperado, tengo ganas de llorar, en automático tratamos de entenderlo para poder interpretar esa sensación y ayudarle a sacarla. Por eso es que en este disco se refleja una comunicación súper padre entre nosotros, creo que nos compaginamos para poder decir todos lo mismo”. A esto añadió Neville: “La cuestión es que a cualquier canción de este último disco le quitas algo (no importa si es la letra, la guitarra, el bajo o la batería) puedes ver que te expresan el mismo sentimiento; so es importante porque todos queremos comunicar lo mismo y hasta ahora parece que lo hemos logrado. En Ventura estuvimos a un paso de conseguirlo, pero ahora se nota realmente la comunicación de todos porque con tan sólo vernos la cara, sabemos lo que queremos decir y qué buscamos comunicar a los demás”.

Dildo se ha caracterizado por darle la oportunidad a gente nueva, tanto en producción como en video y arte. En esta ocasión contaron con la participación de Alejandro Cárdenas para el diseño del álbum, un chico de Guadalajara que curiosamente conoció a la banda a través de su My Space; Erik profundizó al respecto: “Alejandro tiene una picardía extraña, dejaba mensajes muy cagados en el My Space y definitivamente eso lo hacía sobresalir de toda la gente, la verdad nos obligaba a contestarle. Así que nos hicimos amigos y resultó ser diseñador; por casualidad, poco después vino a México, al visitarnos nos preguntó si podía hacernos unos logos y le dijimos que sí… Cuando los mandó, nos gustaron mucho y de allí surgió la idea de “aventarle el paquete del diseño del nuevo disco” y lo hizo bastante bien, no nos defraudó porque logró exactamente lo que queríamos”.

Por segunda vez, el cuarteto decide trabajar con René Lugo, músico compositor y productor conocido por crear el Estudio Monalisa y producir un disco de Los Daniels. Para profundizar un poco más, nos platicó Edgar Hanse: “Fue increíble trabajar con él, nos gustó mucho lo que hizo con Ventura, René es una persona muy responsable y decidimos seguir trabajando con él, realmente quedamos bastante contentos con el resultado que habíamos obtenido y ahora que se encuentra trabajando con Juan de Resorte y con Alejandro Franco no podemos esperar que algo salga mal”.

Desde sus inicios, la banda ha sido independiente; primero por cuestiones del destino y después por convicción propia: “Nuestra forma de trabajar nos ha hecho acoplarnos mejor con la escena independiente –comentó Edgar Hanse-. Siempre hemos podido trabajar así, creemos que DLD es una compañía, que teniendo un concepto disquero o no, sale adelante porque absolutamente todo lo hacemos nosotros, desde los videos, hasta el merchandising. Por eso la gente nos considera como una de las bandas que empezó con esta tendencia, nos tocó ser parte del movimiento, de la transición entre las trasnacionales y el mundo independiente… Ha sido muy padre todo eso que nos ha tocado vivir”.

Después de una breve pausa, profundizó Francisco Familiar: “Realmente para nosotros marcó una pauta muy importante la escena indie, porque originalmente salimos del concurso Rastreo de bandas 2003, por una estación de radio, uno de los premios para los primeros tres lugares es que iban a tener un contrato con una disquera trasnacional y a fin de cuentas por “x” o “y” no sucedió. Eso marcó nuestra forma de trabajo y finalmente acabamos haciendo nuestra opera prima con una disquera independiente y nos dimos cuenta de muchas cosas, sobre todo de que ésa era la forma en la que queríamos seguir trabajando”.

“Claro, no fuimos los primer en hacerlo –aclaró Erik Neville-, pero sí fuimos la primera banda en demostrar que funcionaba ese rollo de hacer música independiente (por lo menos de la nueva camada de toda ésta generación indie), que demostró que había un cambio a seguir”. Sin dejar que su compañero acabara, continuó Edgar: “Realmente nunca pensamos en cosas como: A ver qué pasa con una disquera. A nosotros siempre nos ha funcionado eso, tomar lo que tenemos y hacerlo sin pensar en su hay una disquera o no, porque nos gusta mucho trabajar en independencia total”. “Además, creo que si hubiéramos estado en una disquera trasnacional –dijo en profunda meditación Francisco Familiar-, nuestra forma de trabajo sería diferente; tal vez estaríamos echando la hueva o teniendo otra mentalidad, la independencia nos abrió los ojos completamente”. “Ser independiente tiene sus ventajas, porque somos dueños de todo nuestro repertorio”, concluyó el guitarrista.

Erik Neville expresó que le gusta mucho lo que se está desarrollando actualmente: “Hay un buen de bandas que nos gustan como Los Daniels, Los Marty, Hello Seahorse! Y Enjambre. Además, creo que ellos son las más representativas del indie, lo mejor de todo es que tenemos buena relación con todos”. “La verdad es que mucha gente está haciendo cosas bien interesantes –extendió Francisco Familiar- como para mí The Fatalist, The Cosmetics y San Pascualito Rey”. “A mí me gusta mucho lo que se hace en México, pero no me gusta que tantos grupos canten en inglés, ni modo, cada quien sus gustos” opinó Edgar Hanse.

Con seis años de trayectoria, Dildo reveló su más íntimo secreto, que les ha servido para mantenerse vigentes dentro del rock nacional; según dijo Neville mismo: “Hemos tratado de crecer cada día, cada semana, cada disco. Dildo es una banda que camina por sí sola y esto nos ha costado mucho trabajo, lo difícil ha sido mantener la manera en que hacemos las cosas y que vayan creciendo”. Totalmente de acuerdo con Erick, señaló Familiar: “Es complicado ir creciendo y estar vigente, simplemente porque tratamos de superar nuestras expectativas como músicos, interpretes y artistas”. Retomando la palabra, Erik dijo: “Pienso que hemos pasado por todo, a veces es complicado tratar con personas que no tienen la misma capacidad, pero la verdad no nos arrepentimos, son cosas que tienen que pasar para que madures y puedas crecer. Sobretodo, son cosas que siempre le traen algo positivo”. Remató Edgar Hanse.

Después de presentarse en festivales internacionales como: Rock al parque en Colombia, el famoso Roxy de Los Ángeles y el ya clásico Vive Latino de la Ciudad de México, Dildo planea seguir conquistando el mundo con Por encima: “Creo que lo primero es que vamos a estar presentando nuestro nuevo álbum por todos lados (es como nuestro bebé), es el único futuro cierto que tenemos en este momento. Queremos trabajar con él, dedicándole todo el tiempo, y de ser posible estar de gira en todas las ciudades”, platicó Erik Neville. “También planeamos ser la mejor banda de rock en español de todos los tiempos –comentó Edgar-. No sé cómo le vamos a hacer, pero lo vamos a lograr aunque tengamos que comprar a todos (risas)”. “Vendemos el alma al diablo… Chingue su madre (risas)” reiteró divertido Neville.

Finalmente, la banda envió un mensaje a sus fans encabezado por las amables palabras del guitarrista: “Gracias por no ser borregos y no se olviden de ingresar a nuestro My Space, allí verán todo lo que vamos a estar haciendo y lo que viene para la gente que nos sigue”. “Chido a toda la banda que lee IndRks! Y a los fans que desde siempre nos han apoyado. Qué bueno que se dan oportunidad de comprar la revista, porque encuentran cosas que no se pueden ver en otro lado”. “Gracias por el espacio, qué bueno que existen este tipo de publicaciones para que la gente esté consciente y que tengas el conocimiento de que hay bandas que están haciendo cosas muy interesantes, ya que México es uno de los países con una evolución importante en cuanto a música” concluyó el vocalista.

Dildo comenzó ya una gira que arrancó en el José Cuervo Salón del Distrito Federal con la presentación oficial de su álbum Por encima para posteriormente presentarse en Querétaro, Toluca y Guadalajara.

Publicado en Indie Rocks! No. 35

Natalia Lafourcade

2009-10-26T14:45:00.008-06:00

La reinvención es un proceso necesario para todo artista, consiente de eso, Natalia Lafourcade regresó con un nuevo concepto musical y visual que se gestó durante la realización del interesante trabajo instrumental llamado Las cuatro estaciones del amor, un álbum grabado con la Orquesta de Jalapa. Este material le permitió la concepción simultánea de 13 canciones que conforman Hu Hu Hu, una entrega donde se sacudió todos los estigmas que la rodeaban y en el que también encontramos colaboraciones de Juan son y Julieta Venegas.

Compartiendo pensamientos e inspiración de su anterior trabajo, Las Cuatro Estaciones del Amor, el esperado regreso de la mexicana Natalia Lafourcade fue un hecho con Hu Hu Hu, fruto del encuentro consigo misma en el que plasma experiencias personales, como si fuesen las de una pequeña niña, creando un sonido dulce y fresco que deja percibir la evolución musical de la artista. El álbum contiene canciones en inglés y español que nos llevan a través de un mundo fantástico y lleno de personajes creados por la mente de la cantautora. Para empezar la entrevista, le pedimos a Natalia que presentar su disco: “El nombre Hu Hu Hu es como una risa, también suena como el canto del búho o como el canto de unos pajaritos; significa todo y nada… Para mí significa regalos, este disco está lleno de regalos porque las canciones me parecen muy bonitas y muy dulces”.

Este material se dio a conocer a través del sencillo “Azul”, que comenzó a sonar en su My Space y posteriormente invadió la radio comercial, extendiéndose rápidamente entre sus fans y conquistando nuevos escuchas: “Realmente Azul es una de mis favoritas, por eso la elegí como primer sencillo, aunque en realidad antes había elegido otra como primer sencillo pero Grace, una amiga que está trabajando conmigo fue la que me dijo Deberías venir con “Azul”, porque es una canción que tiene un poco de todo el disco. Es un tema que tiene mucha vida y energía, así como una instrumentación muy interesante; tiene partes de piano, otras más intensas… Al final es como una fiesta”.

“Azul” es como volar, dejándote ir en una fantasía, es como un viaje que realizas en un cuento; tiene muchos instrumentos, tiene todo. En palabras de la cantautora; “Es una canción que captura la esencia del disco; por eso es que al principio tenía mucho miedo, porque es una canción fuera de lo convencional, muy distinto a lo que están acostumbrados a escuchar aquí en México (sobretodo en las estaciones comerciales). Es una canción muy independiente, con mucho experimento, me daba miedo un poco por la disquera, pero finalmente ellos quisieron y dijeron: Pues es tu disco, es tu etapa, veamos lo que sucede… Me siento súper feliz, muy cómoda, pero sobretodo satisfecha con lo que ha `pasado con esta canción, así como con el disco… De verdad yo esperaba mucho menos, entonces me hace sentir bien feliz que haya funcionado”.

Luego de la participación de Natalia Lafourcade en el MTV Unplugged de Julieta Venegas, estas grandes artistas volvieron a unir talentos en la canción “Hu Hu Hu”, Lafourcade comentó al respecto: “Julieta fue de mis primeras influencias, la adoro, es como mi mamá en la parte musical. La quise invitar a cantar justo esta canción porque es súper especial, se la hice a mi amiga Morgana en su cumpleaños. Por eso es que la rola habla de todas las cosas que le quieres refalar a una persona con la que te llevas muy bien y con la que pasas momentos increíbles, de esas amistades con quienes quieres que el tiempo se detenga para que puedan seguir estando juntas y que nunca se termine… Es una canción muy personal, por lo mismo de que habla de momentos que atesoras; creo que de eso se trata estar vivo, de dar honestamente, entregarnos a otros y de que demos cosas padres sin pensarlo, por eso quise ponerle “Hu Hu Hu”, porque no es ninguna palabra en español ni en inglés… Es algo que te sale de lo más profundo y que quieres entregarlo”.

En cuanto al concepto del disco, fue realizado por la artista plástica Cara Earl, quien también creó el búho, los animales máscaras así como el resto del cambio de imagen de Natalia y sus músicos para sus presentaciones en vivo: “Yo quería hacer lo más cercano a un bosque, que tuviera letras, dibujos, me llamaba mucho la atención hacer algo sencillo pero que fuera como una fantasía. Al final quedó tal y como lo esperaba. Parezco una niña en el bosque con animales, que vive como en un cuento de fantasía donde todo puede suceder, donde puede haber momentos tristes, melancólicos, momentos muy alegres y otros abstractos”. Esto se logró con la ayuda de las ilustraciones a lápiz de Roberto y Federico, así como la dirección de Juan Manuel Torreblanca: “Creamos todo este concepto parecido a un cuento, creo que lo que me influyó principalmente fue lo que la música dejó sentir y lo que el disco me decía que necesitaba”.

Durante su estancia en Canadá en el 2006, Natalia pretendía alejarse un poco de la música, aprender inglés y dibujar, pero por azares del destino se hospedó en una casa de músicos que la llenaron de inspiración por lo que rápidamente se encontraba colaborando en distintos proyectos, entre ellos la banda People Project, agrupación que se distingue por reunir músicos de todo el mundo para crear música original con un mensaje. Natalia nos comentó emocionada: “Fue una experiencia padrísima, algo increíble… Es de las colaboraciones más bonitas y con más aventuras que he vivido, hicimos un tour en el Montreal Jazz Festival, acabamos en lugares tan hermosos, con gente muy talentosa; era excelente estar en un proyecto que no era mío (yo era músico y corista). Nos íbamos de fiesta, al día siguiente nos trepábamos a una camioneta y todos cargábamos el equipo, como que era muy distinto a lo que hago normalmente en México, era mucho más hippie (risas)”.

A su regreso a México, Lafourcade se vio sorprendida ante la escena independiente en nuestro país: “La verdad hay muchísimas bandas, hay música increíble; es cierto que hay influencia de afuera, pero también la música tiene mayor calidad que antes. Los nuevos grupos vienen con suficientes ganas y energía para estar tocando en donde sea, Por ejemplo Hello Seahorse! (que es una de mis preferidas), Austin TV me encanta, Ximenita me gusta muchísimo, Juan Manuel Torreblanca, sin olvidar a Juan Son, quien colaboró en mi disco porque lo admiro, me encanta su voz, sabía que si él cantaba en mi disco lo iban a conocer en lugares donde no lo habían oído y viceversa. Además de que Julieta, Juan y yo pasamos mucho tiempo juntos, nos apoyamos, somos muy buenos amigos y nos queremos”.

Haciendo una regresión en el tiempo, la pasión de Natalia Lafourcade por la música surgió cuando era niña gracias a las enseñanzas de su madre, creadora del método Macarsi, una técnica simple de enseñanza musical para niños (que experimentó primero con su hija): “Soy la prueba de que el método sirve, pasaba horas enteras en la escuela de mi mamá, jugaba a hacer canciones y grabarlas. Sin embargo, mi comienzo en el medio fue difícil, porque durante siete años compuse canciones y no pasaba nada, hasta que una pegó; creo que eso tiene que ver con que soy una necia (risas), siempre me he aferrado a mis cosas: Que si quiero hacer una banda o algo instrumental; siento que las dificultades surgen cuando quieres hacer las cosas a tu modo, te cuesta el triple que si haces lo que los demás te dicen o lo que los demás esperan de ti, pero cuando tú te plantas en decir: ¡No, tiene que ser de esta manera porque así lo quiero yo!, eres más sincero y la gente se da cuenta, además de que te hace sentir mejor”.

Mientras nos seguía contando de las cosas que ha vivido en el medio, nos compartió la anécdota que más se ha grabado en su mente: “Una vez me invitaron a cantar a un hospital, un manicomio… Estuvo muy fuerte. Me acuerdo que salí shokeada, pensando ¡Órale, que duro!; vi de todo, chavitos de 16 años que ya no hilan nada por tantos ácidos que se metían en los raves y me daba tristeza pensar: ¡Tu vida ya fue! También había gente de todas las edades con todo tipo de enfermedades; tocamos para todo mundo y fue muy raro. Al final del concierto nos dieron helado napolitano, todos venían y se acercaban, pero pues como que ellos no están conscientes de muchas cosas, trían la pluma, la libreta y el helado escurriendo, me decía: ¿Me firmas? ¡Acabé embarrada por todos lados! Y el resultado final es que no puedo ver el helado de ese sabor, ni probar, ni ver cómo alguien se lo come. La situación me produjo algo muy fuerte, pero lo volvería a hacer porque ves que al final también son personas que necesitan mucha atención, cariño y cuando sienten que alguien les está regalando algo, lo entienden… Aunque sí lo volvería a hacer, ahora pediría helado de limón o de otro sabor (risas)”.

Retomando el presente, la cantautora nos sorprendió con un proyecto que está desarrollando: “Estoy haciendo la música de una serie de televisión para Televisa, Locas de amor, está muy padre, súper divertida e inteligente; nunca habría aceptado musicalizar una telenovela porque las odio (risas), pero cuando me enseñó el piloto una amiga que sale allí (Ximena Ayala) me dijo: Mira, esto está bien padre, hay que buscar al director y hacer algo, fuimos a la casa del director y le dije: ¡Quiero hacer su música! Y así fue, siempre había querido hacer un store, no tenía idea de cómo hacerlo, pero lo lograré, es un reto personal”.

Pero no se alarmen, antes de meterse de lleno a ese proyecto, continuará con la promoción de Hu Hu Hu: “Me siento feliz por este disco, como lista para hacer un tour y para componer otro disco. ¡Me muero de ganas de empezar otro proyecto!, aunque quiero esperar y darle lo que se merece a este disco; estoy poniendo todo de mi parte, invirtiéndole todo el tiempo que necesita: Diario ensayo y voy a mis clases de canto. Me interesa muchísimo tocar y que la gente lo escuche, ojalá que se identifiquen con las letras, con las canciones, lo deseo muchísimo”.
Hu Hu Hu ya ha dado frutos, como la reciente participación de Natalia Lafourcade en la edición 2009 del South by Southwest en Texas, así como su participación en el festival Sonar 2009: “Me siento orgullosa de haber compartido escenario con tantas bandas, con tantos talentos a quienes admiro. Me dieron muchas influencias extras, muchos discos nuevos y música nueva”.
Finalmente, la ganadora de un Grammy envió un mensaje a sus seguidores: “Quiero darles una gracia – “Una gracia” repitió riendo-, darles las gracias por todo como siempre, por su apoyo y por esperarme. Sigan adelante, échenle ganas y no dejen de escuchar mi música”.
Sin duda, Hu Hu Hu demuestra una mejor etapa en la carrera de Natalia Lafourcade, pero no podremos saber si es la mejor hasta que vuelva a compartir con nosotros alfo de esa alegría infantil y sobre todo de la magia e ilusión que hacen bastante falta en este mundo.

Publicado en Indie Rocks! No. 34

Vetusta Morla

2009-10-26T13:15:00.005-06:00

Reconocidos en múltiples ocasiones por la crítica especializada española, el sexteto madrileño Vetusta Morla trae a México su álbum debut Un día en el mundo, trabajo editado bajo su propio sello disquero. Una delicia bohemia del viejo continente, que sirve bien como plato de cualquier melómano internacional.

Oriundos de Madrid, España, Vetusta Morla se ha convertido en una de las bandas más importantes del rock independiente español, tras editar Un día en el mundo en 2008, ganaron el reconocimiento por el que arduamente habían trabajado. Este material refleja las vivencias de la banda a través de nueve años de carrera y actualmente está siendo editado en México, después de su exitosa participación en el festival Vive Latino (dándoles así un nombre en el resto de Suramérica, de paso).

En entrevista para Indie Rocks!, Vetusta Morla comentó: “Aún no lo podemos creer…manifestó Guillermo Galván, guitarrista- verdaderamente ha sido un largo proceso para poder llegar a México, ya estamos aquí, el disco está por circular en las calles. Para nosotros es un sueño, estamos muy contentos, sobre todo de saber que tenemos la posibilidad de compartir nuestras canciones con la gente de México”. Sin dejar un momento para respirar, añadió Álvaro Baglietto (bajista): “Es un paso muy grande, estábamos muy ilusionados con la salida del disco en España, pero es una ilusión más grande cuando ese mismo proceso se repite saliendo de tu país como ahora que llegamos a México. Cuando lo ves dices ¡Wow!”.

Un día en el mundo fue lanzado en España a través de la disquera independiente Pequeño Salto Mortal, propiedad de la banda. Pucho, líder y vocalista de la banda, me explicó este proceso: “Una vez que ya teníamos el disco grabado, lo mostramos a sellos independientes de todo tipo y nos decían muy buenas palabras pero había muy pocas acciones; por eso decidimos hacer nuestra disquera, creo que fue un gran acierto. La llamamos así porque teníamos que dar un Pequeño Salto Mortal, para nosotros era como toda una aventura kamikaze, lanzarse al ruedo sin nada más que buenas intenciones”.
Además, en España se lanzó su álbum debut con una versión especial, en la que saliéndose de los convencionalismos, los chicos de Vetusta Morla regalaban una pieza de rompecabezas con sus discos; la razón de esto nos la relató con mucha emoción Guillermo Galván: “La publicación de nuestro disco fue muy personal, hicimos un formato oficial que viene en unas transparencias de acetato, pero como no era un formato Standard, tuvimos que mandarlo a distintas fábricas, haciendo que el empaquetado de los discos fuera uno a uno, todo a mano:; por eso era todo muy personalizado, En la primera edición decidimos hacer un puzzle de 2000 piezas y cada pieza arma un rompecabezas gigante que se podría armar si se juntaran todos los que compraron el disco”.

El álbum contiene 12 tracks que surgen a partir de distintas épocas de la banda, como una especie de recuento de anécdotas en su larga carrera, nuevamente Guillermo tomó la palabra: “Las canciones parten de una emoción particular o puntos de vista sobre el mundo; la temática de estas canciones son experiencias personales o momentos que hemos vivido. En realidad, lo que pretendemos es convertir dichas experiencias en material que pueda recibir cualquiera y sobretodo, recrearlo para que cada quien pueda hacer sus propias imágenes y sentimientos”.

David Martín Page fue el encargado del arte del álbum (se trata de una fotografía tomada en la playa de Barcelona) Pucho reveló con algo de misticismo que hay detrás de esto: “Es una foto que registra un momento, un instante de un niño entre un banco y otro; con un fondo que tiene un cielo abochornado, junto a un mar como un plato. Para nosotros, es una manera de decir que el disco es un instante de nuestra carrera, representa un pequeño salto dentro de una historia mayor; el disco supone un pequeño grano en toda esta aventura, supongo que para el niño es un paso importante y para nosotros es un paso más”.

Recordando cuando Vetusta Morla se presentó en el Festival Vive Latino, donde se llevaron su primera impresión de México, Guillermo Galván comentó: “Venir al Vive Latino fue un paso más en la conquista del mundo de la música, el festival tiene mucho peso en toda Sudamérica y México; incluso desde que estábamos en España, mucha gente de México nos escribía porque nos había visto en el cartel. Nos hace muy felices venir a compartir nuestra música, es el sitio de habla hispana que hemos elegido para empezar, porque la gente de aquí se interesa mucho por la música, incluso con bandas que no conoce, es increíble la pasión que tienen aquí por la música y lo interiorizada que la tienen en su vida”.

Finalmente, el bajista Álvaro Baglietto fue el encargado de despedir a la banda cuando el tiempo se había agotado, nos dijo: “Pro favor compren el disco, volveremos pronto, nos quedamos con ganas de viajar por todo el país, tenemos muchas ganas de conocerlo”.

Vetusta Morla continuará su gira y volverá a México a finales de año para dar algunas presentaciones, estén pendientes a través de su página oficial, apoyen al rock hispanohablante.

Publicado en Indie Rocks! No. 34

Candy

2009-10-26T12:04:00.008-06:00

Definidos por ellos mismos como música acida con nombre dulce, Candy es un power trío que recientemente llega a sacudir a México con su primer disco Stranger, culminando los esfuerzos de varios años de trabajo. Prepárense para la descarga agridulce de Candy.

Conformados por Valentina (voz y bajo), Michael (voz y guitarra) y Héctor (batería), Candy es un trío originario del Distrito Federal con un sonido punk wave; otra peculiaridad de esta banda es que prefieren componer las letras en inglés, siendo fieles a sus influencias y buscando una identidad propia. Stranger es su primer álbum de estudio y para su debut contaron con el apoyo de Diablito Records y de Warner Music en la distribución.

Ubicándonos en un confortable departamento en la Colonia Del Valle, comenzó la entrevista con esta joven agrupación: “Estamos súper contentos –comentó Valentina-, Stranger es un disco muy completo, desde el arte hasta la música, porque no hay canciones de relleno, nos tardamos mucho en sacar éste disco. El grupo como tal empezó desde el 2004 y dijimos: Necesitamos un disco para ver qué pasa… Así fue como empezamos a grabarlo en agosto del año pasado”. Michael tomó la palabra entonces: “Creo que otra de las razones por las que se había retrasado el disco fue que siempre quisimos algo bien trabajado, bien hecho y no de uno, dos, tres y a ver qué sale; por eso le pusimos todo el esfuerzo a una producción, para sacar el mejor resultado posible”.

Stranger fue grabado en los estudios Six Six Six con la colaboración de músicos como Miky Huidobro; Valentina nos compartió un poco sobre esta experiencia: “Tuvimos mucha suerte, porque la gente con la que trabajamos entendió muy bien nuestro concepto y sobre todo, estuvimos muy a gusto con Diego Aguirre durante la grabación “. De hecho, buscando el mayor nivel de perfección posible para su álbum, acudieron a Jason Carmer para la mezcla final, Jason ha sido ingeniero de bandas internacionales como Korn The Donnas y System Of A Down, entre otros. Valentina continuó relatándonos: “Tuvimos la suerte de que Carmer se viniera a México a trabajar y que nos hiciera la mezcla del disco. Él nos consiguió la masterización en el estudio The Lodge en New York, luego con la ayuda de Emily Lazar y Joe Laporta salió un sonido con el que estamos muy contentos; además nos sentimos extremadamente orgullos con este trabajo. Fue muy padre todo el proceso porque desde el principio Carmer entendió muy bien nuestro concepto y le daba mucha importancia a lo que pensábamos nosotros; siempre que terminaba una rola nos iba preguntando: ¿Cómo les parece?, ¿Voy por buen camino? Hubo mucha comunicación, estamos contentos”. “Aparte de que Jason hace una diferencia enorme, logró ampliar el sonido y todas las ideas las captó muy bien, de hecho supo resaltar lo que nosotros tal vez no podíamos hacer solitos”, agregó Michael.

El arte estuvo a cargo de Brigitte Aristeo, directora de arte de Diablito Records y Michael no desperdició esta oportunidad para agradecerle su trabajo: “Fue toda su idea y quedó en familia. Siempre quisimos que fuera una foto, porque estábamos un poquito cansados de lo que se hacia últimamente, queríamos una foto buena, algo que fuera contrastante, como lo es nuestra música, el nombre muy dulce y la música muy acida”.

Mientras avanzaba la conversación, llegamos a tocar el punto de que las letras están hechas completamente en inglés, según estos chicos es con la de idea de traspasar fronteras, Valentina explicó: “Las letras las hacemos entre Michael y yo, pero la verdad es que los tres trabajamos en eso. Hablamos de varios temas, vivencias personales y sueños. También nos basamos en libros y búsquedas interiores que tratamos de expresar”. “Además, plasmamos preguntas clásicas existenciales del ser, del tiempo, de nuestras penas y sufrimientos”, completó Michael.

Al escuchar un álbum tan bien logrado como éste, uno no puede dejar de pensar en que cada canción podría ser un sencillo, así que decidí preguntar la razón por la cual “Party With A Stranger” fue el primero, Valentina respondió sin dudarlo: “Realmente nos gustan todas las rolas del disco, tenemos temas para diferentes momentos: Hay canciones con las que te puedes identificar cuando estás divertido o deprimido”. Y Michael de inmediato expresó: “A mí por ejemplo, me gusta mucho “Questions”, es mi favorita en cuanto a su lyric y en cuanto a música prefiero “Silence”, la disfruto mucho”.

Mientras discutíamos sobre sus planes (y algunos cuestionamientos existenciales), Valentina nos platicó que próximamente estarán de gira por las principales universidades del país: “Estaremos rolando por el Politécnico, la U.A.M., la U.V.M., etc. También vamos a tocar en el Tianguis Cultural del Chopo y eso me tiene muy emocionada, porque va a estar muy interesante. Realmente tenemos muchas ganas de ver qué onda y esperamos tocar todo lo que queda del año, en todos los lugares posibles de la República Mexicana. Nos gustaría tocar en festivales, sacar otro disco, pero principalmente darle con todo a Stranger”. “Nuestra tirada es para arriba –añadió Michael-, ser una banda reconocida, estar alternando con bandas nacionales e internacionales”.

Muchas son las razones por las que se les puede augurar un futuro prometedor a estos músicos, quizá la principal es que su propuesta es sincera y sin pretensiones: Rock ácido y sincero que no busca revolucionar, sino expresar. Mientras tanto, degusten este singular caramelo que es Stranger.

Publicado en Indie Rocks! No. 34

Los Amigos Invisibles

2009-09-21T13:55:00.037-05:00

Inspirados en la célebre frase televisiva usada por su compatriota Arturo Uslar Pietri, nacen Los Amigos Invisibles; banda venezolana que desde 1995 se considera una de las propuestas más representativas de su país. Mezclando ritmos latinos, acompañados de música disco y funk, estos músicos nos demuestran con su más reciente producción llamada Comercial, que el talento no está peleado con la buena actitud.

La disquera Luaka Bop, propiedad del músico fundador de los Talking Heads, David Byrne, impulsó a Los Amigos Invisibles, quienes dieron la vuelta al mundo con su segundo álbum The new sound of the Venezuelan Gozadera en 1998. Ahora, el sexteto caraqueño conformado por Julio Briceño "Chulius" (voz), José Luís Pardo "DJ Afro" (Guitarra), Armando Figueredo "Odnam" (Teclados), Mauricio Arcas "Maurimix" (Percusiones), José Rafael Torres "Catire" (Bajo) y Juan Manuel Roura "Mamulo" (Batería), presenta su sexto material discográfico, el cual cuenta con la acertada participación de la mexicana Natalia Lafourcade, el compositor chileno C-Funk y el ex integrante de Los Prisoneros Jorge González.

En su corta visita a México, estos músicos radicados en Nueva York, dieron una agradable entrevista para Indie Rocks!, la cuál fue encabezada por el líder de la banda Julio Briceño, quién inició la platica contándonos sobre su nuevo disco: "Nos gustan mucho las canciones de Commercial, nos encanta toda la onda que trae, porque como el disco anterior había sido en vivo y el disco antepasado (Super pop Venezuela) fue un disco de covers de canciones venezolanas, así que ahora nos sentimos con muchas más ganas, pues este nuevo material contiene puras canciones inéditas. Estamos bastante contentos con el resultado. Además, necesitábamos regresar a nuestras raíces, queríamos hacer arreglos funk y jazz latino, por eso fue que decidimos volver a hacer temas más bailables, para que la gente disfrute más nuestro trabajo. Hemos visto que al público le gusta cantar, bailar, disfrutar y para un buen rato; nosotros lo que deseamos es llegar un poco más lejos, queremos ayudar a los fans a que les guste más la música, que sea más fácil de escuchar".

El título de esta entrega, Commercial, alude a los jingles pegajosos que invadieron los anuncios televisivos hace algunas décadas, este tipo de melodías aparecen como interludios entre los tracks. El bajista José Rafael "Catiré" Torres nos platicó sobre esto: "Le pusimos ese nombre buscando un doble sentido: Por un lado es un disco más comercial (dentro de lo que cabe), y por otro, todos los interludios tienen una referencia comercial, por eso creamos un disco empleando una gran variedad de adjetivos y elementos que existen en una campaña publicitaria para venderte algo. Hay como un cliché trastocado para que sea gracioso".

El álbum (a diferencia de los anteriores), contiene tracks más cortos sin dejar de lado el buen ritmo que desde siempre los ha definido, Julio Briceño comentó al respecto: "Lo que veníamos haciendo en el disco The New Sound of the Venezuelan Gozadera y en el Arepa 3000: a Venezuelan Journey Into Space, eran cosas bastante experimentales con jams y canciones más largas; ahora decidimos que era momento de cambiar las cosas; incluso fui de los que quiso que las canciones fueran mucho más cortas… Hay varias razones, la principal es que hoy en día tenemos mucha música saliendo al mercado, entonces no tenemos tiempo de escuchar todos los discos porque son muy largos", "A mi me parece importante eso –continuó José Rafael-, también como consecuencia salió un disco más sólido, con más sentido y creo que por lo mismo a la gente le van a dar ganas de escucharlo muchas veces, a diferencia de un disco de hora y media, que lo pones una vez y dices ¡Coño, déjame tomarme un break para volver a escucharlo! (risas)". "Lo que pasa con todo esto es que hay mejor desperdicio, es como la arrachera pero sin grasa" puntualizó Julio.

El arte fue realizado por MASA, talentoso artista venezolano reconocido en Europa y Latinoamérica, el cual ha estado presente desde el álbum Venezuelan Zinga Son: "MASA es un proyecto llevado por Miguel Vázquez; siempre nos vuela la cabeza con el trabajo que nos manda, es un estilo que a la banda le encanta por eso seguiremos trabajando juntos. Aparte nos parece fabuloso poder ayudar al talento venezolano a cruzar fronteras con nuestra música y que todo vaya unido". José Rafael completó: "Además Miguel puso las neuronas a trabajar bien duro e hizo algo muy conceptual, nos llegó con una portada que resultó ser una lata con piernas y, si abres el libro te vas a dar cuenta que en medio hay un trasero gigante, son cosas muy relacionadas con el cliché de lo comercial y a nosotros nos fascinó", comentó Julio.

Commercial fue editado a través de su disquera independiente Gozadera Records que funciona desde el lanzamiento del álbum The Venezuelan Zinga Son, en el 2003. Sobre este proyecto Rafael nos platicó: "Gozadera nació por pura necesidad, llegó el momento en el que comenó toda una crisis discográfica en Venezuela y nosotros, después de evaluar todos los pros y contras que había dentro de la escena, decidimos que era más conveniente "sacar la casta" y salir adelante. También recuerdo que la disquera anterior nos había dicho que nuestra música no le gustaba, que le parecía terrible, entonces entendimos que la mejor manera de editar álbumes era sacando nuestro propio sello discográfico".

Esta decisión los hizo acreedores a múltiples reconocimientos internacionales y nominaciones importantes incluyendo la del Grammy: José Rafael nos compartió orgullosamente: "Creo que el primer acierto lo pegamos con nuestra disquera independiente, fue increíble el resultado que tuvimos y por ello decicimos hacer los tirajes independientes en Venezuela, Estados Unidos y otros países. Poco a poco vamos para adelante y estamos satisfechos, pero lo más importante es que la gente responde muy bien". "Una disquera te lleva a poner en una placa la música que quieres que la gente escuche; ahora nosotros tenemos la fortuna de poder ayudar a otros artistas, aunque todavía no de la manera que quisiéramos (firmándolos y llevándoles su carrera), por ahora lo que hacemos son recopilaciones para irlos poniendo en el mapa" complementó Julio Briceño.

Los Amigos Invisibles comenzarán la promoción de su álbum y darán algunas fechas en México para luego regresar a su natal venezuela y posteriormente viajar al resto del mundo. Julio Briceño puntualizó: "Queremos seguir dándole duro con Commercial, tocar las rolas en vivo porque es lo que hoy en día ayuda más a promocionarte".

De hecho, nos confesaron que México es un lugar que disfrutan mucho visitar y Julio mencionó: "Aquí hemos pasado por todo, ha habido cosas que han sido muy cómicas; por ejemplo, en un festival en Monterrey, en la Huasteca, escuchábamos a la gente muy emocionada, decían cosas como: ¡Cierran Los Amigos Invisibles! y Los Amigos Invisibles no sé qué. La pasamos increíble, pero cuando nos bajamos de la tarima y empezamos a buscar el transporte que nos llevaría al hotel, no encontramos nada, entonces nos dijeron Ya todos los transportes se fueron, no hay más, el problema fue que ¡No nos reconocieron! Para mí fue muy cómico, porque tuvimos que agarrar un taxi para regresarnos al hotel (risas). La verdad es que me encanta este país, me encanta la comida, la sazón mexicana y la gente, de verdad que en el show, el público nos quiere muchisimo y creo que nosotros hemos tratado de ser recíprocos con el cariño".

Después de un instante de pensar, José Rafael agregó: "El público mexicano es muy musical, hemos tocado en muchas partes del mundo, pero aquí es como el primer lugar en que sentimos que hay muchos fans ideales, que dan todo por la música; no lo hacemos porque seamos Ricky Martin o porque estemos muy buenos (risas)... Es porque se conectan a través de la música; claro, así como se conectan con nosotros, lo hacen con 800.000 grupos de todas partes del mundo. Además, nos sorprende la escena musical de México, es increíble que una banda de rock independiente pueda tener una carrera, una fanaticada y todo; eso significa que no se necesita un sello precisamente gigante para crecer en la música y hacer cosas de calidad, sino que de pronto llegan a existir los recursos, los tomas y si eres inteligente, tú solo puedes crear tu propia escena... Eso me parece muy interesante y desgraciadamente eso no ocurre en Venezuela. En México hay mucha gente talentosa, a mí en particular me gusta mucho la tapatía Ximena Sariñana (que la descubrí hace poco), también la ingeniosa Natalia Lafourcade y por supuesto, Plastilina Mosh a quienes conocemos desde hace 10 años".

"Existe mucha industria en este país -agregó Julio Briceño- con todo y la parte de la piratería, hay muchísimas bandas, muchísimos promotores y tiene que ver realmente con su tamaño; en Venezuela también existe una escena pero muy underground y tal vez hoy en día los músicos (sobretodo por la desaparición de las disqueras trasnacionales) tienen menos aporo que acá. De todas formas, sigue habiendo muchísima gente detrás de sus computadoras grabando y tocando en vivo, aunque en mucho menor escala. Aquí en México hay muchos más medios de apoyo, tienen muchísimas revistas especializadas como indie Rocks! y como consecuencia de eso, salen más artistas y la escena está más consolidada". "Allá tenemos música increíble, pero no sale de My Space, porque hasta ahora esa es la máxima posibilidad que tienen que transmitir su trabajo". sentenció José Rafael.

Ultimando esta interesante entrevista, Los Amigos Invisibles enviaron un mensaje a sus fans, Julio Briceño tomó la palabra: "Gracias por todo el apoyo que nos han dado durante todo este tiempo; a los nuevos fans les agradecemos por unirse a la familia y a los que no nos conocen, les pedimos que se den la oportunidad de escuchar el nuevo disco y todos los anteriores. También les recomendamos que vayan a vernos en vivo, para que puedan apreciarnos mejor... Algo muy importante: ¡Digan no a la pirateria! Parece que es una guerra perdida, sobre todo para las nuevas generaciones, que creen que la música es gratis. Estoy de acuerdo que no te guste todo el disco, pero por una canción deberías pagar, tener un precio. Y para la gente que visita nuesta página web, siempre tratamos de tenerla lo más actualizada posible, si alguien quiere saber de nosotros, ahí estamos en contacto directamente con los fans".

Satisfactoriamente, el álbum Commercial cumple con las características que desde siempre han definido a Los Amigos Invisibles: Humor, fiesta, buenos rítmos salpicados de sensualidad. Habrá quienes digan que estos venezolanos le apostaron al camino fácil, que hasta son cínicos al meter interludios publicitarios, pero están perdiendo de vista el concepto del disco. Júzguenlo ustedes mismos, actualmente el primer sencillo "Mentiras" se encuentra en rotación, con él tendrán la mejor respuesta ante esas acusaciones.

Publicado en Indie Rocks! No. 33

Flip Tamez

2009-09-07T08:58:00.036-05:00

Compositor y guitarrista de la banda regiomontana Jumbo, Flip Tamez emprende su nuevo proyecto solista llamado Adiós Domingo Gris, con el cual realizará algunas presentaciones en vivo que incluirán la participación de músicos de Zurdok, Claxons y al comunicador Rafael Sarmiento en el bajo. En entrevista para Indie Rocks!, Flip Tamez comentó.

“Estoy muy feliz porque pasaron muchos años para que pudiera reunir todos los ritmos que me influenciaron en la vida como el rock sureño, el rock de raíz, el blues, el folk y el country. El álbum es simplemente rock and roll y las canciones que contiene son muy específicas y personales. Ahora tengo más que ofrecer en un disco que cuando empecé mi carrera porque me siento mejor persona, compositor y músico”.

Adiós Domingo Gris fue grabado en su totalidad por Flip Tamez, a excepción de la batería, que fue realizada por Beto Ramos (Jumbo): “Fue difícil lograr este álbum porque no sabía si hacerlo sólo o con otra banda, pero el tiempo estaba pasando y un buen día decidí hacerlo todo yo sólo en mi casa y eso, definitivamente me llena de orgullo”.

Flip Tamez ha sido pieza importante en Jumbo y juntos han logrado ventas cerca de las 200, 000 unidades durante 11 años de trayectoria: “Mucha gente con esas nuevas escenas, considera veterano del rock a alguien que tiene cinco discos, para mi es el principio de lo que ojalá puedan ser un montón de discos. Durante nuestra carrera, hemos sobrevivido a muchas modas que van y vienen porque el rock and roll no es como el fútbol (que eres mejor cuando eres niño). El rock es algo juvenil por naturaleza y es más fácil hacerle caso a un chavo de 20 que a uno de 35”.

Desde el 2007, el guitarrista y compositor, se incluyó dentro del libro de artistas Gibson de Latinoamérica: “El trato empezó en Texas y me volví loco de gusto porque siempre he tocado Gibson. Recuerdo que ese día me regalaron una 335 y estaba feliz de la vida y ahora me siento muy honrado de pasar a la posteridad como guitarrista. Sin embargo, tengo claro que no es otra cosa más que negocio y yo más que el reconocimiento quiero que me den guitarras (risas)”.

Sin dejar de lado Jumbo, Flip planea continuar haciendo música e ir intercalando un disco solista con uno de Jumbo: “Ahora estamos en la producción del quinto material de Jumbo y terminando, empezaré a grabar mi segundo disco solista, así que estaré haciendo música todo el tiempo y realmente me gustaría poder alargar esta carrera porque es difícil la longevidad en este medio, pero definitivamente me veo a los 50 años haciendo música”.

Concluyendo la entrevista, Flip Tamez envió un mensaje para sus fans: “Visiten el My Space para que vean las fechas y me acompañen en los conciertos porque para mí, es la única experiencia que no se puede piratear o bajar y en México disfruto de tocar en pequeños bares de música propositiva. Así que presten los oídos a este disco porque me gustó mucho el resultado”.

“Cruzando todo el mar” es el primer sencillo de Adiós Domingo Gris que ya está disponible en todas las tiendas.

Publicado en www.indie-rocks.com

Cómo no te voy a querer

2009-08-11T21:13:00.012-05:00

Con la participación de Alejandro Belmonte, Siouzana Melikian, Arcelia Ramírez, Daniel Martínez y Natalia Esperón, se estrena este próximo 26 de Junio en el Distrito Federal la cinta Cómo no te voy a querer, opera prima del director egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, Víctor Avelar.

Cómo no te voy a querer, es la historia de Hugo Sánchez, un chico como cualquier otro que desea cumplir el sueño de jugar en los Pumas de la UNAM, en entrevista para Mustia, Víctor Avelar y Arcelia Ramírez comentaron: “Básicamente es una historia de amor en donde el fútbol sólo es el contexto, trata sobre un chico que tiene un sueño y hará muchas cosas para conseguirlo” comentó el director Víctor Avelar. “También es sobre la familia –añadió Arcelia Ramírez-, sobre las relaciones entrañables y el problema entre generaciones de padres e hijos, porque hay muchos jóvenes que quieren llegar fácil a sus sueños (como pasa en la película) pero es peligroso porque piensan que las cosas no se ganan con el sudor”.

La cinta se rodó en la cantera Puma de CU, en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, en el estadio Olímpico y en el CCH Oriente: “Fue muy difícil obtener los permisos para las locaciones, tuvimos que cambiar el plan de trabajo varias veces, aparte queríamos trabajar con gente de la barra, pero alguien me dijo: no te metas en broncas, mejor usa extras. Entonces traté de ser muy light con ese tema y cuando algunas personas vieron la película me dijeron: está muy leve, somos peores (risas) y está entendido que la película no se trata de barras, sólo es un soñador que no va más allá” aclaró Víctor Avelar.

La idea principal surge luego de que su creador viera una fotografía de un aficionado de los Pumas: “La historia salió de una fotografía de la barra de los Pumas, vi un personaje que seguro estaba festejando un gol y pensé que debía hacer una historia de él”.

Hugo Sánchez fue el nombre elegido para el joven protagonista Alejandro Belmonte: “Es un juego de palabras –continuó Avelar- el nombre de Hugo Sánchez fue elegido a propósito porque el nombre no lo es todo, es una paradoja porque nuestro personaje es todo lo contrario al verdadero Hugo, es una ironía”.

En esta película resalta la valentía de los personajes femeninos y el director explicó: “Me gustan las personas que luchan y aquí las más luchadoras son las mujeres y Arcelia Ramírez interpreta a una de ellas”. “Es un privilegio para mi poder hacer esta película –comentó la actriz- me encantó el guión, la historia y sobre todo los personajes porque son de carne y hueso”.

Además, el filme cuenta con la participación de Facundo: “De hecho Facundo abre y cierra la película –agregó el director- es un personaje que la gente identifica y él es puma y lo vestimos del América (risas)”.

La relación del estreno del filme con el campeonato de los Pumas es pura coincidencia: “Ganaran o no, la película se iba a estrenar. Además creo que la película va a jalar gente y también a impedir que vaya gente a verla por tratarse de los Pumas” añadió el creador.

Próximamente Víctor Avelar empezará a filmar su siguiente producción, la cuál relatará la vida del General Felipe Ángeles: “Será una producción más cara y empezará a filmarse a fines de este año para poderse estrenar en el 2010”.

Cómo no te voy a querer fue musicalizada por Alejandro Marcovich y en el Soundtrack se incluyen músicos seguidores de los Pumas como Los Estrambóticos y Micky Huidobro, así como Alex Lora, Panteón Rococó, Finde y la chilena Daniela Aleuy quien interpreta el tema central. El filmé se estrenará con 25 copias y posteriormente se llevará al interior de la república.

Publicado en: www.mustia.com

Radaid

2009-07-31T15:24:00.017-05:00

De la fusión de ritmos tradicionales con música contemporánea y la integración de instrumentos multiculturales como la tabla, el djembe y el didjeridoo, surge Radaid, una banda que logra su madurez sonora con su tercer álbum llamado L’Intent. Abran sus sonidos a esta propuesta de World music nacional.

Con un nombre derivado de la lengua árabe egipcia que significa Hijo o protegido del sol, se usa para expresar un estado elevado de la conciencia, Radaid se formó en 1998 por un octeto de músicos de alta calidad, que decidieron fusionar sonidos tradicionales árabes, de la India, África y latinoamericanos; con influencias claras de bandas como Cocorosie y Dead Can Dance. Esta banda mexicana proveniente de Guadalajara, nos presenta su más reciente producción llamada L’Intent.

Saúl Ledesma “El Muerto” (multiinstrumentista de la banda) nos comentó: “Es el disco en el que más hacemos notar nuestras influencias musicales, las cosas que oímos todos los días, aquello que más nos gusta. Decidimos componer sin miedo a lo que saliera, partiendo de lo que nos gusta y terminando en algo meramente honesto, ya que de repente Radaid se estaba convirtiendo más en un grupo didáctico (ya sabes, con instrumentos y música de otras culturas), pero en verdad lo que somos es un grupo que tiene algo propio que decir, algunas personas nos han criticado mucho por este cambio, otras lo han tomado de maravilla. En realidad buscamos decir lo que sentimos al momento, sin importar géneros o estilos, pero eso si, con la mesura y profesionalismo necesarios”.

Misticismo e intentos

El nombre del álbum L’Intent surge de la fascinación de la banda por el escritor Calos Castaneda; Saúl definió como: “En realidad tiene un doble sentido, por un lado el intento de nosotros mismos por lograr transmitir lo que sentimos con la música, sin tapujos y por otro lado, el significado místico que le da Castaneda a ésta palabra, representándola más como una voluntad para hacer y percibir las cosas que como un intento en sí. Además, escogimos el Catalán porque es un idioma muy bello y desconocido por muchos, mercadológicamente hablando, para abrirnos camino en Barcelona, ¿Por qué no? (Risas)”.

Hablando sobre el contenido lírico, Sofía Orozco (vocalista) explicó: “Quisimos abarcar el tema de la condición humana desde nuestras experiencias cotidianas, como músicos, tratando de dirigir el proyecto hacia un lugar, hasta poder describir casos nada comunices; como el de una anciana con hemiplejia y alzheimer, hasta niños que fueron descubiertos viviendo como salvajes desde nacieron en completo abandono. Quisimos manejar emociones como alegría, amor, terror, añoranza”.

El álbum contiene 11 tracks con sonidos fascinantes en los que destacan los temas: “Shine”, “La gran victoria sobre la muerte” y “Amála, Kamála”; sobre los gustos de la banda por las rolas Saúl nos comentó: “A todos nos gusta alguna canción en especial, pero en general nos mueven "Shine", "Nada que sea real" y nos encanta tocar "The Cravings of the Dead", ésta canción en vivo la disfrutamos mucho”.

En el aspecto gráfico, Radaid maneja un concepto propio del arte urbano y Víctor Aguilar se expresó al respecto: “Nuestra mayor influencia para éste último álbum fue el arte urbano, utilizamos mucho el esténcil. Además, el viaje que hicimos el año pasado a Europa nos influenció mucho para el cambio de imagen que dimos. Empezamos a trabajar con un nuevo diseñador, con el cual nos estamos entendiendo muy bien, plasma perfectamente las ideas que le platicamos”. Saúl inmediatamente añadió: “Nos influencia la vida misma, cada cosa que nos pasa, que vivimos o creemos, hemos utilizado técnicas de teatro para poder componer conjuntamente. Nos encanta Alphonse Mucha, nos encanta Jaime Sabines, nos encantan los personajes raros que te encuentras en la vida cotidiana”.

Conquistando el futuro y el mundo

Con 11 años de trayectoria Saúl dijo que lo más difícil ha sido permanecer juntos y respetar las diferencias de opiniones. Víctor complementó: “Aprendimos a decir lo que queremos decir sin dar tantos rodeos, a ser más directos con la gente, más libres, y hacer lo que nos mueve en ese momento. Antes nos preocupábamos demasiado por si les iba a gustar a la gente... Cada uno hemos obtenido experiencia en grabaciones, producción y proyección escénica por lo tanto éste último disco es más maduro y somos más libres en el escenario; por eso al grabarlo y producirlo fue más rápido que los anteriores”.

Actualmente, Radaid prepara su primera visita a Estados Unidos, específicamente a Los Angeles y San Diego. Sofía nos platicó: “Nuestra atención está dirigida a llevar nuestra música a muchas partes del mundo, estamos concretando ir a Europa: a Francia, Portugal y España. En el 2010 tenemos invitaciones a China y Canadá. Pero en lo que nunca paramos es en composición, ya tenemos la intención de un cuarto disco, un quinto y así hasta donde tope, queremos a nuestro público y queremos seguir tocando para ellos”.

Finalmente, Saúl envió un mensaje a sus fans: “¡Hagan las cosas con el corazón!, escuchen cosas nuevas siempre que puedan y ¡Apoyen a las bandas mexicanas independientes! “. Sofía añadió: “Escuchen la música con las manos, sean críticos de lo que perciben para que logren apreciar el trabajo de cualquier persona, apasiónense por lo que hacen y disfruten el arte como es”.

L’Intent es un disco que vale la pena escuchar porque que confirma la calidad que por años ha tenido la escena tapatía.

Publicado en: Indie rocks! Núm. 32

Bengala

2009-07-31T13:11:00.008-05:00

Ha sido un largo trayecto el que han tenido estos chicos, pues no sólo han compartido escenario con bandas de la talla de The Killers, Fobia, Franz Ferdinand y Molotov; Bengala logró también una nominación al Grammy Latino por Mejor Álbum de Rock del año, con su primer disco homónimo. Actualmente el quinteto nos presenta su más reciente producción llamada Oro.

La banda mexicana conformada por Diego Suárez (voz y piano), Amauri Sepúlveda (guitarra), Sebastián Franco (bajo), Jesús Herrera (guitarra) y Marcos Zavala (batería) regresa con su segundo álbum titulado Oro, el cual contó -una vez más- con la producción de Tito F. de Molotov.

Bengala se formó en la Ciudad de México en el 2003, cuando los cinco integrantes se dieron cuenta que tenían intereses en común, así fue como surgió el sonido característico de la banda (el cual no habían logrado con sus proyectos anteriores) Diego Suárez nos compartió: “En México ser rockero es una decisión bastante comprometedora y ha sido difícil mantenernos con este sueño, siempre estamos con las ganas de conservarlo, hasta ahora lo vamos haciendo bastante bien y estamos seguros que vamos a seguir en esto porque es lo que nos gusta hacer”. Marcos agregó: “Hemos enfrentado muchos retos, por ejemplo, sacar este segundo disco; pero creo que sacar materiales seguirá siendo un gran reto y cada vez nos convencemos más de que el tocar en vivo es muy importante, además hay que trabajar mucho; sobre todo ahorita que la escena independiente está demostrando que la industria disquera está en crisis, (no sé si terminando, al menos está teniendo cambios muy importantes), se encuentra en un momento muy inestables y lo que queda es tocar y realmente dar un buen show”.

Después de ganar el concurso que los impulsaría a grabar su disco debut, Bengala emergió en el 2006, logrando el éxito con su primer sencillo “Carretera”.

“¡Es sin duda nuestro disco favorito!” dice el bajista Sebastián Franco, al iniciar la entrevista exclusiva que Bengala dio a Indie Rocks! e inmediatamente después el vocalista Diego Suárez añadió: “estamos muy contentos, fue un acierto volver a trabajar con Tito, él entendió exactamente lo que queríamos hacer en éste disco porque aunque no es un disco experimental si es más arriesgado en cuanto a sonidos y ritmos que lo que ya habíamos hecho. Tiene más sintetizadores que el disco pasado, de hecho el primero era completamente de guitarras y en este disco hay mucha variedad de ritmos, tiene desde canciones muy tranquilas, hasta canciones mucho más rockeras. La verdad estamos muy contentos con el resultado”.

Oro es un álbum se compone por 12 tracks, en los que se devela la evolución de Bengala, pues las melodías ahora son más complejas y están ligadas a letras mucho más intimas; Diego Suárez comentó al respecto: “nuestros sentimientos están plenamente reflejados en él, básicamente las canciones hablan del desapego, los temas van desde descripciones del dolor de la relaciones hasta el desapego en todos los sentidos (material y sentimental). La onda va por ahí, lo que dicen las canciones son lo que hemos estado sintiendo estos últimos dos años que estuvimos haciendo las canciones. Creo que por eso es tan importante para nosotros, pues es algo totalmente sincero, lo que ponemos allí es lo que somos nosotros. Además de que también hay mucha energía, lo cual lo hace un álbum que va a sonar bien cuando toquemos en vivo, junto con las rolas que ya conocen; nos consideramos una banda 100% de tocar en vivo y este nuevo trabajo nos vuelve a dar la oportunidad de presentarnos, pero sobretodo hacer un show más didáctico y entretenido, creo que lo más interesante de este disco va a ser verlo ejecutado en vivo”.

No por nada “Oro”, la canción más tranquila del disco, fue la que le dio el nombre a esta producción. Esta pieza se compone principalmente de voz y piano, el baterista Marcos Zavala explicó: decidimos que el álbum se llamara así porque esperamos que en eso se convierta (risas). Esta canción que da nombre a nuestro material, es curiosamente la pieza que más se aleja a lo que veníamos haciendo en el disco anterior, es como la más para abajo que tenemos y parte el disco exactamente a la mitad; eso quedó bien padre”. “Además – interviene Sebastián Franco- la canción habla del desapego hacia ciertas cosas, cada canción tiene que ver con eso y lo más curioso es que nos dimos cuenta hasta que habíamos finalizado el disco”.

Como primer sencillo se lanzó “Vamos otra vez”, una canción poderosa; claramente uno de los temas más sobresaliente del álbum, el guitarrista Amauri Sepúlveda comentó al respecto: “creo que todas las canciones del nuevo disco tienen su propio encanto… No podría decir mi favorita pero cada quien tiene la suya y esto es el reflejo de que el mayor valor de este disco radica en ser muy diferente a lo que fue Bengala”.

Resulta ser tan diferente Oro, que incluye un tema como “Elefante”, una rola en la que llama la atención la intervención de un coro de niños, que forman parte de la escuela propiedad de la mamá del vocalista (algunos de ellos padecen capacidades diferentes); Marcos Zavala ultimó: “Gracias a esos niños, “Elefante” es una canción tan especial para nosotros; nos dio la oportunidad de hacer algo completamente diferente. En general, el disco nos tiene muy entretenidos, porque sumamos nuevos elementos y desde que lo terminamos hemos estado solucionando pequeños detalles para que suene bien y quede perfectamente como nosotros queremos”. “Hasta el momento –dijo orgulloso Diego Suárez- estamos intentando sonar sin ayuda de la tecnología para aprovechar que somos cinco músicos y eso es algo que está bien chido”.

Respecto al arte del disco se revisaron varias propuestas pero finalmente decidieron apoyarse en el buró creativo llamado bANG bURO, la encargada del proyecto fue Rita Marimen; Diego Suárez aseveró: “Recibimos muchísimas propuestas, escucharon el disco varios artistas gráficos, pero al final nos gustó mucho el trabajo de Rita Marimen, el resultado fue una foto muy padre, que básicamente era lo que queríamos desde el principio: Un retrato de nosotros, pero la imagen que Rita nos mandó era una propuesta bien padre, tiene la cara de una chava con un coche detrás y la contraportada es nuestra foto, quedamos muy contentos con el resultado”.

Cuando ahondábamos en el pasado de esta agrupación, descubrimos que la idea principal de Bengala era sacar su primer álbum homónimo con una disquera independiente pero su destino los llevó a firmar con una disquera trasnacional, la cual los sigue apoyando en este nuevo lanzamiento: “Hemos aprendido a tener paciencia… – comentó el bajista- Tanto para tocar como para todo lo demás; porque es lo único que hacemos. Nos ha costado mucho saber que estamos en una disquera grande y que las cosas no siempre son como queremos, pero aún así estamos felices”.

A pesar de esto, la banda sigue interesada en lo que pasa alrededor a la escena independiente en México, Sebastián Franco comentó: “la escena independiente es un movimiento musical que apenas está empezando, yo creo que en unos años va a estar más consolidada; debido a que las disqueras actualmente ya no pueden dar el apoyo suficiente y por tal motivo las bandas van a tener que empezar a buscar más alternativas para poder salir adelante. Por eso, entre más bandas haya y/o menor sea el apoyo de las disqueras, más tienes que buscar otras maneras de solucionarlo”. Diego Suárez continuó: “La escena independiente en México está en pañales, pero es obvio; de entrada el rock es un género musical que no ha sido muy estable, ha ido creciendo por etapas, ya sea por moda o por generaciones de bandas; pero esperemos que a partir del boom que tiene ahora se vuelva más estable. La escena independiente es una cosa como emergente, una escena muy nueva que poco a poco irá creciendo y ojala se vuelva una industria productiva, que es lo que se necesita porque hay una gran cantidad de bandas pero de allí a que se den a conocer y que realmente puedan vivir de esto y que puedan hacer grandes giras, faltan bastantes años. A pesar de esto, la independencia tiene ventajas como poder hacer lo que quieras cuando quieras y como quieras… En cambio cuando estás en una disquera trasnacional, hay prioridades en la producción y por ciertas cosas tienes que esperar tu turno y también aprender a escuchar lo que es mejor para el disco”.

Pasando al tema de las nuevas tecnologías y la difusión de la música Marcos Zavala opinó: “Gracias a esto se han podido hacer buenas canciones y por lo tanto buenas producciones; pero se necesita trabajar mucho en la cuestión en vivo, porque, en lo personal, no hay una banda que en vivo me haga decir ¡Qué buenos son!, o ¡Qué gran trabajo! Hay muy buenas canciones, pero en vivo no hay que me convenza”. Amauri continuó: “Hello Seahorse! Me logró mover mucho con su canción “Bestia”, pero aún así, no hay una banda que con su show diga ¡Wow!”. Franco Concluyó: “Porque finalmente tocar en vivo es lo primordial para una banda, es lo que te da de comer y si no eres Zoé, no te cae ni un centavo si no te andas moviendo de un lado a otro. Ahora es a los músicos a quienes nos toca convencer a la gente de que nos vayan a ver tocar, y sobre todo de que vale la pena ir a ver un buen show”.

Bengala ha conquistado importantes escenarios como el Palacio de los Deportes, el Foro Sol y el Auditorio Nacional. Además de participar en festivales como el Motorokr Fest y el ya clásico Vive Latino; Diego Suárez nos platicó: “nos encantaría tocar en muchísimos más escenarios pero eso no está en nuestras manos, lo que pueda pasar con nuestra carrera y el disco no depende directamente de nosotros, lo que si depende es seguir haciendo discos que nos llenen y que nos hagan sentir orgullosos y felices como los que hemos hecho hasta ahora. Queremos continuar así, hacer mucha música para nosotros, si le gusta a la gente y se vuelve grande pues que chido pero si no, de todos modos lo vamos a seguir haciendo”.

Finalmente la banda decidió dirigirse a sus fans: “gracias por esperar el disco y por vernos tocar, vamos a tocar mucho para que vayan”.

Publicado en Indie Rocks! 32

Paola Vergara

2009-07-31T12:54:00.009-05:00

Luego de participar en distintos proyectos, la mexicana Paola Vergara decide lanzar su primer álbum titulado Semilla, el cual reúne distintos ritmos como el rock, pop, bossa nova y funk, que representan las etapas por las que ha pasado esta talentosa cantautora.

Su primer sencillo “Mar” revela la esencia de este disco que contiene 11 tracks en español e inglés, ritmos simples que resultan agradables al oído. Entre las canciones más destacadas se encuentran “Don’t Stop”, “Seguro Hoy” y el sabroso bosanova de “Magia”.

Semilla es fruto de una fusión de world music con líricas interesantes y una voz amena, que lo hacen un álbum de pop inteligente que vale la pena escuchar.

Publicado en Indie Rocks! No.32

www.myspace.com/paolavergara

Víctimas del Dr. Cerebro

2009-07-06T20:36:00.011-05:00

Del terror clásico y de la ciencia ficción mexicana proveniente de la película El Santo VS El Cerebro del Mal, surgen Las Víctimas del Dr. Cerebro, una banda que se permitió explorar diversas corrientes musicales a través de proyectos alternos. Ahora vuelven a sus orígenes con su nuevo disco titulado Fantasma.

Después de algunos años de mantenerse en stand by debido a proyectos alternos, la banda mexicana Las Víctimas del Dr. Cerebro originaria de Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México, regresan con su más reciente producción llamada Fantasma en el que plasman historias más reales y muy personales que hablan de amor y desamor; combinadas con ese humor negro que los caracteriza. El álbum rescata los orígenes de la banda fusionando diversos estilos que los han mantenido vivos después de casi 21 años de trayectoria. Es así como Las Víctimas del Doctor Cerebro platican para Indie Rocks!

“A éste disco le tenemos un gran amor porque ha sido escrito, producido, arreglado y grabado por nosotros” – nos comentó el capo de la banda y de la familia Flores, el mismísimo Chipotles- “Por eso estamos muy a gusto y muy contentos con éste disco, pues sentimos que va por el rumbo del disco Invencibles, como retomando las raíces de Las Víctimas del Dr. Cerebro y a la vez buscando un sonido nuevo. Creo que hemos progresado en el camino y seguimos buscando, seguimos estando al día y mirando hacia delante. Creemos que el disco es un reflejo de la experiencia y el momento histórico que vivimos, siempre hemos buscado distintas vertientes musicales, literarias o vivénciales por ello estamos muy satisfechos de seguir desarrollando las ideas que se acoplan mejor a este proyecto”.

Tener una carrera tan larga en el rock mexicano es algo sumamente difícil, pero tener una carrera independiente en el rock mexicano es aún más, por eso Abulón líder de la banda nos dice: “La escena independiente es la manera en la que durante mucho tiempo la música no comercial ha podido existir en México, desde los 70, muchos músicos de diferentes géneros (no necesariamente rock) tenían que abrirse camino en una escena inexistente e intolerante; hasta hoy sigue siendo una opción tanto para músicos como para publico o medios en busca de una alternativa. Sin embargo, la palabra independiente, también como el grunge en los 90 o el rock en español se ha convertido en una marca o una forma de especificar comercialmente la música, para ser vendida olvidando de que la idea de ser independiente no comulga necesariamente con tendencias o modas suponiendo que ser independiente te da libertad de experimentación total, ya sea en la forma de hacer tu música, distribuirla, crearla, conceptualizarla etc. “Está genial” –continuó Ranas guitarrista de Víctimas (como también se les conoce)- “Está muy chido que esté la onda del My Space y toda esa mercadotecnia, es grandioso para que la gente conozca tu trabajo, no necesariamente tiene que ser muy comercial para que la gente lo escuche, como en algún momento fue que no había cosas comerciales y no había donde ponerlas porque tenías que estar en una disquera y una disquera no aceptaba nada que no fuera comercial; por eso está chido que haya esa opción de mostrar el material hasta lugares que nunca te imaginas que llegaría, por ejemplo, con mi banda Atomic Beast, que no es nada comercial , subimos el material al My Space y a la gente europea les pareció interesante y nos llevaron de gira dos meses, está bien chido todo eso”.

La banda Tecnopal marca la pauta para la formación de las Víctimas del Dr. Cerebro y la canción “El esqueleto” comenzó a ser un éxito, Tuco (bajista de la banda) nos relata: “yo estaba muy chico, Chipotle y Abulón estaban en Tecnopal, grabaron un disco y yo quería comprarme una motocicleta, llegaron los discos a la casa y me robé una caja de discos para venderla en el tianguis, cuando el Chipotle vio que ya me había comprado mi motocicleta, dijo: ¿De dónde sacaste esa lana? Y justo cuando me iba a dar el primer cinturonzazo, empieza a sonar El Esqueleto y ya se escuchaba en todos los mercados, XV años, sonideros y en todos lados”. “Lo más chistoso (cuenta Chipotle) es que luego yo estaba oyendo la rola con los que vendían los discos, oía que decían: son una banda española, yo los fui a ver y yo les decía: ¡cual banda española, si somos nosotros y vivimos aquí atrás! y no lo creían hasta que ya retomamos el grupo”.

Tal fue el éxito de la canción “El Esqueleto” que los hizo acreedores a un disco de oro por altas ventas en piratería: “Imagínate que en una tocada llegaron y nos dijeron Queremos hacerles un reconocimiento por sus altas ventas piratas del disco Esqueleto Nosotros no teníamos ni un clavo, estuvo muy chistoso, de hecho el disco allí lo tenemos en nuestra colección del ego” agregó el jefe del clan Flores, el Chipo.

Actualmente Las Víctimas del Dr. Cerebro están enfocados en el lanzamiento de su esperado álbum Fantasma, el cual tuvo como primer sencillo “El cadáver del amor” estrenado en el 2008, pero lamentablemente, el álbum ha tenido un excesivo retraso: “la intención de éste disco como sabrán muchas personas (dice Chipo) era sacarlo el año pasado, pero por algunas situaciones no se pudo, por muchas circunstancias no se logró concretar y decidimos pasar a lo siguiente, si seguir trabajando en el disco pero ya no sacarlo el año pasado”.

El arte de sus discos y los performances han estado influenciados por el artista popular José Guadalupe Posada y la leyenda de la lucha libre El Santo: “Comenzamos haciendo un show arriba del escenario, cosas extra musicales y de repente la gente pensaba que el usar cosas extra musicales demeritaba la onda musical pero a nosotros siempre nos pareció interesante mostrar un espectáculo completo, la gente decía: ¡No es Halloween! Y siendo mexicanos no podemos escaparnos de todo lo que pasa en nuestro país, somos admiradores del humor negro pero a la vez chafa, de ese terror kitsch, como horror de broma, donde está El Santo, como varias personas de aquí del país, de los aztecas, de las mascaras y parte del mismo folclor de México en sí, el concepto en éste nuevo disco es como un jolgorio de día de muertos, los otros eran más alternativos como El Santo VS Las Mujeres Vampiro y salíamos con disfraces espaciales, con un par de zombis o aliens y cosas así. Todo era muy rescatado en nuestras raíces como la onda del Nahual. Lo más chistoso es que todas esas rolas son basadas en hechos reales que nos han pasado por ejemplo en algún momento llegamos a ver un Nahual” –declara el jefe Flores pero lo interrumpió Tuco con buen humor-. “Si, lo contratamos y toca el sax” (risas).

La temática lírica ha estado siempre dentro de una misma línea, el horror, el temor y los monstruos pero ahora las letras son menos fantasiosas: “Hablamos mucho de tener la postura de que ya no hay rock and roll, ya no hay industria, ya no hay bandas que hagan un tour bus así rajándose diario, mucho a la usanza de la vieja escuela. De hecho hay una canción que habla de la perdida del rock, ahora los grupos de rock es como lo que había hace unos años que eran los grupos pop ahora son los grupos rock, habla un poco de eso, de la perdida del rock. Además se habla un poco de todo, de alguien que se fue, de un amor que se muere, no la persona si no realmente el amor, de cómo queda el fantasma y hay cosas que se arraigan en la vida de las personas y que después de un tiempo se convierten en parte de uno, a veces muy tangibles o a veces imperceptibles, pueden ser sentimientos, colores, olores y palabras por eso el disco dio el nombre de Fantasma y la canción “El Cadáver del Amor” va dentro del concepto, siempre buscamos que todo vaya un poco armonioso, aunque las melodías son distintas. Todas las rolas nos parecen interesantes, hay otra que se llama “Huesos” que nos gusta mucho y además retomamos una vieja rola de Tecnopal que se llama “Duende”, puros temas románticos (remató con risas sonoras el Chipo)”.

“El Cadáver del Amor” fue realizada en un momento libre porque todos los integrantes tienen proyectos distintos: “el Chipotle tiene un estudio, yo Ranas tengo dos proyectos Atomic Beast y otro más en la onda indie que se llama Pop Killers, el Abulón tiene como tres, tiene $6M WEIRDO que ahora se llama Abominables tiene otro que se llama Synthetic Mars y otro que se llama Albina, y Tuco está poniendo una productora multimedia y tiene otro grupo que es completamente dark con música balcánica y se llama 3 Cuchillos. Además, las nuevas generaciones de Víctimas (los otros hermanos Flores) tienen grupos, es como un semillero de arte y cultura así que estamos completamente bombardeados de lo mismo y lo más difícil es seguir con la misma idea y mantenernos, ya vamos a cumplir 21 años como Víctimas y no es fácil” dice Ranas.

Las Víctimas del Doctor Cerebro se han presentado en lugares de todo el mundo y en festivales de la talla de Rock al Parque en Colombia y el ya clásico Vive Latino de la Ciudad de México: “nos gusta conocer nuevos grupos (dijo Tuco bajista de la banda), ir a festivales está bien chido porque ves muchas propuestas de todo y te pueden gustar o no y ves lo que está pasando, entonces esto te retroalimenta; aunque a nosotros musicalmente nos es un poco indiferente, porque realmente no nos basamos en ver que está de moda. Lo importante es que vas conociendo más y no nos estamos muriendo por ir a festivales pero nos encanta porque estás vigente (es como una rara contradicción), nos decían: que el Lollapalooza, que el Warp Tour, pero ya hicimos muchas cosas, está padre seguir tocando y eso es lo que nos llena, si se tiene que dar alguna cosa se dará”.

Además han compartido escenario con Kiss y Red Hot Chili Peppers, bandas de las cuales eran fans desde niños: “Jugábamos a ser los Kiss (dijo Ranas divertido) hacíamos historietas y llegó el momento en el que tocamos con ellos y después tocamos con Red Hot Chili Peppers. Ahora nos gustaría tocar con Christina Aguilera (risas). Ya hablando enserio, nos tocó ver a Radiohead cuando vino la primera vez y los bajaron a hielazos y ahora son una súper banda”. “También vimos a Joe Strummer (agregó Tuco), él acabo viviendo aquí, tocaba cada ocho días en el chopo y pasaban los punks y le aventaban cosas y luego ya lo veías chupando con ellos; era el güey más sencillo de todos siendo un master. Al final de cuentas ves que todos somos seres humanos que nos aferramos a nuestros sueños, realmente el fanatismo ya lo dejamos atrás, muchas botellas atrás”.

La banda se ha caracterizado por apoyar a nuevos talentos, dándoles oportunidad de abrir sus conciertos y de actuar en sus videos tal como dice el señor Chipo: “Hemos tocado con bandas que van creciendo y después son súper famosas, siempre hemos metido gente nueva porque a nosotros no nos ayudaron, nadie nos dijo: ¡Vénganse!, al contrario a mucha gente no le gustaba tocar con nosotros porque éramos muy desmadrosos” (risas).

A lo largo de los años, han surgido experiencias que han marcado la carrera musical de Las Victimas del Dr. Cerebro y Ranas nos cuenta: “Estuvo medio fuerte, una vez que fuimos a tocar a Tijuana, después de la tocada cada quien agarró la fiesta, quedamos todos regados y al otro día teníamos que volar para tocar acá en el DF., entonces todos estábamos perdidos y borrachos, unos estábamos en San Diego y Tuco se perdió en el desierto, caminó como dos horas. Al final llegamos corriendo al aeropuerto y el vuelo ya se había cerrado y no nos dejaron pasar, pero resulta que ¡El vuelo se cayó! Podemos decir que tenemos un gran ángel que nos cuida”, “El Don Pedro nos cuida dijo Chipotle riendo y recordando otra anécdota. “También, una vez tocamos y en la parte del performance teníamos unos zombis, unos muertos y teníamos una momia en la base del teclado, fue de la primeras que compramos, nos costó un trabajazo conseguirla, el chiste es que cuando terminamos el show ya no estaba la momia, pero teníamos que estar en la ciudad como dos días más para hacer promoción y nos llaman por teléfono: Oye tenemos su momia, vengan por ella (risas) nada más querían que fuéramos a su casa y si fuimos por ella, porque era parte del show. Otra ocurrió en Los Angeles, cuando estábamos tocando, Ranas se aventó al público, vemos que se hace una bolita y cuando se empiezan a quitar, sale Ranas desnudo (risas). Pero la que más recuerdo (continúa Chipotle) es cuando me aventé a la gente y desmayé a una chava con la traquea y se me inflamó y tardé tres meses sin hablar”. “Por eso le quedó el cuerpo de un sapo – dice Tuco riendo- y la chava al ratito seguía ahí en el slam. Cada tocada hay una anécdota, más porque somos muy irreverentes, inquietos y desmadrosos”.

Categóricamente, puntualiza el jefe del clan Flores la irreverencia ha dominado la no convencional carrera de Las Víctimas del Dr. Cerebro: “Creemos que no hemos tomado malas decisiones, hemos sido muy irreverentes, nos hemos reído de todo y de todos, hemos hecho lo que hemos querido y nos da un gusto tremendo seguir aquí aunque ahora ya maduramos, somos más serios y pensamos de otra manera y aún así seguimos de irreverentes, no con la misma fuerza que antes pero ésta banda se ha caracterizado por eso, por ser muy rebelde, por ser una representación total de la irreverencia y eso no quiere decir del valemadrismo si no de reírte de las poses, de cómo la gente trata de engañar a la gente”.

Finalmente, los músicos enviaron un mensaje a sus seguidores en voz del Chipo: “Queremos agradecer a la gente por apoyarnos y para nosotros un gusto tremendo seguir estando aquí, seguir haciendo música y que la gente la reciba bien, eso es para nosotros una satisfacción grande. Nuestros planes inmediatos es venir a ver como trabajan estos güeyes de Indie Rocks! (risas), trabajar con éste disco, echarle ganas y trabajar y trabajar hasta las últimas consecuencias”.

Definitivamente, Fantasma es un disco esperado que demuestra que Las Victimas del Dr. Cerebro siguen vivas y pueden seguir ofreciendo propuestas para los viejos seguidores y las nuevas generaciones.

Publicado en Indie Rocks! No. 31

Cat Stevens

2009-06-25T13:39:00.014-05:00

En 1977 después de casi perder la vida ahogado en las playas de Malibu. Cat Stevens relata: “vi a Dios y le pedí que si me salvaba trabajaría para él”.

Este hecho ocasionó que Cat Stevens se volviera Islam y cambiara su nombre a Yusuf Islam gracias a encontrar la paz a través de la lectura del Corán.

Pero ¿Quién es Cat Stevens? Es un músico inglés que comenzó a escribir y componer música desde los 12 años. Fue nombrado por sus padres como Steven Demetre Georgiou.

Tras comenzar a tocar en bares locales cambia su nombre a Cat Stevens y con tan sólo 19 años lanza su primer álbum titulado Matthew and Son.

Uno de sus más grandes éxitos se le atribuye a la canción “The First Cut is the Deepest”, la cual venía incluida en su siguiente álbum llamado New Masters y que posteriormente versionara y popularizara Rob Stewart.

Un año más tarde, su vida cambia repentinamente cuando enferma de tuberculosis y permanece en el hospital por un tiempo, el cual le sirve para volverse vegetariano, meditar y leer.

Con su salud reestablecida firma contrato con la disquera Island Records para lanzar Mona Bone Jakon en 1970. El cuál cuenta con la colaboración del Señor Peter Gabriel en la canción “Katmandú”.

Al poco tiempo aparece Tea for the Tillerman uno de sus álbumes más reconocidos a nivel mundial con temas como “Hard- Headed Woman” y “Wild World”.

Debido a la terrible experiencia de la tuberculosis, escribió más de 40 canciones, por lo tanto, tenía una producción para cada uno de los siguientes años:

1971 Teaser and the Firecat
1972 Catch Bull at Tour
1973 Foreigner
1974 Buddha and the Chocolate Box
1974 Saturnight (Live in Tokyo)
1975 Numbers
1977 Itzitso
1978 Back to Earth

Al convertirse Islam abandona su carrera hacia 1979 ya que en su religión era polémico el uso de instrumentos musicales y el canto.

Ya con el nombre de Yusuf Islam se dedica a hacer obras educativas hacia los jóvenes musulmanes en todo el mundo.

Tras la publicación del controversial libro “Los Versos Satánicos” del escritor indio nacionalizado inglés Salman Rushdie, Yusuf Islam comienza una campaña en Londres para desprestigiar al escritor y pedir su ejecución.

Al comprometerse tanto con su religión y al no poder dejar la música por completo, en 1995 regresa editando discos con temas religiosos.

1995 The Life of the Last Prophef
1999 Prayers of the Last Prophef
2000 A is for Allah
2003 I Look I See
2005 Indian Ocean
2005 Footsteps in the Light
2006 An Other Cup

Ya en el 2007, Yusuf fue premiado con el Ivor Novello, un premio que se da a los mejores compositores del mundo.

Actualmente se encuentra trabajando en una producción teatral llamada Moonshadow basada en su propia historia que incluirá muchas de sus mejores canciones. Además de material nuevo escrito especialmente para el show que planea estrenarse en el 2009.

Definitivamente ya sea como Cat Stevens o como Yusuf Islam, es un artista que hay que escuchar.

Publicado en Revista Soy Durango No.18

Instituto Mexicano del Sonido

2009-06-23T21:47:00.023-05:00

El Instituto Mexicano del Sonido está de vuelta con su tercer material discográfico llamado: Soy Sauce, un disco que mezcla hip hop, electrónica y cumbia y que cuenta con la colaboración de Ad Rock de Beastie Boys y Joselo Rangel de Café Tacvba.

Camilo Lara, líder del proyecto habla para Indie Rocks!: “es un disco que hice en un momento en el que estaba oyendo mucho el Re de Café Tacvba y leyendo “Rayuela” de Julio Cortázar, era un período de cosas medio inconexas que me gustaban y escuchaba música de muchos estilos e hice cosas para distintos lados y me di cuenta que todas eran tan diferentes que tenían una unidad, por eso empecé con toda ésta idea de Soy Sauce porque en inglés puede ser el nombre más absurdo, está padre que te puedas llamar salsa o que seas un árbol súper fuerte. Tiene ésta cosa medio dadaísta, acercarme a todo y un poco nada a la vez”.

El álbum se realizó con una vieja computadora, misma que ha usado para hacer sus anteriores discos: “si, la computadora ha de tener unos 14 años, con esa trataron de hacer el primer disco de Plastilina Mosh y no pudieron porque ya era media obsoleta –risas-, ¡pero le tengo un amor a esa computadora!, ¡tiene una fidelidad que me encanta! Aunque al final pasó a otras computadoras más modernas y fue realizado de una manera más profesional”.

Cada país tiene un sencillo diferente y en México se lanzó “Hiedra Venenosa”: “la canción habla del típico amor que encuentras en un antro, en mi caso fue en el Pasagüero y nunca más supe de ella, pero son amores fugaces que seguro si te marcan en la vida aunque sea por esa noche”.

Con 12 temas y 2 bonus tracks, Camilo Lara nos platica: “los discos los hago entre novias, según yo no puedo hacer discos porque te roba mucho tiempo y tienes que ir al cine y esas cosas –risas- pero hay una excepción, una canción que se llama “Te Quiero Mucho” que la hice para reconciliarme con una novia y tiene esa cosa como de hablar encima de la canción, está llena de sonidos, habla de amor en una selva y salen elefantes, leones, perros, un teléfono y termina comiéndose el ruido a la letra de amor, ésta podría ser una de mis favoritas”.

El arte del disco estaba orientado a diseños de México 70: “esa era la idea y cuando llegó a la mesa del artista que hizo la portada, lo hizo pedazos y ya cuando nos enseñó eso fue un shock dijimos: ¡uta porque hizo eso! pero ya tenia mucho sentido porque todo el disco es un poco eso, cosas medio inconexas, me gustó que hiciera ese expresionismo, que le diéramos todo perfecto y que entregara todo muy raro”.

El Instituto Mexicano del Sonido se presentará en festivales como el Rock al Parque en Colombia, Coachella y Vive Latino. Además de visitar Francia y España: “vamos girar mucho, hacer remixes, quiero acabar mi novela y voy a estar tocando de aquí a Octubre, tenemos muchos festivales y quiero divertirme como enano loco”.

Soy Sauce en las palabras del propio Camilo “es el mejor disco del Instituto Mexicano del Sonido, tiene como una cosa diferente a los otros” y además será editado por diferentes sellos en Estados Unidos, Europa y Sudamérica. ¡Espérenlo!

Publicado en: www.indie-rocks.com

Alejandro Otaola

2009-06-23T21:25:00.019-05:00

Fractales es el nombre del proyecto solista de Alejandro Otaola, músico anglo-mexicano destacado por su participación en Santa Sabina, La Barranca y recientemente en San Pascualito Rey.

La primera vez que Alejandro Otaola se presentó en solitario fue en el año 2000, durante la presentación del libro de Jordi Soler “La novia del soldado japonés” y en entrevista exclusiva para Mustia, esto fue lo que nos platicó: “me presenté con una lira eléctrica y varios juguetes más, la mayor parte del evento estuve improvisando, dejándome llevar sin saber qué iba a suceder más adelante. Lograr mantener (de manera individual) un discurso musical interesante durante una hora, no es fácil. Por lo que cuando terminó el numerito y la gente se paró a aplaudir me di cuenta que soy músico. O sea, la manera que mejor tengo para comunicarme con otras personas es a través de malabarear y organizar el silencio frente a las 12 notas musicales”.

La presentación del proyecto Fractales, se realizó en el Polyforum Siqueiros, en un evento gratuito acompañado por músicos y amigos del guitarrista que participaron en la grabación: “fue un gran reto lograr presentar mi disco en el Polyforum, llegar a compartir todo eso le dio sentido a muchas de las relaciones musicales y profesionales que he construido a lo largo de los años”.
El álbum Fractales fue reconocido como el Disco Experimental del año 2008 en los Indie-o Music Awards: “el hecho es agradable porque refleja que la comunidad que escribe y difunde el quehacer musical aprecia lo que registro en un CD, pero es mucho más gratificante cuando el público aplaude esa música al escucharla en vivo. Un disco es como enviar una carta de amor y un toquín es como una cita cachonda”.

Hablando sobre su trayectoria musical, Alejandro Otaola compartió el mejor momento de su carrera hasta ahora: “fue el concierto de Fractales en el Festival del Centro Histórico en marzo de este año. Gracias a ciertos aditamentos tecnológicos se logró que sólo tres personas (los hermanos Arreola y yo) trasladáramos al escenario el concepto del disco”.

Próximamente, Fractales se presentará en la Carpa Intolerante del Festival Vive Latino: “es interesante que al abrir la Carpa para proyectos que –aparentemente- no estaban dentro de la línea comercial del Festival, se amplió el rango estilístico y se volvió una muestra más real de la música que se genera actualmente en México”.

Conversando sobre la escena musical en nuestro país, opinó: “creo que por un lado los grupos tienen mayor acceso a canales de difusión, pero los espacios para el rock en los medios masivos se reducen a proyectos que tienen detrás una disquera que payolée. Hay muchas bandas con propuestas interesantes como Los Dorados, San Pascualito Rey, Klezmerson, Troker, Los Músicos de José, Los Jaigüey y Cabezas de Cera, pero también hay espacios como My Space que permiten que “cualquiera” pueda subir música, generan tal cantidad de propuestas que hace que la calidad promedio sea menor que la que había hace unos años donde una banda adquiría tablas en el escenario y esto se reflejaba a la hora de grabar un demo o un disco. Creo que les hace falta escuchar música de varias bandas y estilos para no reflejar que los cuatro miembros de un grupo oyen lo mismo; luego escucharse a sí mismos a la hora de tocar sus propias rolas para pensar en la banda como un “todo” y no la pura suma de sus individualidades”.

Recientemente Alejandro Otaola se incorporó a San Pascualito Rey y se encuentra trabajando en el siguiente álbum de la banda: “además de eso, en Julio voy a musicalizar en vivo la película muda “The Man with the Movie Camera” en la Cineteca Nacional, parte de la música que componga para esa ocasión más algunos bocetos que ya tengo armados se volverán mi siguiente disco solista que calculo saldrá el año que entra”.

Finalmente, Alejandro Otaola envió un mensaje a los lectores de Mustia: “como decía Frank Zappa: La mente es como un paracaídas, si no está abierto, no sirve de nada". Así terminamos con ésta entrevista que demuestra que sigue habiendo buenos músicos en nuestro país.

Publicado en www.mustia.com

Opera Rock Dr. Frankenstein

2009-06-15T14:09:00.013-05:00

Escrita, musicalizada y dirigida por José Fors, llega a la Ciudad de México la opera rock Dr. Frankenstein que cuenta con la participación de artistas de la talla de Ugo Rodríguez, Iraida Noriega, Salvador Moreno, Alfonso André, Leonardo De Lozanne, Sara Valenzuela, entre otros. Un sueño hecho posible por la producción de Cultura UDG.

En entrevista exclusiva para Indie Rocks!, José Fors nos comenta acerca de dicha puesta en escena: “Frankenstein es un Monstruo hecho de muchos Frankensteins, lo llamaría como el Frankenstein del 2009, traté de conservar la esencia de la novela pero también tomo algo de las películas de James Whale de 1931 y 1935. Además de que creo que Frankenstein y el rock son dos palabras que uno empata fácilmente”.

Evidentemente Fors ha sido fan desde hace muchos años de este personaje: “no sé porqué, pero desde chiquito fui siempre muy extraño –risas- no era el típico niño y por algún motivo me encantaban los monstruos, una de las primeras películas que vi fue Frankenstein VS El Hombre Lobo en 8mm que tenía en mi casa y ya cuando vi las películas de Whale me enamoré de todo esto”.

Así que el proyecto se venia gestando desde hace mucho tiempo, pero fue a partir de Junio del año pasado que se comenzó a trabajar para hacerlo real: “en dos meses hice la letra y la música, en otros dos grabamos el disco. Fue un regalazo que Ely Guerra nos diera su voz para el disco pero estoy impresionado con el trabajo de Iraida Noriega, yo dije: mmm una jazzera, está interesante el asunto, pero definitivamente desde que se subió al escenario yo vi a Elizabeth. Fui muy afortunado de que me dijeran que si todos, porque escribí cada parte para cada uno, si por ejemplo: Ugo me hubiera dicho que no, hubiera sido muy difícil para mi encontrar a alguien que lo reemplazara pero afortunadamente ¡se enamoraron del proyecto!”.

Al ser un artista tan completo, debe ser muy grato conjuntar las cosas que te apasionan:” ¡ha sido un viaje! y estoy muy contento con los resultados, toda la gente que ha participado se ha fascinado de la misma forma”.

“En un futuro inmediato me gustaría hacer algo de cine con música, como antes la gente llegaba y proyectaban la película y tenían un pianista en vivo, me gustaría hacer lo mismo pero con siete guitarras eléctricas en lugar de un pianista, va a ser sobre La Metamorfosis de Franz Kafka y me gustaría hacer otra opera rock de la vida de Van Gogh o El Retrato de Dorian Gray”.

La opera rock Dr. Frankenstein se presentará este próximo 31 de Julio y 1 de Agosto en el Teatro Metropolitan con la participación de Ely Guerra como Elizabeth: “vean Dr. Frankenstein, no es algo sólo para rockeros, es una obra fuerte, no es un musical ñoño de bailecitos y de la vida color de rosa, es muy denso. Es una obra 100% humana en todos los aspectos, todo el peso cae sobre el factor humano, no estamos con escenografías pretenciosas, hace llorar y reír, creo que si estamos logrando esa sacudida emocional que esperábamos”.

Factory Girl

2009-06-12T18:22:00.010-05:00

El Documentalista y Director George Hickenlooper presenta en el 2006 Factory Girl, una historia ambientada en los años 60 que está basada en la biografía de la controversial Edie Sedgwick (Sienna Miller), una joven californiana que viaja Nueva York y conoce al artista pop Andy Warhol (Guy Pearce) que la introduce en el selecto mundo de La Fábrica y la convierte en la superestrella de sus films.

Tras el intenso romance entre Edie y la estrella de folk Billy Quinn (Hayden Christensen), Warhol se aleja de su musa y su éxito fugaz la orilla a una vida caótica hasta que fallece a los 28 años por una sobredosis.

Sin duda una película recomendable que nos acerca de una forma diferente al fantástico Andy Warhol a través de la vida de quien (en sus propias palabras) llegó a ser su verdadero amor.

Alter-Ego

2009-06-12T18:04:00.009-05:00

De la tradicional música norteña de Ciudad Juárez, emerge Alter-Ego, una banda que lucha por mantenerse en el difícil medio del rock. El quinteto ha conseguido presentarse en diversos lugares del país, colándose rápidamente en los oídos y cerebros de quienes los escuche. Despídanse de sus trajes de oficina y música aburrida, que llegan éstos relampagueantes músicos para ponernos a vibrar con su música.

Elektropasión es el nombre del primer material discográfico de Alter-Ego, banda de Ciudad Juárez, Chihuahua formada a mediados del 2005 por Alfredo Lozano (voz), Fernando Sanmiguel (guitarra y sintetizador), Armando Saucedo (batería), Jorge Palma (guitarra) y David Avala (bajo).

Como parte de su gira promocional, visitaron la Ciudad de México en donde realizaron múltiples presentaciones, aprovechando su visita, platicamos con ellos. Al empezar la entrevista y Jorge Palma nos contó: “el nombre surgió porque has de cuenta que estando en el escenario nos transformamos y sale nuestro Alter-Ego y así empezamos a tocar”. A lo que Fernando añadió: “lo que pasa cuando nos subimos a un escenario es lo contrario a lo que hacemos día a día, allí nos alocamos, ahí somos otras personas, nos trasformamos en algo que estaba oculto dentro de nosotros mismos”.

Alter-Ego es una mezcla de rock con el sonido característico del sintetizador: “suena a muchas cosas, a electrónico, alternativo, es una influencia de muchas bandas a lo largo de nuestras vidas (Muse, Rage Against The Machine, Interpol, hasta Intocable). No nos gusta encasillar nuestra música, es mejor que la gente vaya formando su propio juicio de nuestras rolas” –comentó Fernando-.

El15 de Noviembre del año pasado, fueron parte de la segunda edición de la Exporock Show en el WTC de la Ciudad de México, ellos describen como fue su primer gran experiencia en el Distrito Federal, según Fernando nos contó:”salió muy bien, hubo bastante apoyo de parte de nuestro manager Jan Axel y a la gente también le gustó mucho el rollo que traemos y las entrevistas que salieron ahí fue algo muy padre”.

Hablando del disco Elektropasión, Jorge nos comentó que no surgió de un día para otro: “fue como un año de machetearle, entre grabación y producción. Nos esforzamos al máximo los cinco, tanto en lo creativo, como en lo monetario, pues todo fue respaldado únicamente por nosotros nada más e hicimos todo lo que pudimos hacer con el LP”. Como resultado del esfuerzo realizado, Alter-Ego firmó contrato con Noise Kontrol: “el acercamiento se da por medio de Axel, al parecer les gustó lo que traíamos y aceptaron distribuirlo a través de la Republica Mexicana, por estas fechas lo verán en las tiendas” –agregó-.

De los nueve temas que lo conforman, “Ego” es elegida como primer sencillo, sobre esto Fernando dijo: “la rola trata de lo que quiere reflejar el grupo, es una persona que saca su Alter-Ego, es alguien que no tiene mucha suerte en la vida real, pero de repente saca ese otro yo y como en comercial de desodorante, se lo pone y empieza a atraer un montón de gente (risas)”. Sin embargo, el álbum no se basa por completo en este tema: “no habla de algo en especifico, más bien el despapaye, las fiestas; sobre pasártela bien, de que rokeen con sus amigos”. Inclusive nos comentaron que para el videoclip (que muy pronto se estrenará), ellos mismos armaron el guión, y lo van a combinar con escenas de su tocada en la Expo Rock show.

Fue sorprendente cuando Jorge nos dijo que a diferencia de lo que muchos creen, las cosas no son fáciles para las bandas fronterizas: “no es nada fácil, porque ahora predomina por acá la música norteña, aunque ahora se están abriendo las puertas al rock y la gente está empezando a escuchar más bandas de música original (antes cuando ibas a escuchar rock, eran puros covers), pocas bandas se están aventando a grabar su propio material o se pasan al lado oscuro de lo norteño (risas). Lo bueno es que se está abriendo una puerta importante en la frontera en cuanto al rock”.

Entre las anécdotas bizarras, siendo un grupo de Ciudad Juárez (ubicada por el conocidísimo caso de “Las muertas de Juárez”) nos comentó Fernando: “Ser habitante de Ciudad Juárez nos afecta, cuando salimos a otras ciudades de volada ya te tienen catalogado ¡Hay es de Juárez!, ¡Es narco!, ¡Es asesino de mujeres! Está canijo eso, la publicidad negativa que sale en los medios es muy fuerte, pero la inseguridad es igual que en cualquier otro lado, nada más que aquí lo manejaron puros amarillistas y por eso estamos con esas etiquetas. ¡No todos somos matones! (risas)”.

Al recordar las experiencias que les ha dado el mundo del rock, Jorge relató: Cuando tocamos en el Rockampeonato Telcel, yo afiné mi guitarra, se la di al que estaba ayudando a los músicos, pero la neta me confié y no cheque la afinación. Cuando empezó la canción mi guitarrita estaba toda desafinada y así tuve que tocar, por suerte nomás eran dos rolas, pero parecía guajolote, toda desafinadota”.

Así nos despedimos de estos chicos norteños, con promesas de regresar al Distrito Federal, para contagiarnos con la energía de su música y resucitar nuestros aburridos corazones citadinos con algo de rock fronterizo; además, para finales de éste año, esperan estar terminando lo que será su segundo material, que irán mostrando en su gira por la república.

Publicado en Indie Rocks! No. 29

I'm Not There

2009-06-11T20:15:00.005-05:00

Después del éxito obtenido con Velvet Goldmine, regresa el director Todd Haynes corroborando su pasión por la música con su más reciente creación llamada I’m Not There, un biográfico del extraordinario músico estadounidense Bob Dylan.

El film transcurre en los años 60 y 70, a través de diversas historias interpretadas por seis actores diferentes, entre los que destaca la increíble participación de Cate Blanchett que ganó el Globo de oro a la mejor actriz de reparto por esta actuación.

Cabe señalar que se debe tener idea de la vida del músico para comprender la fantasía del filme que definitivamente cumple con las expectativas y es la única que cuenta con la aprobación del mismo Dylan. En definitiva un must para todos los melómanos y rockeros de corazón.

Publicado en Indie Rocks! No. 29

Los Fraks

2009-06-11T15:33:00.008-05:00

Emprender una carrera musical en un país distinto al tuyo es un riesgo al que pocos se aventuran, Los Fraks decidieron tomarlo, con "Envuelto para llevar", que es el nombre de su primer material discográfico. Provenientes de Santiago de Chile, buscan conquistar México y quizá el mundo, con un sonido simple, desinhibido, pero muy prendido; estos chicos son capaces de hacerte bailar hasta en los lugares más insospechados y a la menor provocación.

Este trío lo conforman Arturo Salinas (baterista), Pablo Rojahelis (guitarra y voz) y Sebastián Cabib (bajista y vocalista). Al platicar con ellos, dijeron que por esos días, se encontraban haciendo presentaciones para promocionar el disco y Pablo de inmediato comentó: “¡Pero, también hacemos gimnasia en las mañanas!”. Y así, con una simpatía que poco a poco descubrí los caracteriza, comenzamos la entrevista.

Ante la pregunta de ¿Cómo se forman Los Fraks?, Arturo acaparó la palabra para explicar: “Nosotros tocábamos en la escuela (más o menos desde los 15 años), cada uno con proyectos diferentes y decidimos juntarnos en el 2007, después de 12 años” . Pablo en ese momento puso una cara de sorprendido diciendo ¡12 años!. “Y el nombre lo escogimos porque es corto y pegajoso; representa la idea que teníamos del sonido que buscábamos con nuestra música, una música con cierta elegancia” , completó Sebastián.

Según estos alegres chilenos, la decisión de venir a México fue inmediata, simplemente requirió que se armaran de valor, tomar las maletas y lanzarse a la aventura; Pablo ahondó un poco más y nos dijo: “Fue súper natural para todos, con la sinceridad que tenemos al ser amigos y decirnos uno al otro Oye sabes que hagamos esto; la respuesta fue por parte de todos ¡Va!. En el fondo teníamos la idea bastante clara, queríamos armar buenos proyectos; pero normalmente los músicos con los que estábamos no tenían la misma sintonía, al menos no como la que logramos nosotros tres juntos al conocernos tantos años”.

Hablando de sus influencias musicales Sebastián reveló: “Juan Gabriel y Luís Miguel… Ya hablando en serio, The Beatles, The Kinks y The Rolling Stones”, Arturo lo interrumpió para decir: “A mí me gustan cosas más actuales, soy bien fan de Supergrass, me gusta mucho Radiohead, de hecho hemos retomando cosas del OK Computer“. Para ese momento Pablo no se aguantó las ganas de decir: “¡Sonamos a rock con duranguense! Duranrock, tenemos bastante power, eso se notan desde las influencias que hemos tenido con personajes históricos, pero con un dejo propio, sabor meramente chileno”.

Siendo extranjeros ellos me sentí obligada a preguntarles qué es lo que más les había gustado de este país, a lo que respondieron al unísono sin dudar: “¡Las mexicanas!”, aunque Pablo declaró: “La gente en general, el calor humano, la buena onda que se siente. Además nos encantan algunos platillos mexicanos: los chilaquiles, tacos al pastor y las tortas.”, allí fue cuando Sebastián añadió el dato cultural del día: “¡Es que en Chile no hay tortas!”.

A través de los años, han tenido la fortuna de colaborar con personalidades como Joselo Rangel de Café Tacvba y Álvaro Henríquez de Los Tres, de quién Sebastián presumió: “Álvaro y yo tenemos una relación… (risas). Fue increíble aprender nuevas formas de cómo trabajar en estudio, son experiencias que te enriquecen. Llegué al grupo de Álvaro mediante una audición, andaba buscando bajista para su proyecto solista, a la audición llegamos 600 personas y gané yo; empezamos a trabajar juntos y entablar una amistad que se mantiene hasta el día de hoy”.

Conversando acerca de "Envuelto para llevar", Arturo mencionó: “Este disco lo grabamos en Chile, quedó sonando súper bien, se logró el sonido antiguo que queríamos respetar un poco. Además de que, quizá, la gente va a ver reflejada parte de su historia en las canciones.”; en palabras de Sebastián: “Básicamente habla de los desencuentros amorosos, pero tocamos temas más cotidianos desde la juventud hasta la marihuana; desde una perspectiva más divertida que angustiosa. En abril deberá estar en todas las tiendas”. “O en el tianguis de Tepito” según Arturo, que no podía dejar de reírse.

Ya casi acabando, más por morbo, les pregunté las diferencias entre la escena musical chilena y la mexicana: “En Chile no se da el My Space por ejemplo, para nosotros ha sido una herramienta importante; fue increíble llegar a México sin uno y en tres meses llegamos a las 10,000 visitas, muchísimos comentarios y gente agregándose. Me gusta el contacto directo que uno puede tener con la gente que gusta de tu música” dijo Álvaro. Sebastián por su lado reflexionó: “Creo que la mayor diferencia es que en Chile no hay tanto lugares donde tocar, sólo hay tres o cuatro foros. Además de que en los festivales de México hay una tendencia de hacer festivales de rock masivos y en Chile casi no”. Arturo finalizó diciendo: “Acá vienen músicos que no irían a Chile, hay más cultura musical, la gente está dispuesta a pagar un cover para ir a verte, en Chile te ruegan porque sea gratis…”.

Cuando se terminaba el tiempo hablamos de sus planes para este año, que hasta el momento son: Dar a conocer el disco, “Tocar harto para hacer conocida la banda acá en México y poder llegar a Chile con lo aprendido acá” según Sebastián. Así, terminamos esta amena entrevista con Los Fraks unos rockeros con mucho punch, atrévanse a conocerlos y verán que no se arrepentirán, nunca está demás un buen grupo latinoamericano.

www.myspace.com/losfraks

Publicado en www.indie-rocks.com

Nobajoq

2009-06-11T15:16:00.005-05:00

Música pictórica, llena de energía y uno que otro cover de Cri-Cri. Esto podría definir a Nobajoq, una agrupación oriunda del Distrito Federal, cuya misión es la vida es despertar conciencias y divertirse tocando buen rock.

Miguel –vocalista y guitarrista de la banda- tomó la iniciativa de esta entrevista y comenzó a explicarme por qué se llamaban Nobajoq: así como componemos una canción, construimos una palabra de manera intuitiva para que signifique lo que hacemos como músicos. La palabra Nobajoq es como los sonidos que escuchas en nuestra música. Curiosamente, unos días después de que decidimos usar este nombre, Misael, el guitarrista –quién por su familia conoce el hebreo-, encontró que Nobajoq significa “ley nueva” u “hombre nuevo”, la casualidad en el hebreo nos llamó mucho la atención (risas)”.

El sonido de esta banda, con nombre pegajoso y accidentalmente profundo, es el resultado de la influencia de grandes personalidades como Brian Eno, John Lennon, Jimmi Hendrix y Punk Floyd, pero pocos saben que Cri-Cri también formó parte de su desarrollo musical y entre risas estos chicos comentaron: “¡Cri-Cri nos influenció a todos desde niños! Mi papá me cantaba “Negrito bailarín” cada que me veía, era como un juego y yo le decía: ¡Ya Papá!”

Se sentía un ambiente jovial, entre chistes y sandeces platicamos del lanzamiento de su primer material llamado Estructura en el 2006: “Grabamos en el estudio de Timo pacheco, el guitarrista de salón Victoria y aprendimos mucho de cómo son las cosas en la música, pero sobre todo que se necesita dinero” –vaciló Nano-.

Cuando llegamos al obligado punto de su nuevo material Marchante, Miguel nos contó: “Trabajamos en un estudio en donde utilizaron un programa pirata para la grabación del disco, fue frustrante porque al final se metió mucho ruido, por eso no nos gustó el resultado”. -¿No hay satisfacción” repliqué- “No, la verdad no quedamos satisfechos con la grabación, quisimos repetirla y nos dijeron que teníamos que volver a pagar y ya no pudimos, sabemos que podemos dar un mejor material y, en cuanto tengamos el dinero, haremos un esfuerzo por lograrlo”. Pero esta insatisfacción sólo se refiere a la grabación, pues el proceso de composición está bien realizado: “Las letras las escribí yo, y no siempre tienen un significado literal, suelen ser metafóricas”. –siguió contando Miguel-. Y efectivamente, uno de sus mejores temas – en mi opinión- es “Cisne” y la banda coincide con ello.

Definitivamente, dedicarse a la música es una carrera difícil. Cuando platicábamos sobre las posibilidades que tenían y sus tocadas, finalmente el baterista Aarón se animó a comentar: “Las cosas pueden ser fáciles gracias a las nuevas tecnologías, el My Space sirve, pero al igual es contraproducente porque tienes mucha competencia. Todos hemos descargado discos de Internet y no digo que esté bien” –resaltó nano con simpatía y continuó: “Sólo a través de las descargas podemos conocer a varias bandas, de hecho así empezó el Chopo, con discos y cassettes pirata”. Aarón complementó: “Ahora es más fácil descargar una canción y si no te gusta, simplemente la borras y ya”.

Inmediatamente, Miguel entusiasmado añadió: “Nosotros también hemos regalado nuestra música. Cuando promocionábamos Estructura, llevábamos el CD a cada toquín y nos daban lo que consideraban, había quienes nos daban un peso, otros hasta 200; nosotros nos esforzamos por el diseño y hacemos todo a mano, cada quien le da el calor que considere justo. Con Marchante seguimos teniendo esa misma dinámica, lo pueden conseguir via Internet, por el My Space, en las tocadas, siempre al precio que ustedes quieran pagar”.

Fue inevitable que, en medio del debraye-entrevista, llegáramos a platicar sobre la situación musical de México. Miguel comentó mordazmente: “En nuestro país faltan medios e ideas que se guíen por el arte, sobran medios e ideas movidos por la batuta del consumismo. La música en México está llena de arte y de propuestas, la “escena” se guía por una idea plástica y controlada que ha tenido como estandarte grupos de ventrílocuo como RBD, pero también hay grupos con valor musical que son utilizados por el “brazo escénico” para beneficiar las ventas (como les pasó en algún momento a Molotov y Zoé). De todos modos, sí hay bandas con valor, nuevas e independientes que representan un escalón inferior en la “escena” y que le llegan a la ente que quiere propuestas”. Quizás el problema no esté en la falta de propuestas, sino en la carencia de un público dispuesto a recibirlas.

Cuando llegó el momento de hablar de sus planes a futuro, Miguel no pudo contenerse y dijo: “¡Componer hasta la muerte! Seguir dedicando nuestra música a esta loca sociedad y trabajar duro para mantenernos comunicados con ella”.

La plática daba para más, pero teníamos que finalizar y qué mejor que hacerlo con un mensaje para los lectores: “Prometemos superar este demo-auto producido y recuperar las canciones de nuestro álbum Estructura (porque nos las han pedido mucho). Busquen arte y abandonen el consumismo, cuestionen todo lo que reciban, cuestionen nuestro punto de vista, cuestionen esta revista” –rimó Miguel con risas-. Y así, con ese ambiente agradable, nos despedimos de los chicos de Nobajoq, recordando que el aguerrido espíritu de cuestionar todo y desafiar los límites, es la característica primordial del rock.

Publicada en Indie Rocks! No. 29

Nina Kinert

2009-06-11T13:48:00.005-05:00

Influenciada por Bob Dylan, Johnny Cash y Dolly Parton, regresa Nina Kinert con su tercer material discográfico llamado Pets and Friends, el cual, nos hace pasar de la alegría a la melancolía, casi sin percibirlo.

El álbum comienza con la pegajosa “Combat Lover”, sigue con excelentes canciones como “I Shot My Man” y la melodiosa “Pets and Friends” que le da nombre al disco. Sin embargo, uno de sus mejores temas es sin duda “The Art is Hard”.

Con tan sólo 24 años de edad, esta chica nos demuestra su excelente sentido musical, al componer y escribir todas las canciones que son interpretadas por su dulce voz.

Publicado en IndieRocks! No. 28

NIN

2009-06-11T13:29:00.005-05:00

Después de tres años de ausencia, Nine Inch Nails regresa a la Ciudad de México con el tour Lights in the sky para presentar The Slip, su octavo álbum el cual –para fortuna de los fans- se descarga gratuitamente a través de su página oficial.

La cita se dio en el Foro Sol el pasado 18 de octubre en el marco de la edición 2008 del Motorokr fest en donde se contó con la participación de bandas de diversos géneros y nacionalidades como: El cuarteto de nos, Pendulum, Los odio, The Kooks, Recolector, MGMT, entre otros.

Sin embargo, el cartel estaba encabezado por los surrealistas de The Flaming Lips, los grungeros de Stone Temple Pilots y los estelares Nine Inch Nails.

El festival comenzó con poca gente alrededor de las 14:00 hrs. y en el escenario naranja sonaban los mexicanos de Payro. Las siguientes presentaciones transcurrieron con éxito a pesar de que en todas se suscitaron consecutivas fallas de audio.

En punto de las 22:25 hrs. Trent Reznor salió al escenario negro en compañía de sus extraordinarios músicos en donde se enfatizó la participación del baterista Josh Freese -ya que unas semanas antes había anunciado que sería su último tour-.

Con un Foro Sol ansioso la banda comenzó con la estruendosa “999,999” para continuar con “1, 000,000” como lo venían haciendo últimamente en todas sus presentaciones. Posteriormente siguieron con los éxitos del famoso álbum de 1994 The Downward Spiral “March of the pigs” y “Closer” que encendieron al publico inmediatamente.

Uno de los puntos cumbres del show fue cuando descendió una pantalla gigante tras ellos y comenzaron a sonar los primeros acordes de la poderosa “Vessel” que coordinaban a la perfección con las imágenes emitidas en la pantalla.

Nubes y dunas ambientaban el lugar mientras sonaba la obscura “5 Ghosts I”. Siguiendo la misma línea, el viaje continuó con “25 Ghosts III” que con la ayuda de “19 Ghosts III” convirtieron el tiempo en recreación para los que no tenían nada que hacer ahí.

La potencia regresó con “Piggy” que se acopló a las proyecciones de ondas, siluetas e interferencia que en su mayoría eran de color rojo. Más adelante sonó “Terrible lie” y al continuar estupefactos con el show “Only” entraba con fuerza y puso a bailar a los presentes.

Con el ambiente a tope, el fade in de “The hand that feeds” hizo su aparición y George Bush en la pantalla también, poco a poco la imagen de Bush se convirtió en la de John Mccain y los gritos y la rechifla no se hicieron esperar.

“Head like a hole” el éxito de 1989 cerraba un extraordinario concierto en donde el foro vibró como respuesta a los brincos de la gente.

Nine Inch Nails se retiró y enseguida la pantalla proyectó en rojo el conocido logotipo con la abreviatura NIN. Faltaban muchísimas rolas y como era de esperase regresaron para interpretar “Echoplex” proveniente de su nuevo álbum y el clásico “Hurt” que resultó la más coreada.

El publico pedía “Starfuckers” pero ésta nunca llegó, en su lugar apareció “In this twilight” que fue la encargada de cerrar el evento.

Justo a las 24:20 hrs. Las luces del foro se encendieron lentamente y la gente se fue retirando impresionada y bastante satisfecha.

Definitivamente un festival exitoso en donde notamos una clara preferencia hacia la presentación de Nine Inch Nails ya que tuvo un excelente show acompañado de un sonido y una coordinación perfecta.

Publicado en Revista Gótica No. 32

Babasónicos

2009-06-11T13:12:00.008-05:00

La exitosa banda argentina Babasónicos conformada por Adrián Dárgelos, Diego Rodríguez, Mariano Roger, Diego Tuñón, Gabriel Manelli y Diego Castellano se presentó el pasado 13 de Marzo en Cuautitlán Izcalli como parte de su gira promocional del disco Mucho Más y en entrevista exclusiva para Chango, esto fue lo que nos contaron:

El álbum Mucho Más contiene temas grabados y compuestos en el mismo momento que el disco Mucho: “si, el disco está planeado como para que tengamos una novedad, con Mucho Más saliendo en éste momento tenemos un panorama de shows muy grande porque ya habíamos tocado Mucho en España y en todo Latinoamérica y en países donde no se habla castellano como Brasil y Bélgica. Ahora empezaremos otra gira bastante extensa estaremos en Teotihuacan y en Veracruz, con bandas que vamos a disfrutar mucho. También visitaremos Mexicali, Tijuana y San Luís Potosí para luego volver a Buenos Aires para planificar el resto del año”.

Con 17 años de experiencia musical y ganadores de reconocimientos internacionales como el Premio MTV, Babasónicos nos hablan sobre la escena del rock en nuestro país: “México posee un lugar como Estados Unidos al lado que tiene muy buena producción de rock. Sin embargo, desde el principio, logró grupos de gran calidad como Caifanes hasta llegar al crecimiento de Café Tacvba o Zoé, bandas súper talentosas como Silverio, Titán, Maria Daniela y su Sonido Láser y Plastilina Mosh, esa cantidad de bandas hizo cambiar por completo el panorama de lo que era el under del rock mexicano. Además, existían lugares como Rockotitlán, el Foro Alicia y La Diabla, todo eso le dio un circuito e hizo que se desarrollaran todas esas bandas, ahora es un momento de esplendor, están haciendo algo con un sello personal”.

Después de innumerables giras alrededor del mundo, justo aquí en Chango tuvieron una de sus más peculiares anécdotas: “la primera vez que visitamos Chango, se nos quedó el bajista varado en el aeropuerto de Perú porque se sentía mal y tuvimos que tocar con el iluminador que tocó algunos temas y el monitorista que tocó otros temas con bajo y otros los tuvimos que tocar sin bajo y a la gente no le importó nada, la gente estaba completamente loca”.

Finalizando con esta agradable entrevista, confesaron que México es uno de sus lugares favoritos para tocar: “nos gusta el respeto que se nos tiene, la gloria que es venir a tocar a un lugar donde la gente se enloquece y que tienen tanto respeto por nuestra forma de arte, nos admiran como músicos y de alguna manera nos aceptan como a muy pocos artistas les aceptan todos los caprichos, nosotros hacemos discos completamente diferentes y nadie nos dice nada. México es un publico que cualquier banda soñaría”.

Y así, salieron al escenario enseguida de la sorprendente participación de Los Weeds, para interpretar sus más grandes éxitos como “Y Qué?“, “Yegua”, “Cuello Rojo”, “Microdancing” y “Pijamas”.

Entrevista exclusiva para Bar Chango

Foto: Ademyr Cervantes

http://www.territoriochango.com.mx/web/index.php?option=com_content&view=article&id=88

Technicolor Fabrics

2009-06-11T12:57:00.004-05:00

Formados en el 2007, llega Technicolor Fabrics desde Guadalajara con su primer álbum titulado Run... the sun is burning all your hopes, el cual contiene 10 tracks fruto de la influencia de bandas como Phoenix e Interpol.

El resultado es una mezcla de ritmos cadenciosos con letras en ingles y canciones instrumentales que corren bajo la producción de Jorge Siddhartha –ex baterista de Zoé-.

El álbum cierra con una de sus mejores rolas “Clouds (in a thousand pieces)”. Cabe destacar que a pesar de su corta edad como banda, han compartido escenario con bandas internacionales como Moby, Underworld, The Whitest Boy Alive y bandas nacionales como Sussie 4 y Austin TV.

Publicado en Indie Rocks! Núm. 28

Perros Celestes

2009-06-11T12:45:00.005-05:00

Después de ganar el concurso del Hard Rock Stage en el 2002, regresan los Perros Celestes para presentarnos su segundo material discográfico llamado: “Perros Celestes”.

La charla se llevó a cabo en el Parque México, Joaquín García –vocalista- comentó que estaban por cumplir siete años como banda y entre tantos recuerdos mencionó: “hemos pasado por todo, una vez tocamos en Tlaltnepantla con Bersuit, el publico agreste nos aventó chicharrones, caguamas, piedras, todo lo que la banda se encontraba y sí, fue vergonzoso pero fue una gran lección. Un cuate se bajó los pantalones y no te platico lo demás”. –si si, cuéntalo, insistí-. “bueno ahí te va, ese cabrón era uno de los incitadores, yo lo veo que baja de la tribuna con toda la finta de lacra y camina rumbo al escenario, yo pensé -este cuate nos va a hacer algo-, se para en la mitad de la arena, se voltea, se agarra las nalgas, nos enseña el culo y grita: “mi culo canta mejor que tu” pero como loco y nosotros al ver eso así de ¡no mames!”, “pero si se echó unos coros medio olorosos” –complementa el bajista Andrés Vogel sin contener la risa-.

Después de escuchar esta increíble historia, comentaron que la idea de llamarse Perros Celestes surge a partir de una onda prehispánica y Jorge León –baterista- nos explica: “es una concepción mitológica de los aztecas, en la cual se hacían vasijas de barro en donde se metían los huesos de los muertos y se creía que los perros llevaban las almas de los muertos al cielo”. -no dudé en bromear- ¿Y si son muy perros? “somos muy perros, nos gusta ladrar y dejar todo en el escenario, además de que compartimos una idea de ayudar a los perros callejeros y ahora en el segundo disco incluimos una página: www.ladridopoderoso.org, de una organización oaxaqueña que junto con ellos, vamos a hacer unos shows y lo que se genere va a favor de los perros”.

Respecto al tema de la red, no pude evitar mencionarles que mientras navegaba en su My Space, encontré que entre sus influencias estaba Led Zeppelin, pero escribieron Zeppeling: “si –contestó Jorge León con risas- Zeppeling es muy chistoso, surgió porque fuimos a un concierto de Motley Crue y vimos playeras que tenían la gira con faltas de ortografía como Volivia y pensamos ponerlo mal en el My Space porque llama la atención de cierto modo”.

Regresando al tema musical, “Nuestra movie se acabó” fue una de las rolas que tuvo mayor aceptación, colocando el video en la programación de Telehit, pero ¿qué hay sobre el nuevo disco? Jorge León responde: “estamos muy contentos porque sentimos que sí logramos evolucionar musicalmente, como personas y músicos, en el disco se plasman canciones instrumentales con diferentes cadencias, seguimos teniendo influencias roqueras pero logramos incorporar otros sonidos, el proceso de composición fue hecho por los tres y se nos ocurrió complementar el disco con remixes con bandas como Da Punto Bit, No Somos Machos Pero Somos Muchos y DJ Aztec, para dar competencia con una buena portada color azul celeste y un buen precio, pero eso sí, todo en la cuestión de ayuda a los caninos”.

“Además –menciona Joaquín García- el diseño del disco lo hizo el artista gráfico Sergio Jamaica, un chavo talentoso que hace arte contemporáneo, fotografía y pintura, es amigo de la banda y tenemos mucho cariño por él, nos pudo leer perfectamente porque queríamos algo contemporáneo y lo supo aterrizar muy bien”.

Jorge León se reintegra a la conversación después de saborear unas nutritivas papitas y menciona: “pensamos promocionar este segundo disco de forma independiente, buscando todos los shows, tocamos en el DF y para el próximo año en Monterrey, para Febrero o Marzo queremos tocar en el Lunario, meter cuerdas e invitar a artistas que participen y así festejar nuestros siete años como banda. También haremos una reedición de Arde el infinito con un documental de la banda desde que surgimos hasta ahora, historia, shows, etc. “.

Bien adentrados en el tema, Joaquín García dice: “Escuchen el disco, contiene nueve canciones diversas, es un cóctel de emociones con funk, rock and roll, electrónico, trip hop, esperamos que les guste muchísimo y queremos que sepan que los Perros Celestes estamos en contra del fascismo, la ignorancia y a favor de la creatividad, ¡qué viva la diversidad! y ¡qué viva el rock and roll!”.

Continuamos platicando y al sentirse con más libertad, Joaquín García comentó cómo se conocieron: “estaba huevoneando en mi casa y me dijeron: “oye te habla un Jorge León” y yo dije: “¿quién? No conozco a ningún Jorge León” y contestó y me dice: “no me conoces, pero sé por un amigo tuyo que andas buscando banda cabrón y yo también, soy bataco, tu cantas, vamos a hacer el intento, pero dime la neta si toco de la chingada me dices: “tocas de la chingada” y ya, así se dio todo, pero faltaba otro y a Andrés lo conocí en la Ibero, sabía que tocaba el bajo, lo invité y ¡ni mandando a hacer el Adreson!”. ¿Sólo son tres? –Cuestioné- “cuando tocamos en vivo, tenemos un músico invitado, se llama Julián Pilar, es muy amigo de los tres, pero no es oficial” – Andrés Vogel expresa con timidez- “entre menos burros…” y las risas no se hicieron esperar.

Y así terminó el encuentro con los Perros Celestes, una banda que además de hacer música se preocupa y ocupa de los animales. Esperen su nuevo disco homónimo del cual se desprende el sencillo “Hoy te ves muy bien”.

Publicado en Indie Rocks! Núm. 28

Rebel Cats

2009-06-11T12:12:00.004-05:00

Un taxi volkswagen ecológico y el olor del cabello envaselinado del conductor me transportaban hacia mi destino, entrevistar a los Rebel Cats. ¡Ya me sentía en los años 50!

Llegando al edificio, me percaté que Vince Monster me esperaba en la ventana, “el timbre no sirve” –recordé-. Al entrar sentí un ambiente agradable, nos encontrábamos en el lugar de ensayo de la banda y así, rodeados de una batería, contrabajo y guitarra, nos sentamos en círculo para comenzar a platicar.

Vince tomó la batuta y comentó: “Los Rebel Cats es una banda de rockabilly, un género que surge a mediados de los 50 en el suroeste de Estados Unidos. Es el embrión del rock and roll, una mezcla de hilly billy y rock. Nosotros hacemos el revival en México”.

Pero, la idea de formar una banda de rockabilly es difícil ya que no es un género consolidado en este país: “Mi papá Vincent Van Rock escuchaba rockabilly desde adolescente porque vivió en el contexto de cuando llegó el rock and roll a México –continuó Vince-. Es música que he escuchado desde niño y hasta hace poco di con el psichobilly y así comenzamos con una banda de covers”.

Ya más integrados en la conversación, hablaron sobre el significado de su nombre: “El cats es un calo que se usaba en los 50 era como decir ahorita guey, lo utilizaban Bill Halley, Gene Vincent, Elvis Presley y Carl Perkins en sus canciones para referirse a alguien: “hey cats”. Por eso los Straight Cats en los 80 se pusieron así y el rebel por el cliché del rebelde sin causa por la estética como la de Jeans Dean”.

Y sí, la estética era evidente sobretodo esos copetes al estilo rey del rock: “Siempre nos vestimos así, es un estilo de vida, lo que nos apasiona y nos gusta, Elvis Presley es nuestra mayor influencia”.

Aquí ¿Cómo va la escena? “el rockabilly en México apenas empieza, desde hace tres años había grupos pero no rockabillies siempre eran o death rockers o punks o skinheads. Ahora ya hay publico rockabilly, mucha gente que tal vez antes era punk o emo o dark se esta cortando el pelo o haciendo su copete, igual las chavas ya con la onda estética de las pin-ups. Ya esta habiendo más bandas y gente que está conociendo y que le está gustando el rockabilly”.

Después de escuchar atentamente a su hijo, Vincent Van Rock se anima a intervenir y nos comenta: “poco a poco vamos haciendo espacios para la difusión del rockabilly, existen lugares donde se hacen tocadas de cualquier tipo de música, nosotros hemos ido a esos lugares para que nos den fecha y hacemos un evento que nosotros mismos promovemos”.

Ya entrados en confianza recordaron con risas las cosas que han tenido que enfrentar al salir al escenario: “la moda de los operativos es algo cotidiano, hemos tenido que tocar con calentura, con diarrea, con un dedo roto -interviene Alex Wolf- y con la gente que primero nos quiere bajar y luego no nos dejan porque les gustó” –continuó Vince-.

Y hablando sobre su trabajo material comentan: “sacamos dos EP que grabamos en el cuarto de ensayo pero ya hicimos una grabación “Rebel Cats” que está disponible en las todas las tiendas a través de la disquera Noise Control, no sabemos como es en ligas mayores pero la escena independiente nos ha funcionado muy bien”.

Ahora que los festivales se han vuelto una moda, Vince opina: “están muy bien esos eventos, porque traen bandas consagradas y también invitan a bandas independientes para darse a conocer. ¡Están geniales esos festivales, esperamos que ya nos toque uno!”. Entusiasmados por ese hecho, expresan: “nos gustaría compartir escenario con los iconos del rockabilly que siguen vivos, está por ahí Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Wanda Jackson, los Collins Kids –que ya no son kids pero ahí siguen- Joe Clay y muchos que todavía están rockabileando”.

Es bien sabido que bandas como Radiohead y Nine Inch Nails han puesto su música en descarga a través de Internet. Los Rebel Cats hablaron al respecto: “Están bien las descargas, nosotros dejamos bajar gratis tres canciones en el myspace y en la página de Reactor se puede descargar una, de todas formas si alguien quiere conseguir algo lo consigue y nunca falta quien se quiera comprar el disco como objeto”. Alex Wolf irrumpe: “aparte hay lugares a donde no llega el disco a otros estados por ejemplo, entonces ya lo pueden bajar de Internet”. Vince Monster continúa: “y se desquita en las tocadas con entradas y creo que es lo que más le deja a las bandas, los shows”.

Ya más serenos, comentaron: “actualmente grabamos una canción para una recopilación de surf, somos la única banda de rockabilly y empezaremos a promocionar el siguiente disco que será más purista como para que sea didáctico y más educativo. Además de que grabaremos un video”.

Finalizando esta agradable conversación que nos llevó a viajar en el tiempo, Vince Monster envía un mensaje a sus fans: “clávense en el rock, antes de hacerse los copetes investiguen, hay Internet, wikipedia, youtube porque ahorita la banda esta confundida con el rockabilly, psichobilly, rock and roll, r&b, váyanse empapando para que se pueda hacer una escena rockabilly como está en California, España o Japón”.

Ahí estuvieron los Rebel Cats, una banda que sin duda dará mucho de que hablar.

Publicado en Indie Rocks! Núm. 27

La Fée Verte

2009-06-11T11:53:00.004-05:00

Hoy en día está de moda consumir esta famosa bebida verde que fue prohibida hace muchos años, ya que sus efectos eran considerados contraproducentes. Pero, ¿qué es el absinthe?

El absinthe es un destilado, erróneamente llamado licor, que ha sido bastante controversial a lo largo de la historia, en gran parte porque contiene un alto porcentaje de alcohol; en promedio, va desde el 45% hasta el 89,9%. El ajenjo, también conocido como absenta, es un compuesto que se obtiene de la maceración de hierbas y flores en la cual predomina el ajenjo (Artemisia Absinthium). A esta composición se le denomina comúnmente como fée verte o hada verde, debido a su color. Su sabor se apega al anís y, al no contener azúcar, suele ser un poco amargo.

Para su preparación es necesario seguir el ritual tradicional que consiste en verter el destilado en un vaso de cristal, sobre el cual se pone una cuchara con orificios. En la cuchara se coloca un terrón de azúcar y finalmente se vierte agua fría a través del azúcar; la medida indicada puede ser desde un tercio hasta una quinta parte. Después de dicho proceso, la bebida se vuelve louché y debe beberse de un trago. Sin embargo, hay quienes preferían beberlo directamente de la botella, mientras que otros lo han mezclado con vino en vez de agua, y algunos tantos han experimentado agregándole ingredientes como pimienta, limón o naranja.

El sobrenombre de hada verde se debe principalmente al tono verde de la bebida. Sin Embargo, existe una leyenda en la que se afirma que después de tres vasos de absinthe logras ver una pequeña mujer verde. Con el paso de los años diversos artistas se refirieron al ajenjo como musa verde. Por otro lado, el célebre novelista, metafísico y ocultista británico Aleister Crowley, le apodó diosa verde, además de escribir el poema “La leyenda de la absenta” y un ensayo titulado “Absenta. La diosa verde”. Aunque ningún otro nombre fue tan popular como el original, algunos simplemente la llamado “La Fée” y a la fecha ha resultado un instrumento de experimentación, rebelión y provocación.

Época verde

La historia del absinthe data, en tónicos y medicinas, a la época del antiguo Egipto, aunque su utilización como bebida puede rastrearse al siglo XIX. Su creación se le atribuye al francés Dr. Pierre Ordinaire quien en Suiza comenzó a recetar a sus pacientes el elixir de absenta como un remedio para todo, pues inclusive este tónico, en 1840, era bebido por los soldados como un tratamiento para prevenir la malaria.

Tras la muerte del Dr. Ordinaire, la receta llegó a manos del empresario Dubied, quien fundó la primera fábrica de absinthe en Pontarlier, Francia. La bebida se expandió rápidamente con la ayuda de las tropas que regresaron a su país; esto, en conjunto con una plaga que redujo la producción de los viñedos, elevó las ventas del brebaje verde y convirtió al absinthe en la bebida de Francia.

El auge ocurrió entre 1880 y 1914k, cuando en Francia se bebían 36 millones de litros anuales y había cerca 200 fabricantes de absinthe. La bebida comenzó a circular por los cafés de Montmartre y en el Moulin Rouge. Pronto su popularidad llegó al grado de que los bebedores coleccionaban cucharas de metal de diversas formas tales como la torre eiffel. Pronto, las cinco de la tardé se convirtió en “la hora de la fée verte”. Debido a esto, el hada verde se fue convirtiendo -junto al opio- en musa de músicos, pintores y escritores bohemios como Amedeo Modigliani, Paul Verlaine, Édouard Manet, Pablo Picasso, Álvares de Azevedo, Victor Hugo, Arthur Rimbaud, etc.

Hubo quienes aseguraban que era una importante fuente de inspiración y creatividad, de hecho se especula que Vincent Van Gogh en 1888, ebrio de absinthe, se cortó el lóbulo de su oreja izquierda y se la dio a una prostituta. Oscar Wilde por ejemplo, afirmaba que: “después del primer vaso ves las cosas como te gustaría que fueran, tras el segundo las ves como no son en la realidad, y al tercero las ves tal como son, y eso es lo peor de todo". Wilde era conocido por ser un gran entusiasta, pues en otra ocasión dijo: “¿Cuál es la diferencia entre un vaso de absenta y el ocaso?”. Otro consumidor, el cartelista Toulouse-Lautrec, decía haber inventado una mezcla de ajenjo y coñac llamada Terremoto (Tremblement de Terre).

Para el poeta Charles Baudelaire, el absinthe “da a la vida un aura de solemnidad y aclara sus oscuros precipicios“ . Por otro lado, gracias al ajenjo, Ernest Hemingway se dio valor para escribir Muerte en la tarde, donde narra sus experiencias en España (donde incluso llegó a torear). También se dice que Alfred Jarry, dramaturgo francés, consumia absinthe puro y llegó a andar en bicicleta con el rostro pintado de verde. Por su parte, Charles Cros, poeta e inventor francés, bebía hasta 20 vasos de hada verde diarios, y aún así desarrolló inventos increíbles como el fonógrafo y el telégrafo automático. El poeta Paul Verlaine en uno de sus versos menciona : “Mi gloria es un humilde y efímero ajenjo”.

De las pinturas más importantes inspiradas por el ajenjo se encuentra “bebedor de absinthe” de Edouart Manet (1859). “L´absinthe” de Edgar Degas (1876) y “la bebedora de absinthe” de Picasso (1901) fueron muy escandalosas, ya que se retrató a las mujeres bebiendo libremente en la época victoriana.

Demonio Verde

Al comenzar el siglo XX el hada verde se convirtió en el “demonio verde” en Suiza. Una campaña de prohibición se gestó debido a los rumores en torno al asesinato de una mujer y su hijo, cometidos por un granjero bajo los efectos de la bebida en 1905. Para 1907 la bebida fue oficialmente prohibida en Suiza y esta medida pronto se extendió a otros países, gracias a los ridículos argumentos de los doctores Motet y Ott, que afirmaban que el consumo del producto provocaba espasmos y temblores; dichos estudios resultaron una calumnia porque eran realizados con esencia de ajenjo y no con el ajenjo que se comercializaba.

En Estados Unidos, una asociación cristiana repartía volantes que decían “ajenjo, la bebida del demonio”, y la sociedad antialcohólica en París exclamaba: “Los bebedores de absinthe mueren tuberculosos, locos o paralíticos”. Sus efectos han sido expuestos por algunos artistas como una sustancia alucinógena, que con excesivas dosis provoca abscesos de locura, pero en realidad el efecto y sus consecuencias son similares a los producidos por el consumo excesivo de alcohol.

Influencia verde

Dentro del ámbito musical también se nota una gran influencia tal es el caso de los ingleses de Cradle of Filth, quienes en el 2004 editaron un álbum llamado Nymphetamine, del que se extrae canción llamada “Absinthe With Faust”. Por otro lado, Marilyn Manson –quien tiene su propia marca de esta bebida llamada Mansinthe- y Johnny Depp pasaron juntos la víspera del año 2000 bebiendo absinthe.

La banda de metal de Symphony X en su álbum debut homónimo de 1994, le rinde honor a la bebida en su canción “absinthe and rue”. También Beth Orton interpreta “Absinthe” en su más reciente producción de 2006 Comfort of Strangers. El vocalista Marc Almond del ochentero dueto Soft Cell nombró su álbum de solista como: absinthe: The french album, y seguramente muchos recordarán el video de Nine Inch Nails “The Perfect Drug”, donde el vocalista, Trent Reznor, aparece haciendo el ritual de preparación del absinthe.

El hada verde también ha hecho aparición en el cine. Una de las escenas más representativas se encuentra en Drácula (1992), dirigida por Francis Ford Coppola; en una escena aparece el príncipe Vlad y Mina bebiendo absinthe en un café de Londres. Otra referencia aparece en el musical Moulin Rouge (2001), cuando el personaje interpretado por Ewan McGregor bebe el preparado junto con Toulouse-Lautrec. Asimismo, en la cinta From Hell (2001), puede apreciarse cómo los fumadores de opio en Inglaterra consumían este brebaje.

Por todo lo anterior, el absinthe significó un instrumento de innovación y transformación artística para los bohemios del siglo XIX. Para otros sólo es puro alcohol.

Publicado en Indie Rocks! Núm. 26